I'm a contemporary artist with a bit of an unexpected background. I was in my 20s before I ever went to an art museum. I grew up in the middle of nowhere on a dirt road in rural Arkansas, an hour from the nearest movie theater. And I think it was a great place to grow up as an artist because I grew up around quirky, colorful characters who were great at making with their hands. And my childhood is more hick than I could ever possibly relate to you, and also more intellectual than you would ever expect. For instance, me and my sister, when we were little, we would compete to see who could eat the most squirrel brains. (Laughter) But on the other side of that, though, we were big readers in our house. And if the TV was on, we were watching a documentary. And my dad is the most voracious reader I know. He can read a novel or two a day.
ผมเป็นศิลปินแนวร่วมสมัย ที่มีพื้นฐานที่ค่อนข้างคาดไม่ถึง กว่าผมจะเคยเข้าหอศิลป์ก็อายุราวๆ20เห็นจะได้ ผมเติบโตในที่ไกลปืนเที่ยง บนถนนฝุ่นตลบของชนบทรัฐอาคันซอส์ โรงหนังที่ใกล้ที่สุดห่างไปประมาณราวชั่วโมงได้ และในความคิดของผมมันเป็นสถานที่ที่ดีมากสำหรับการเติบโตเป็นศิลปิน เพราะผมได้เติบโตท่ามกลางเหล่าผู้คนที่มีสีสันหลากหลายแปลกตา เป็นผู้คนที่เก่งในงานฝีมือ และในวัยเด็กผมมีความบ้านนอก มากจนผมไม่น่าจะมีส่วนเกี่ยวข้องอะไรกับพวกคุณได้เลย และยังจะเฉลียวฉลาดมากกว่าที่คุณคาดไว้แน่ๆ ยกตัวอย่างสั้นๆนะครับ ผมกับพี่สาวเมื่อตอนยังเล็ก พวกเราจะแข่งกันว่าใครกินสมองกระรอกได้เยอะที่สุด (เสียงหัวเราะ) แต่ในอีกด้านนึง พวกเราก็เป็นนักอ่านตัวยงประจำบ้านด้วย แต่ถ้าเปิดทีวี พวกเราก็จะดูสารคดีกันครับ ส่วนพ่อผมเป็นหนอนหนังสือที่ตะกละที่สุดเท่าที่ผมรู้จัก เขาสามารถอ่านนิยายเล่มหรือสองเล่มในวันเดียว
But when I was little, I remember, he would kill flies in our house with my BB gun. And what was so amazing to me about that -- well he would be in his recliner, would holler for me to fetch the BB gun, and I'd go get it. And what was amazing to me -- well it was pretty kickass; he was killing a fly in the house with a gun -- but what was so amazing to me was that he knew just enough how to pump it. And he could shoot it from two rooms away and not damage what it was on because he knew how to pump it just enough to kill the fly and not damage what it landed on.
แต่ เมื่อตอนผมเป็นเด็ก ผมจำได้ว่า พ่อสามารถสอยแมลงวันในบ้านได้ด้วยปืน บีบี กันของผม และสิ่งที่มหัศจรรย์มากสำหรับผมเกี่ยวกับเรื่องนี้คือ พ่อจะนอนเอนกาย ตะโกนเรียกผมให้ไปหยิบปืน บีบีกันมาให้ แล้วผมก็จะไปหยิบมาให้ และสิ่งมหัศจรรย์สำหรับผมคือ เออ มันเจ๋งมากครับ ที่พ่อฆ่าแมลงวันในบ้านด้วยปืน แต่ที่น่าประหลาดใจ คือพ่อรู้ว่าจะปั๊มลมแค่ไหน แล้วพ่อก็ยิงในระยะห่างออกไปสองห้องได้ โดยไม่ทำลายของที่แมลงวันเกาะอยู่ เพราะพ่อรู้ว่าจะปั๊มลมแค่ไหนสำหรับการฆ่าแมลงวันโดยเฉพาะ โดยไม่ทำลายของที่มันเกาะอยู่
So I should talk about art. (Laughter) Or we'll be here all day with my childhood stories. I love contemporary art, but I'm often really frustrated with the contemporary art world and the contemporary art scene. A few years ago, I spent months in Europe to see the major international art exhibitions that have the pulse of what is supposed to be going on in the art world. And I was struck by going to so many, one after the other, with some clarity of what it was that I was longing for. And I was longing for several things that I wasn't getting, or not getting enough of. But two of the main things: one of it, I was longing for more work that was appealing to a broad public, that was accessible. And the second thing that I was longing for was some more exquisite craftsmanship and technique.
