When I was considering a career in the art world, I took a course in London, and one of my supervisors was this irascible Italian called Pietro, who drank too much, smoked too much and swore much too much. But he was a passionate teacher, and I remember one of our earlier classes with him, he was projecting images on the wall, asking us to think about them, and he put up an image of a painting. It was a landscape with figures, semi-dressed, drinking wine. There was a nude woman in the lower foreground, and on the hillside in the back, there was a figure of the mythological god Bacchus, and he said, "What is this?"
예술 세계의 경력을 생각해 보았을 때, 런던에서 수업을 들었던 때가 생각납니다. 제 지도교수님들중 한 명은 아주 성격 급한 이탈리아 분이었는데 피에트로라고 불리었죠. 술을 아주 많이 마시고, 담배를 아주 많이 피우고 욕을 아주아주 많이 하던 분이셨습니다. 그러나 아주 열정적인 선생님이셨고, 저는 아주 초반에 들었던 그 분의 수업을 기억합니다. 그분은 프로젝터를 이용해 벽에 이미지를 보여주시며 우리에게 생각해 보라고 하셨었죠. 그리고서 그분은 그림의 영상을 벽에 보여주셨는데, 적당히 잘 차려입은 사람들이 와인을 마시고 있는 풍경 그림이었죠. 그림의 앞쪽에는 벌거벗은 여인이, 뒤의 언덕 쪽에는 그리스 신화의 바커스(Bacchus)의 모습이 있었습니다. 그가 말했죠. "이게 뭐라고 생각하나?"
And I -- no one else did, so I put up my hand, and I said, "It's a Bacchanal by Titian."
그리고 저는 - 아무도 대답하지 않아서 손을 들고 말했습니다. "티치아노가 그린 바커스제입니다." (*Tiziano Vecelli: 16세기 이탈리아 화가)
He said, "It's a what?"
"뭐라고?" 그분이 되물으셨죠.
I thought maybe I'd pronounced it wrong. "It's a Bacchanal by Titian."
발음을 잘못 했나보다 라고 생각하며 다시 말했습니다. "티치아노가 그린 바커스제입니다."
He said, "It's a what?"
"뭐라고?" 그분이 다시 말했죠.
I said, "It's a Bacchanal by Titian." (Laughter)
저는 다시 "티치아노가 그린 바커스제입니다." 라고 말했습니다. (웃음)
He said, "You boneless bookworm! It's a fucking orgy!" (Laughter) As I said, he swore too much.
그분은 "이 뼈도 없는 책벌레 같으니라구!" "이건 그냥 빌어먹을 놀자판이잖아!" (웃음) 말씀드렸죠, 욕을 아주 많이 하는 분이었다구요.
There was an important lesson for me in that. Pietro was suspicious of formal art training, art history training, because he feared that it filled people up with jargon, and then they just classified things rather than looking at them, and he wanted to remind us that all art was once contemporary, and he wanted us to use our eyes, and he was especially evangelical about this message, because he was losing his sight. He wanted us to look and ask basic questions of objects. What is it? How is it made? Why was it made? How is it used? And these were important lessons to me when I subsequently became a professional art historian.
저는 여기서 중요한 것을 배웠습니다. 피에트로가 정규 예술 교육이나 미술사 교육을 받았는지는 의심스럽습니다. 왜냐하면 그분은 학생들은 작품을 감상하기보다 그저 분류를 위해 전문 용어를 사용하는 것을 꺼려했거든요. 그분은 우리에게 모든 예술은 한 때 현대적이었으며 우리가 눈으로 감상하기를 바랐고, 그분은 특히 이러한 메시지를 전파하고자 하였는데 그 이유는 그분이 시력을 잃어가고 있기 때문이었죠. 그분은 우리에게 사물을 보고 기본적인 질문을 던져보도록 했습니다. 이게 무엇인가? 이게 어떻게 만들어진 것인가? 왜 이것을 만들었나? 어떻게 사용되는가? 저에게는 아주 값진 경험이었습니다. 특히 제가 예술사 교수가 된 이후로는 말이죠.