เออ ผมควรจะพูดเรื่องศิลปะซินะ (เสียงหัวเราะ) ไม่งั้นพวกเราคงอยู่กับเรื่องราววัยเด็กของผมทั้งวันแน่ ผมรักศิลปะร่วมสมัยครับ แต่ผมก็มักจะหงุดหงิดกับโลกของศิลปะร่วมสมัย และเวทีแสดงงานศิลปะร่วมสมัยพวกนี้อยู่บ่อยๆ เมื่อสองสามปีก่อน ผมใช้เวลาหลายเดือนในยุโรป เพื่อชมงานแสดงศิลปะระดับโลกใหญ่ๆ ซึ่งมีจังหวะ ของสิ่งที่ควรจะเกิดขึ้นในโลกศิลปะนี้ และผมก็หลงติดใจ โดยไปชมหลายๆที่ ที่แล้วที่เล่า ด้วยความกระจ่างว่ามันคือสิ่ง ที่ผมเสาะหามานาน ผมพยายามเสาะแสวงหาหลายอย่าง แต่ก็ยังไม่ได้ หรืออาจจะได้ไม่มากพอ แต่มีสองสิ่งหลักๆ คือ อย่างแรก ผมแสวงหางานศิลปะมากกว่านี้ ที่เป็นที่สนใจในวงกว้าง ที่ผู้คนเข้าถึงได้ และอย่างที่สองที่ผมตามหา คือ งานที่มีฝีมือวิจิตรประณีต และเทคนิคชั้นสูง
So I started thinking and listing what all it was that I thought would make a perfect biennial. So I decided, I'm going to start my own biennial. I'm going to organize it and direct it and get it going in the world. So I thought, okay, I have to have some criteria of how to choose work. So amongst all the criteria I have, there's two main things. One of them, I call my Mimaw's Test. And what that is is I imagine explaining a work of art to my grandmother in five minutes, and if I can't explain it in five minutes, then it's too obtuse or esoteric and it hasn't been refined enough yet. It needs to worked on until it can speak fluently. And then my other second set of rules -- I hate to say "rules" because it's art -- my criteria would be the three H's, which is head, heart and hands. And great art would have "head": it would have interesting intellectual ideas and concepts. It would have "heart" in that it would have passion and heart and soul. And it would have "hand" in that it would be greatly crafted.
ดังนั้นผมจึงเริ่มคิดและทำรายการ สิ่งที่ผมคิดน่าจะเป็นสิ่งที่ทำให้งานแสดงทุกๆสองปีสมบูรณ์แบบ ผมจึงตัดสินใจ ว่าผมจะเริ่มจัดงานแสดงทุกๆสองปีของตัวเอง ผมจะเป็นคนจัดแจงและควบคุมงานเอง แล้วนำเสนอสู่โลก ผมก็เริ่มคิดว่า โอเค ผมต้องมีเกณฑ์การเลือกงาน ในบรรดาเกณฑ์ต่างๆที่ผมมี มีอยู่สองสิ่งหลักคือ อย่างแรก ผมเรียกว่า Mimaw's Test มันก็คือ ผมสมมุติว่ากำลังอธิบายงานศิลปะชิ้นหนึ่ง ให้คุณยายของผมเข้าใจได้ในเวลาห้านาที และถ้าผมสามารถอธิบายได้ภายในห้านาที ก็เท่ากับมันทื่อเกินไป หรือซับซ้อนเกินไป และก็ยังไม่ประณีตพอ มันต้องได้รับการพัฒนา จนมันสามารถพูดด้วยตัวมันเองได้ และในกฎข้อที่สองคือ ผมไม่ชอบใช้คำว่า"กฎ"เลย เพราะมันเป็นงานศิลปะ เกณฑ์ของผมคือ สาม "ห" นั่นก็คือ หัว หัวใจ หัตถ์ งานศิลปะที่ดีควรมี หัว: คือมันควรมีความคิดทางปัญญา และแนวคิดที่น่าสนใจ มันควรมีหัวใจซึ่งก็คือแรงบันดาลใจ หัวใจและจิตวิญญาณ และมีหัตถ์คือมีการใช้ฝีมือชั้นยอด
So I started thinking about how am I going to do this biennial, how am I going to travel the world and find these artists? And then I realized one day, there's an easier solution to this. I'm just going to make the whole thing myself. (Laughter) And so this is what I did. So I thought, a biennial needs artists. I'm going to do an international biennial; I need artists from all around the world. So what I did was I invented a hundred artists from around the world. I figured out their bios, their passions in life and their art styles, and I started making their work.
ดังนั้นผมจึงเริ่มคิดว่า ผมจะทำงานแสดงทุกๆสองปีนี้ให้สำเร็จได้ยังไง ผมจะเดินทางไปทั่วโลก เพื่อตามหาศิลปินเหล่านี้ได้ยังไง และในวันนึง ผมก็พบกับคำตอบที่ง่ายกว่าของเรื่องนี้ ว่า งั้นผมก็จะทำทุกอย่างเองก็หมดเรื่อง (เสียงหัวเราะ) และนั้นก็เป็นสิ่งที่ผมทำครับ โอเค ผมก็เริ่มคิดว่า งานแสดงทุกสองปีนี้ต้องการเหล่าศิลปิน แล้วผมก็อยากทำงานนี้ในระดับอินเตอร์ด้วย ดังนั้นผมต้องการศิลปินจากทั่วโลก สิ่งที่ผมทำคือ ผมสร้างศิลปินกว่าร้อยคนจากทั่วโลกเอง คิดสร้างประวัติและความชอบบันดาลใจในชีวิตของพวกเขา แล้วก็แนวศิลปะของพวกเขา แล้วผมก็เริ่มสร้างผลงานของพวกเขา
(Laughter)
(หัวเราะ)
(Applause)
(เสียงปรบมือ)
I felt, oh this is the kind of project that I could spend my whole life doing. So I decided, I'm going to make this a real biennial. It's going to be two years of studio work. And I'm going to create this in two years, and I have. So I should start to talk about these guys. Well the range is quite a bit. And I'm such a technician, so I loved this project, getting to play with all the techniques. So for example, in realist paintings, it ranges from this, which is kind of old masters style, to really realistic still-life, to this type of painting where I'm painting with a single hair. And then at the other end, there's performance and short films and indoor installations like this indoor installation and this one, and outdoor installations like this one and this one. I know I should mention: I'm making all these things. This isn't Photoshopped. I'm under the river with those fish.
ผมรู้สึกว่า โอ้ นี่เหมือนกับโปรเจคที่ผมคงต้องใช้เวลาทั้งชีวิตทำแน่เลย ดังนั้นผมตัดสินใจว่า ผมจะทำให้มันเป็นงานแสดงทุกสองปีจริงๆ มันจะเป็นงานในสตูดิโอสองปี และผมจะทำงานเหล่านี้ในเวลาสองปี และผมก็ทำ งั้น ผมขอเริ่มพูดเกี่ยวกับบุคคลเหล่านี้ รูปแบบของงานก็ไม่ใช่น้อยเลย และผมก็เป็นพวกบ้าเทคนิค ชอบโปรเจค แล้วก็ชอบเล่นกับเทคนิคต่างๆเสียด้วย ตัวอย่างเช่น ในภาพวาดเสมือนจริง มีรูปแบบตั้งแต่เท่านี้ ซึ่งเป็นลักษณะของเหล่าศิลปินชั้นครูรุ่นเก่า ไปจนกระทั่งรูปแบบภาพนิ่งเสมือนจริง จนถึงภาพวาดแบบนี้ที่ผมต้องระบายด้วยแปรงเส้นเดียว และสุดมุมของอีกด้านนึง มีงานการแสดงและหนังสั้น และงานประติมากรรมในอาคาร เหมือนกับงานประติมากรรมในอาคารชิ้นนี้ และนี่ ส่วนงานประติมากรรมกลางแจ้งเช่นอันนี้ และอันนี้ ผมรู้ว่าผมควรบอกว่า ผมทำพวกนี้เองทั้งหมด ไม่ได้ใช้ โฟโต้ช๊อป ผมดำในแม่น้ำกับปลาพวกนั้นจริงๆ