My kind of eureka moment came a few years later, when I was studying the art of the courts of Northern Europe, and of course it was very much discussed in terms of the paintings and the sculptures and the architecture of the day. But as I began to read historical documents and contemporary descriptions, I found there was a kind of a missing component, for everywhere I came across descriptions of tapestries. Tapestries were ubiquitous between the Middle Ages and, really, well into the 18th century, and it was pretty apparent why. Tapestries were portable. You could roll them up, send them ahead of you, and in the time it took to hang them up, you could transform a cold, dank interior into a richly colored setting. Tapestries effectively provided a vast canvas on which the patrons of the day could depict the heroes with whom they wanted to be associated, or even themselves, and in addition to that, tapestries were hugely expensive. They required scores of highly skilled weavers working over extended periods of time with very expensive materials -- the wools, the silks, even gold and silver thread. So, all in all, in an age when the visual image of any kind was rare, tapestries were an incredibly potent form of propaganda.
저의 유레카라 부를 수 있는 순간은 몇 년 후에 찾아왔는데, 북유럽에서 예술을 공부하고 있을 때였습니다. 물론 당시의 그림, 조각, 그리고 건축의 측면에서 활발히 논의되었었죠. 하지만 역사적 자료와 현대적 평론을 보기 시작했을 때, 저는 뭔가 부족한 점이 있다는 걸 알았습니다. 제가 태피스트리에 관한 평론을 읽을 때마다 그랬죠. 태피스트리는 중세시대와 18세기에 들어서까지 아주 흔했습니다. 그리고 그 이유도 아주 명확하죠. 태피스트리는 가지고 다닐 수 있었거든요. 말아서, 본인보다 앞서 보낼 수도 있고 혹은 걸어놓으면 춥고 칙칙한 실내를 풍부한 색감으로 장식할 수도 있었습니다. 태피스트리는 당시의 후원자들이 후원하고 싶어하는 영웅들이나 혹은 그들 자신을 표현할 수 있는 광대한 캔버스 역할을 훌륭히 해냈습니다. 게다가 태피스트리는 아주 비쌌어요. 태피스트리를 만들기 위해서는 숙련된 직공들이 아주 긴 시간동안 일을 해야만 했습니다. 아주 비싼 재료들을 가지고 말이죠 - 울이나 실크, 혹은 금실 은실을 같은 것들이었습니다. 다시 말해, 어떤 형태든 시각적 이미지가 아주 드물었던 당시에 태피스트리는 아주 훌륭히 프로파간다(선전)의 역할을 수행할 수 있었습니다.
Well, I became a tapestry historian. In due course, I ended up as a curator at the Metropolitan Museum, because I saw the Met as one of the few places where I could organize really big exhibitions about the subject I cared so passionately about. And in about 1997, the then-director Philippe de Montebello gave me the go-ahead to organize an exhibition for 2002. We normally have these very long lead-in times.
저는 태피스트리 역사학자가 되었습니다. 그런 과정에서 저는 메트로폴리탄 박물관에서 큐레이터로 일하게 되었습니다. 왜냐하면 메트로폴리탄 박물관은 제가 아주 열정적으로 관심을 가지고 있는 주제에 대해서 큰 규모의 전시회를 주최할 수 있는 몇 안되는 곳이었기 때문이었습니다. 그리고 1997년 경, 당시 디렉터인 필립 드 몽테벨로씨가 2002년에 있을 전시회의 구성을 맡겼습니다. 보통 우리는 그처럼 오래 전부터 전시회를 준비합니다.
It wasn't straightforward. It's no longer a question of chucking a tapestry in the back of a car. They have to be wound on huge rollers, shipped in oversized freighters. Some of them are so big we had, to get them into the museum, we had to take them up the great steps at the front.
그리 간단한 문제가 아니었습니다. 차 뒷편에 태피스트리를 넣을 수 없었으니까요. 거대한 롤러에 얹어 대형 화물 선박으로 운반해야 했습니다. 어떤 것들은 박물관에 들여놓을 수 없을 정도로 커서 입구에 계단식으로 전시해 놓아야 했습니다.
We thought very hard about how to present this unknown subject to a modern audience: the dark colors to set off the colors that remained in objects that were often faded; the placing of lights to bring out the silk and the gold thread; the labeling. You know, we live in an age where we are so used to television images and photographs, a one-hit image. These were big, complex things, almost like cartoons with multiple narratives. We had to draw our audience in, get them to slow down, to explore the objects.