So now let me introduce some of my fictional artists to you. This is Nell Remmel. Nell is interested in agricultural processes, and her work is based in these practices. This piece, which is called "Flipped Earth" -- she was interested in taking the sky and using it to cleanse barren ground. And by taking giant mirrors -- (Applause) and here she's taking giant mirrors and pulling them into the dirt. And this is 22 feet long. And what I loved about her work is, when I would walk around it and look down into the sky, looking down to watch the sky, and it unfolded in a new way. And probably the best part of this piece is at dusk and dawn when the twilight wedge has fallen and the ground's dark, but there's still the light above, bright above. And so you're standing there and everything else is dark, but there's this portal that you want to jump in. This piece was great. This is in my parents' backyard in Arkansas. And I love to dig a hole. So this piece was great fun because it was two days of digging in soft dirt.
ตอนนี้ผมขอเล่าเรื่องเหล่าศิลปินสมมติต่างๆของผมให้คุณฟังแหล่ะกัน นี่คือ เนลล์ เรมเมิล เนลล์สนใจในกระบวนการทางเกษตรกรรม และงานของเธอมีพื้นฐานมาจากหลักปฎิบัติเหล่านั้น งานชิ้นนี้ เรียกว่า "โลกพลิกกลับ" เธอสนใจที่จะถ่ายถอดภาพท้องฟ้า แล้วใช้มันทำความสะอาดพื้นดินอันแห้งแล้ง และโดยการใช้กระจกยักษ์ -- (เสียงปรบมือ) และนี่เธอเอากระจกขนาดยักษ์ใหญ่มา และดึงท้องฟ้าลงสู่พื้นดิน นี่ยาวประมาณ22ฟุตได้ครับ และสิ่งที่ผมชอบในงานเธอ คือ ขณะที่ผมเดินไปรอบๆมัน แล้วมองลงไปยังท้องฟ้า มองท้องฟ้าด้านล่างนั่น มันเหมือนเปิดมุมมองใหม่ และสิ่งที่น่าจะเป็นความเจ๋งที่สุดในงานชิ้นนี้ คือตอนยามค่ำและยามรุ่งสาง เมื่อแสงยามโพล้เพล้มืดลงและพื้นเริ่มเป็นสีดำ แต่ยังคงมีแสงอยู่ด้านบน สว่างเหนืออยู่บนนั้น ดังนั้น คุณก็จะยืนอยู่ตรงนั้น เพียงแต่รอบๆมืดมิดหมด มันมีเหมือนประตูอะไรสักอย่างที่คุณอยากจะกระโดดเข้าไป งานชิ้นนี้เยี่ยมมาก นี่เป็นสวนหลังบ้านพ่อแม่ผมในอาคันซอส์ครับ และผมก็ชอบขุดรู ดังนั้นงานชิ้นนี้สนุกมากครับ เพราะใช้เวลาสองวันกับการขุดดินนุ่มๆ
The next artist is Kay Overstry, and she's interested in ephemerality and transience. And in her most recent project, it's called "Weather I Made." And she's making weather on her body's scale. And this piece is "Frost." And what she did was she went out on a cold, dry night and breathed back and forth on the lawn to leave -- to leave her life's mark, the mark of her life. (Applause) And so this is five-foot, five-inches of frost that she left behind. The sun rises, and it melts away. And that was played by my mom.
ศิลปินคนถัดไปคือ เคย์ โอเวอร์สเตรย์ เธอสนใจเกี่ยวกับการเปลี่ยนแปลงและความไม่จีรังยั่งยืน และในงานชิ้นล่าสุดของเธอ เรียกว่า "อากาศ ฉันสร้าง" เธอสร้างอากาศเองครับ โดยใช้ขนาดร่างกายของเธอ และงานนี้เรียกว่า "ไอเย็น" และสิ่งที่เธอทำคือออกไปข้างนอกในคืนที่หนาวแห้ง หายใจเข้าออกหลายครั้งที่สนามหญ้า เพื่อทิ้ง -- ทิ้งสัญลักษณ์ของชีวิตของเธอไว้ สัญลักษณ์ของชีวิตเธอ (เสียงปรบมือ) เป็นไอเย็นขนาดประมาณห้าฟุต ห้านิ้วได้ครับ ที่เธอทิ้งไว้ พอพระอาทิตย์ขึ้น มันก็ละลายหายไป และนั่นก็แสดงโดยแม่ของผมเอง
So the next artist, this is a group of Japanese artists, a collective of Japanese artists -- (Laughter) in Tokyo. And they were interested in developing a new, alternative art space, and they needed funding for it, so they decided to come up with some interesting fundraising projects. One of these is scratch-off masterpieces. (Laughter) And so what they're doing -- each of these artists on a nine-by-seven-inch card, which they sell for 10 bucks, they drew original works of art. And you buy one, and maybe you get a real piece, and maybe not. Well this has sparked a craze in Japan, because everyone's wanting a masterpiece. And the ones that are the most sought after are the ones that are only barely scratched off. And all these works, in some way, talk about luck or fate or chance. Those first two are portraits of mega-jackpot winners years before and after their win.
ถัดไป เป็นกลุ่มศิลปินชาวญี่ปุ่น เป็นการรวมตัวของเหล่าศิลปินญี่ปุ่นครับ (เสียงหัวเราะ) ในโตเกียว พวกเขาสนใจพัฒนาทางเลือกและพื้นที่ศิลปะใหม่ๆ และพวกเขาก็ต้องการเงินสนับสนุน พวกเขาัจึงตัดสินใจจะทำโปรเจคระดมทุนที่น่าสนใจ หนึ่งในนั้นคือ ฉีกผลงานชิ้นเอก (เสียงหัวเราะ) และสิ่งที่พวกเขาทำคือ ศิลปินแต่ละคนกับการ์ดขนาด เก้า คูณ เจ็ดนิ้ว ที่พวกเขาขายในราคาสิบเหรียญ พวกเขาวาดงานชิ้นเอกเหล่านี้ เวลาคุณซื้อชิ้นหนึ่ง คุณอาจจะได้งานจริงบ้างหรือไม่จริงบ้าง ซึ่งนี่เป็นอะไรที่ฮืิอฮาในญี่ปุ่นมากครับ เพราะทุกคนอยากได้ผลงานระดับครูกัน ภาพที่ถูกตามล่ามากที่สุด เห็นจะเป็นภาพที่ไม่ได้ถูกฉีกซักเท่าไร และงานต่างๆทั้งหมดนี้ ในแง่หนึ่ง ได้กล่าวถึงโชคลาภหรือชะตาหรือโอกาส สองภาพแรกนั้น เป็นภาพหน้าตรงของผู้ชนะรางวัลใหญ่ที่สุดในปีก่อนและหลังชัยชนะ
And in this one it's called "Drawing the Short Stick." (Laughter) I love this piece because I have a little cousin at home who introduced me -- which I think is such a great introduction -- to a friend one day as, "This is my cousin Shea. He draws sticks real good." (Laughter) Which is one of the best compliments ever.