우리는 이처럼 알려지지 않은 것을 현대의 관중에게 어떻게 보여줘야 하는 가에 대해 신중히 생각했습니다. 종종 빛이 바래곤 하는 태피스트리의 어두운 색상이 잘 보이게 하는 것이라든지, 실크나 금실의 색이 더 잘 보이게끔 조명을 설치하는 것들이죠. 아시다시피, 우리는 텔레비전 영상과 사진에 익숙한 시대에 살고 있습니다. 단편적인 이미지죠. 그러나 태피스트리는 크고 복잡하며, 여러 이야기를 전달하는 만화와도 같습니다. 관객들을 끌어들여 이 대상들을 천천히 들여다보게끔 만들어야 했습니다.
There was a lot of skepticism. On the opening night, I overheard one of the senior members of staff saying, "This is going to be a bomb." But in reality, in the course of the coming weeks and months, hundreds of thousands of people came to see the show. The exhibition was designed to be an experience, and tapestries are hard to reproduce in photographs. So I want you to use your imaginations, thinking of these wall-high objects, some of them 10 meters wide, depicting lavish court scenes with courtiers and dandies who would look quite at home in the pages of the fashion press today, thick woods with hunters crashing through the undergrowth in pursuit of wild boars and deer, violent battles with scenes of fear and heroism. I remember taking my son's school class. He was eight at the time, and all the little boys, they kind of -- you know, they were little boys, and then the thing that caught their attention was in one of the hunting scenes there was a dog pooping in the foreground — (Laughter) — kind of an in-your-face joke by the artist. And you can just imagine them. But it brought it alive to them. I think they suddenly saw that these weren't just old faded tapestries. These were images of the world in the past, and that it was the same for our audience. And for me as a curator, I felt proud. I felt I'd shifted the needle a little. Through this experience that could only be created in a museum, I'd opened up the eyes of my audience -- historians, artists, press, the general public -- to the beauty of this lost medium.
비관적인 의견들이 많았습니다. 개막식 날 밤, 고위 스태프 한 사람이 말하는 걸 우연히 들었습니다. "이거 완전히 망할거야" 하지만, 그 다음 주, 그리고 계속되는 몇달 동안 수십만명의 사람들이 전시회를 관람했습니다. 그 전시회는 경험을 위해 고안된 것이었습니다. 태피스트리는 사진으로 충분히 나타내기가 힘들거든요. 그래서 저는 여러분이 상상력을 발휘해 이 큰 대상들에 관해 생각해 보기를 권합니다. 몇몇은 폭이 10 미터가 넘으며 궁정에서의 신하들이나 멋쟁이들을 풍부하게 묘사하고 있죠. 오늘날에는 패션 잡지에서나 볼 법한 그런 광경입니다. 울창한 숲속에서 야생 곰이나 사슴을 쫓는 사냥꾼 들이라든가, 공포와 영웅주의가 표현된 잔인한 전쟁 광경이라든가 하는 것들이죠. 저는 제 아들이 8살 즈음 학교 수업에 참여했던 것을 기억하고 있습니다. 학생들은 전부 어린 소년들이었는데, 그때 그 소년들의 주의를 끌었던 것은 사냥 장면 중 하나였습니다. 정면에 개 한마리가 변을 보고 있었죠. -(웃음)- 꽤나 노골적인 형태의 예 술가적 농담과 같은 것이죠. 여러분은 쉽게 상상하실 수 있을 겁니다. 그러나 바로 그것이 생동감을 주는 것입니다. 제가 보기엔 그 소년들이 단지 오래된 낡은 태피스트리 이상의 것을 보기 시작했던 것 같습니다. 태피스트리는 과거를 나타내는 것이며, 이것은 우리의 관람객에게도 같았습니다. 그리고 저는 전시기획자로서 자랑스러웠습니다. 아주 조금이지만 무엇인가를 바꾼 것 같았죠. 이러한 경험이 오직 박물관에서만 일어나는 일이라 할지라도, 저는 관람객들의 눈을 뜨게 한 것입니다. -- 역사가들, 예술가들, 언론, 그리고 일반 대중 같은 관람객들이요. -- 잃어버린 매체의 아름다움에 대해서요.
A few years later, I was invited to be the director of the museum, and after I got over that -- "Who, me? The tapestry geek? I don't wear a tie!" -- I realized the fact: I believe passionately in that curated museum experience. We live in an age of ubiquitous information, and sort of "just add water" expertise, but there's nothing that compares with the presentation of significant objects in a well-told narrative, what the curator does, the interpretation of a complex, esoteric subject, in a way that retains the integrity of the subject, that makes it -- unpacks it for a general audience. And that, to me, today, is now the challenge and the fun of my job, supporting the vision of my curators, whether it's an exhibition of Samurai swords, early Byzantine artifacts, Renaissance portraits, or the show we heard mentioned earlier, the McQueen show, with which we enjoyed so much success last summer.