ส่วนภาพนี้คือ "ภาพวาดไม้สั้น" (เสียงหัวเราะ) ผมรักงานชิ้นนี้เพราะผมมีญาติตัวน้อยที่บ้าน ซึ่งแนะนำผม ซึ่งผมคิดว่าเป็นการแนะนำตัวผมที่เจ๋งมาก ให้กับเพื่อนในวันนึงว่า "นี่คือญาติผม เชียร์ เขาวาดภาพไม้พวกนี้ได้เยี่ยมมากเลย" (เสียงหัวเราะ) ซึ่งเป็นหนึ่งในคำชมที่ดีที่สุดเลยก็ว่าได้
This artist is Gus Weinmueller, and he's doing a project, a large project, called "Art for the Peoples." And within this project, he's doing a smaller project called "Artists in Residence." And what he does is -- (Laughter) he spends a week at a time with a family. And he shows up on their porch, their doorstep, with a toothbrush and pajamas, and he's ready to spend the week with them. And using only what's present, he goes in and makes a little abode studio to work out of. And he spends that week talking to the family about what do they think great art is. He has all these discussions with their family, and he digs through everything they have, and he finds materials to make work. And he makes a work that answers what they think great art is. For this family, he made this still-life painting. And whatever he makes somehow references nesting and space and personal property.
ศิลปินคนนี้คือ กุส ไวน์มูลเลอร์ เขาทำโปรเจค ชิ้่นโต เรียกว่า "ศิลปะแห่งมวลมนุษย์" และในงานชิ้นนี้ เขาทำโปรเจคเล็กอีกอัน เรียกว่า "เหล่าศิลปินในที่พัก" สิ่งที่เขาทำคือ (เสียงหัวเราะ) เขาใช้เวลาหนึ่งสัปดาห์ต่อครั้งกับครอบครัวหนึ่ง เขาโผล่ไปตามระเบียงบ้าง บันไดบ้าง พร้อมกับแปรงสีฟัน และชุดนอน เขาก็พร้อมสำหรับหนึ่งสัปดาห์กับครอบครัวนั้นแล้ว เขาใช้สิ่งของที่มีอยู่ในปัจจุบัน เขาเข้าไปอยู่้และสร้างสตูดิโอเล็กๆเพื่อนทำงานชิ้นนี้ และใช้เวลาทั้งสัปดาห์นั้นคุยกับครอบครัวนั้น ถกกันว่าอะไรที่เรียกว่างานศิลปะชั้นยอด เขาคุยถกเรื่องเหล่านี้กับครอบครัวนั้นๆ เขาล้วงลึกในทุกสิ่งที่พวกเขามี เพื่อที่จะเอาสิ่งเหล่านั้นมาสร้างงาน และเขาก็สร้างงาน ที่เป็นคำตอบว่าอะไรที่พวกเขาคิดว่าคือศิลปะชั้นยอด สำหรับครอบครัวนี้ เขาได้วาดภาพนิ่งนี้ ไม่่ว่าเขาจะสร้างอะไรก็ตาม มันได้อ้างอิงถึงถิ่นที่อยู่ และพื้นที่ และทรัพย์สินส่วนบุคคล
This next project, this is by Jaochim Parisvega, and he's interested in -- he believes art is everywhere waiting -- that it just needs a little bit of a push to happen. And he provides this push by harnessing natural forces, like in his series where he used rain to make paintings. This project is called "Love Nests." What he did was to get wild birds to make his art for him. So he put the material in places where the birds were going to collect them, and they crafted his nests for him. And this one's called "Lovelock's Nest." This one's called "Mixtape Love Song's Nest." (Laughter) And this one's called "Lovemaking Nest." (Laughted)
โปรเจคต่อมา นี่สร้างโดย โจคิม ปาริสเวกา เขาสนใจใน เขาเชื่อว่าศิลปะรอคอยอยู่ทุกหนแห่ง ต้องการแค่แรงผลักดันเล็กน้อยเพื่อให้เกิดขึ้น เขาได้นำเสนอแรงผลักดันด้วยการควบคุมพลังของธรรมชาติ เหมือนกับชุดงานนี้ที่เขาใช้ฝนวาดภาพ ส่วนโปรเจคนี้เรียกว่า "รังรัก" สิ่งที่เขาทำคือให้นกป่าสร้างผลงานศิลปะให้เขา ดังนั้นเขาจึงเอาวัสดุไปวางในที่ที่นกจะไปเก็บ และพวกมันก็เอาไปสร้างรังให้เขา และอันนี้เรียกว่า "รังล็อครัก" ส่วนอันนี้เรียกว่า "รังรักเทปเพลงรัก" (เสียงหัวเราะ) และอันนี้เรียกว่า "รังร่วมรัก" (เสียงหัวเราะ)
Next is Sylvia Slater. Sylvia's interested in art training. She's a very serious Swiss artist. (Laughter) And she was thinking about her friends and family who work in chaos-ridden places and developing countries, and she was thinking, what can I make that would be of value to them, in case something bad happens and they have to buy their way across the border or pay off a gunman? And so she came up with creating these pocket-sized artworks that are portraits of the person that would carry them. And you would carry this around with you, and if everything went to hell, you could make payments and buy your life. So this life price is for an irrigation non-profit director. So hopefully what happens is you never use it, and it's an heirloom that you pass down. And she makes them so they could either be broken up into payments, or they could be like these, which are leaves that can be payments. And so they're valuable. This is precious metals and gemstones. And this one had to get broken up. He had to break off a piece to get out of Egypt recently.