몇 년 후, 저는 박물관 디렉터 자리를 제안 받았습니다. 그 소식을 들었을 때, 말했죠. -- "누구, 저요? 태피스트리 밖에 모르는 괴짜인 제가? 저는 넥타이도 맬 줄 모르는 걸요!"-- 저는 박물관에서의 경험을 기획하는 일에 열정을 가지고 임한다는 사실을 깨달았습니다. 우리는 정보가 만연한 시대에 살고 있습니다. 그리고 단순히 "물을 타는" 정도의 직업이지만 이처럼 중요한 물건을 잘 설명된 이야기의 형태로 전시하는 것처럼 중요한 일은 없습니다. 그것이 큐레이터가 하는 일이죠. 복잡하고 비밀스런 물건을, 본래의 주제를 유지하면서 일반 대중에게 풀어내는 것이죠. 오늘 날, 저에게 제 직업의 어려움과 즐거움이기도 한 것은 우리 큐레이터들의 미래를 지원하는 일이죠. 사무라이 검에 관한 전시이든, 비잔틴 공예품이든, 르네상스의 초상화든, 혹은 우리가 조금전에 언급한 전시와 같은 것이든, 우리가 지난 여름 큰 성공을 거두었던 맥퀸의 쇼이든, 비전을 갖고 일하도록 지원하는 것입니다.
That was an interesting case. In the late spring, early summer of 2010, shortly after McQueen's suicide, our curator of costume, Andrew Bolton, came to see me, and said, "I've been thinking of doing a show on McQueen, and now is the moment. We have to, we have to do it fast."
이건 흥미로운 경우인데, 지난 2010년의 늦봄, 초여름 경, 맥퀸의 자살 얼마 후에 의상 쪽 큐레이터 앤드류 볼튼이 말하더군요. "맥퀸에 관한 쇼를 진행할까 생각중입니다. 지금이 적기인 것 같아요. 최대한 빨리 진행해야 합니다."
It wasn't easy. McQueen had worked throughout his career with a small team of designers and managers who were very protective of his legacy, but Andrew went to London and worked with them over the summer and won their confidence, and that of the designers who created his amazing fashion shows, which were works of performance art in their own right, and we proceeded to do something at the museum, I think, we've never done before. It wasn't just your standard installation. In fact, we ripped down the galleries to recreate entirely different settings, a recreation of his first studio, a hall of mirrors, a curiosity box, a sunken ship, a burned-out interior, with videos and soundtracks that ranged from operatic arias to pigs fornicating. And in this extraordinary setting, the costumes were like actors and actresses, or living sculptures. It could have been a train wreck. It could have looked like shop windows on Fifth Avenue at Christmas, but because of the way that Andrew connected with the McQueen team, he was channeling the rawness and the brilliance of McQueen, and the show was quite transcendant, and it became a phenomenon in its own right. By the end of the show, we had people queuing for four or five hours to get into the show, but no one really complained. I heard over and over again, "Wow, that was worth it. It was a such a visceral, emotive experience."
쉽지 않은 일이었습니다. 맥퀸은 일할 때 소수의 디자이너와 매니저들과 일해왔고, 그들은 맥퀸의 유품을 철저히 보호하고 있었으니까요. 하지만 앤드류는 런던으로 건너가 그들과 함께 여름을 보내며 신뢰를 얻는 데 성공했습니다. 말했다시피 그들은 굉장한 패션 쇼를 만들어냈던 사람들이고, 그 쇼들은 그 자체로 행위 예술이었습니다. 그리고 우리는 박물관에서 무엇인가를 하도록 진행시킬 수 있었죠. 생각컨대, 전례가 없는 것이었습니다. 그것은 여러분이 생각하는 전형적인 설치와는 전혀 다릅니다. 실제로 우리는 갤러리를 전혀 다른 구조로 재배치해야 했고, 맥퀸의 첫번째 스튜디오를 재현했으며 거울로 된 홀, 호기심 상자, 가라앉은 배, 타버린 실내와 같은 것들을 만들었습니다. 가극 아리아부터, 돼지의 간통과 같은 다양한 비디오와 배경 음악을 사용했죠. 이처럼 독특한 배경에서 의상은 배우, 혹은 살아있는 조각상 같았습니다. 충돌한 열차의 잔해같이 보일 수도 있었습니다. 크리스마스의 5번가 어느 가게의 쇼 윈도우 처럼 보일 수도 있었죠. 그러나 앤드류가 맨퀸의 팀과 협력했던 방식 덕분에 그는 맥퀸의 거친 면모와 탁월함을 잘 조율할 수 있었습니다. 쇼는 꽤나 초월적이었고, 그 자체로 경이로운 것이 되었습니다. 쇼가 끝날 때 즈음, 전시장에 들어오기 위해 4~5시간을 기다린 사람들의 줄이 있었지만 누구도 불평하지 않았습니다. 제가 계속해서 들었던 것은, "와, 이건 그럴 가치가 있어. 이건 아주 놀랍고 감각적인 경험이었어"
Now, I've described two very immersive exhibitions, but I also believe that collections, individual objects, can also have that same power. The Met was set up not as a museum of American art, but of an encyclopedic museum, and today, 140 years later, that vision is as prescient as ever, because, of course, we live in a world of crisis, of challenge, and we're exposed to it through the 24/7 newsreels. It's in our galleries that we can unpack the civilizations, the cultures, that we're seeing the current manifestation of. Whether it's Libya, Egypt, Syria, it's in our galleries that we can explain and give greater understanding.
저는 지금까지 두개의 실감나는 전시회에 대해 설명했습니다. 그러나 저는 컬렉션이나, 개개의 물건이 모두 같은 힘을 가지고 있다고 생각합니다. 메트로 폴리탄 미술관은 미국 예술만을 전시하는 박물관이 아니고, 백과사전적인, 종합적인 박물관입니다. 오늘날, 140년이 지난 후에 그 비전은 그 무엇보다 선견지명이 있는 것임이 분명해졌습니다. 물론, 우리는 위기와 도전의 시대에 살고있고 24시간, 일주일 내내 뉴스를 통해 그러한 위기와 도전에 노출됩니다. 현재 널리 퍼진, 우리가 보고있는 문명과, 문화를 풀어내는 곳이 바로 우리의 전시실입니다. 리비아, 이집트, 시리아 같은 곳들도 우리의 전시실에서 설명할 수 있고 더 깊은 이해를 하도록 도울 수 있는 것입니다.
I mean, our new Islamic galleries are a case in point, opened 10 years, almost to the week, after 9/11. I think for most Americans, knowledge of the Islamic world was pretty slight before 9/11, and then it was thrust upon us in one of America's darkest hours, and the perception was through the polarization of that terrible event. Now, in our galleries, we show 14 centuries of the development of different Islamic cultures across a vast geographic spread, and, again, hundreds of thousands of people have come to see these galleries since they opened last October.
그러니까 우리의 새로운 이슬람 전시실이 그런 경우인데요, 10년 후, 9/11 테러 일 즈음 개관했습니다. 저는 대부분의 미국인들이 9/11 전에 꽤나 이슬람 세계에 대해 무지했다고 생각하며, 그것은 미국이 가장 어려운 시기에 우리에게 위협이 되었습니다. 그리고 그 끔찍한 사건에 대한 극명한 대립을 통해 인식하게 되었죠. 우리의 전시실에서, 우리는 지리학적으로 광범위하게 포진해 있는 14개 이슬람 문화의 발달에 대해 보여주고 있습니다. 그리고, 수십만명의 사람들이 방문해 지난 10월 이래로 전시실을 관람했습니다.
I'm often asked, "Is digital media replacing the museum?" and I think those numbers are a resounding rejection of that notion. I mean, don't get me wrong, I'm a huge advocate of the Web. It gives us a way of reaching out to audiences around the globe, but nothing replaces the authenticity of the object presented with passionate scholarship. Bringing people face to face with our objects is a way of bringing them face to face with people across time, across space, whose lives may have been very different to our own, but who, like us, had hopes and dreams, frustrations and achievements in their lives. And I think this is a process that helps us better understand ourselves, helps us make better decisions about where we're going.