คนต่อไปคือ ซิวเวีย สเลเตอร์ ซิลเวียมีความสนใจเรื่องฝึกหัดศิลปะ เธอเป็นศิลปินชาวสวิสที่ค่ำเคร่ง (เสียงหัวเราะ) และเธอก็คิดถึงเพื่อนๆและครอบครัว ที่ทำงานในที่ที่พยายามกำจัดเรื่องวุ่นวายออกไปและประเทศกำลังพัฒนา และเธอก็คิดว่า เธอจะทำอะไรที่มีคุณค่าต่อคนเหล่านั้นได้ ถ้าหากเกิดเหตุการณ์เลวร้ายขึ้น และพวกเขาต้องซื้อหาใบผ่านทางข้ามเขตแดน หรือจ่ายค่ามือปืน เธอจึงได้ไอเดียสร้าง ผลงานศิลปะขนาดพกพานี้ขึ้น เป็นภาพคนซึ่งจะพกพางานชิ้นนี้ไปกับตัว และคุณก็จะพกพางานชิ้นนี้ไปไหนมาไหนด้วย เมื่อถึงยามคับขัน ก็ใชัจ่าย เพื่อแลกชีวิตได้ ดังนั้นราคาของชีวิตชิ้นนี้ มีไว้สำหรับผู้อำนวยการชลประทานที่ไม่แสวงหาผลประโยชน์ จึงหวังว่าไม่ว่าอะไรก็ตาม คุณจะไม่ต้องใช้มัน และเป็นมรดกตกทอดต่อไป เธอจึงได้สร้างสิ่งนี้ขึ้นเพื่อให้พวกเขาหักเป็นค่าใช้จ่าย หรืออาจจะไว้แบบนี้ คือเป็นใบไม้ที่สามารถใช้เป็นค่าใช้จ่าย และมันก็มีค่า นี่เป็นโลหะมีค่าและหินพลอย และอันนี้ต้องถูกทำให้หักแตก เขาต้องหักออกมาชิ้นหนึ่งเพื่อออกจากอียิปต์เมื่อเร็วๆนี้
This is by a duo, Michael Abernathy and Bud Holland. And they're interested in creating culture, just tradition. So what they do is they move into an area and try to establish a new tradition in a small geographic area. So this is in Eastern Tennessee, and what they decided was that we need a positive tradition that goes with death. So they came up with "dig jigs." And a dig jig -- a dig jig is where, for a milestone anniversary or a birthday, you gather all your friends and family together and you dance on where you're going to be buried. (Laughter) And we got a lot of attention when we did it. I talked my family into doing this, and they didn't know what I was doing. And I was like, "Get dressed for a funeral. We're going to go do some work." And so we got to the grave and made this, which was hilarious -- the attention that we got. So what happens is you dance on the grave, and after you've done your dance, everyone toasts you and tells you how great you are. And you in essence have a funeral that you get to be present for. That's my mom and dad.