저는 종종 묻습니다. "디지털 매체가 박물관을 대체 할 수 있는가?" 저는 앞의 숫자가 그런 생각에 대한 거부 의사를 재확인시켜주는 소리라고 생각합니다. 하지만, 오해하지는 마세요, 저는 인터넷의 팬입니다. 인터넷은 전 세계의 관람객에게 접근하는 다른 방법을 제공하지만 그 무엇도 열정으로 전시된 작품들의 진정성을 대체할 수는 없습니다. 사람들이 우리의 작품들을 마주하게 함으로써 다른 시대의, 다른 장소의 사람들과 마주할 수 있게 됩니다. 우리와는 매우 다른 삶을 살았으면서도 우리와 같이 꿈과 희망, 좌절, 성공을 겪었던 사람들입니다. 그리고 저는 이러한 과정이 우리 스스로를 더 잘 이해할 수 있게 도와주며 우리가 나아가야 할 방향에 대해 보다 나은 결정을 할 수 있도록 도와준다고 생각합니다.
The Great Hall at the Met is one of the great portals of the world, awe-inspiring, like a medieval cathedral. From there, you can walk in any direction to almost any culture. I frequently go out into the hall and the galleries and I watch our visitors coming in. Some of them are comfortable. They feel at home. They know what they're looking for. Others are very uneasy. It's an intimidating place. They feel that the institution is elitist. I'm working to try and break down that sense of that elitism. I want to put people in a contemplative frame of mind, where they're prepared to be a little bit lost, to explore, to see the unfamiliar in the familiar, or to try the unknown. Because for us, it's all about bringing them face to face with great works of art, capturing them at that moment of discomfort, when the inclination is kind of to reach for your iPhone, your Blackberry, but to create a zone where their curiosity can expand. And whether it's in the expression of a Greek sculpture that reminds you of a friend, or a dog pooping in the corner of a tapestry, or, to bring it back to my tutor Pietro, those dancing figures who are indeed knocking back the wine, and that nude figure in the left foreground. Wow. She is a gorgeous embodiment of youthful sexuality. In that moment, our scholarship can tell you that this is a bacchanal, but if we're doing our job right, and you've checked the jargon at the front door, trust your instinct. You know it's an orgy. Thank you. (Applause) (Applause)
메트로 폴리탄 미술관의 그레이트 홀은 세계에서 손꼽히는 웅장한 입구 중 하나입니다. 경외감마저 들 정도죠. 중세의 대성당 처럼 말입니다. 그곳에 서면, 여러분은 어느 각도에서든지 거의 대부분의 문화를 볼 수 있습니다. 저는 그 홀과 전시실을 종종 방문해서 방문객들이 들어오는 것을 보곤하지요. 어떤 이들은 아주 편안해 합니다. 마치 집에 있는 것처럼요. 그들은 스스로 찾고 있는 것을 알고있습니다. 어떤 이들은 아주 불편해하죠. 심하게는 위협당하는 것처럼 느낍니다. 이러한 기관이 엘리트를 위한 것이라 느끼지요. 저는 그와 같은 엘리트주의를 없애고자 노력해 왔습니다. 저는 사람들이 사색하기를 원합니다. 조금 당황하면서도, 그를 통해 탐험하며 준비하게 되죠. 그래서 낯선 것들을 익숙하게 여기게 되고, 혹은 미지의 것들도 시도하게 됩니다. 우리를 위해, 그들이 위대한 예술 작품을 직접 대면하게 하며 그 불편한 순간에 마주하게 합니다. 그러한 경향은 여러분의 아이폰이나, 블랙베리에 손을 뻗는 것과 같은 종류의 것이지만 그들의 호기심이 확장되도록 구역을 형성해 주죠. 그것이 여러분에게 친구를 생각나게 하는 그리스 조각상이든, 태피스트리 한켠에서 볼일을 보고 있는 개이든, 저의 스승이였던 피에트로의 경우에 와인 뒤켠에서 춤추고 있던 형상과 왼편 아래쪽에 있었던 벌거벗은 형상이든지요. 와우~ 그녀는 젊음의 성적 매력을 멋지게 구현한 화신이었습니다. 그 순간, 우리의 학문은 여러분에게 그것이 바커스라고 얘기하지만 우리가 해야할 일을 마땅히 수행한다면, 그리고 그 전문 용어들을 처음부터 확인한다면, 여러분들 자신의 직감을 믿으십시오. 아시다시피, 그냥 놀자판이거든요. 감사합니다. (박수) (박수)