งานนี้ทำสองคน มิเคิล อาเบอร์นาที และ บั๊ด ฮอร์แลนด์ พวกเขาสนในการสร้างวัฒนธรรมครับ แค่ประเพณี ดังนั้นสิ่งที่พวกเขาทำ คือ พวกเขาย้ายไปในที่หนึ่ง และพยายามสร้างประเพณีใหม่ในภูมิลำเนาเล็กๆนั้น นี่คือ เทนเนสซี่ตะวันออก สิ่งที่พวกเขาตกลงใจทำคือ พวกเราต้องการประเพณีด้านบวก ที่ไปด้วยกันกับความตาย พวกเขาคิด ดิ๊ก จิ๊ก ขึ้นมา และดิ๊ก จิ๊ก ดิ๊ก จิ๊ก คือสถานที่ สำหรับการรำลึกวันครบรอบหรือวันเกิด เหล่าเพื่อนๆและครอบครัวคุณมารวมกัน แล้วก็เต้นรำในที่ที่ร่างคุณจะโดนฝัง (เสียงหัวเราะ) แล้วเราได้รับความสนใจมากตอนที่เราทำผลงานชิ้นนี้ ผมโน้มน้าวให้ครอบครัวมาร่วมงานนี้ แล้วพวกเขาก็ไม่รู้เลยว่าผมกำลังทำอะไร ผมก็แค่ "เฮ้ แต่งตัวสำหรับไปงานศพนะ พวกเราจะไปทำงานบางอย่างกัน" และเราก็มาที่สุสานเพื่อทำงานนี้ ซึ่งตลกมากครับ กับความสนใจที่พวกเราได้รับ สิ่งที่เกิดขึ้นคือคุณเต้นบนหลุมศพ และหลังจากที่คุณเต้นเสร็จ ทุกคนก็ดื่มฉลองและกล่าวสรรเสริญว่าคุณเป็นคนดีแค่ไหน และสาระสำคัญ คือ คุณมีงานศพของคุณ ที่คุณมีโอกาสได้เข้าร่วม นั่นพ่อกับแม่ผมครับ
This is by Jason Birdsong. He is interested in how we see as an animal, how we are interested in mimicry and camouflage. You know, we look down a dark alley or a jungle path, trying to make out a face or a creature. We just have that natural way of seeing. And he plays with this idea. And this piece: those aren't actually leaves. They're butterfly specimens who have a natural camouflage. So he pairs these up. There's another pile of leaves. Those are actually all real butterfly specimens. And he pairs these up with paintings. Like this is a painting of a snake in a box. So you open the box and you think, "Whoa, there's a snake in there." But it's actually a painting. So he makes these interesting conversations about realism and mimicry and our drive to be fooled by great camouflage.
นี่เป็นผลงานของ เจสัน เบิร์ดซอง เขาสนใจว่าพวกเรามองเห็นอย่างไรในฐานะสัตว์ คนเรามีความสนใจเรื่องเลียนแบบและพรางตัวอย่างไร คุณรู้ไหม เวลาพวกเรามองไปยังตรอกมืด หรือทางเดินแถบป่าทึบ พยายามมองให้เห็นหน้าหรือสิ่งมีชีวิต พวกเรามีการมองเห็นโดยธรรมชาติแบบนั้น และเขาก็เล่นกับความคิดนี้ และผลงานชิ้นนี้ นั่นไม่ใช่ใบไม้จริง เป็นเหล่าฝูงผีเสื้อพันธุ์หนึ่งที่มีความสามารถพลางตัวโดยธรรมชาติ เขาเลยจับคู่มันซะ นี่เป็นกองใบไ้ม้อีกกอง นั่นเป็นผีเสื้อจริงๆ แล้วเขาก็เอามาเทียบกับภาพวาด นี่เป็นภาพวาดงูในกล่อง พอคุณเปิดกล่องก็จะคิดว่า "เอ้ย มีงูอยู่ในนี้ด้วย" แต่ความจริงแล้วมันแค่ภาพวาด ดังนั้นเขาจึงได้สร้างบทสนทนาอันน่าสนใจ เกี่ยวกับความจริงและการลอกเลียนแบบ และแรงผลักดันของเราที่จะถูกหลอกโดยการอำพราง
(Laughter)
(เสียงหัวเราะ)
The next artist is Hazel Clausen. Hazel Clausen is an anthropologist who took a sabbatical and decided, "You know, I would learn a lot about culture if I created a culture that doesn't exist from scratch." So that's what she did. She created the Swiss people named the Uvulites, and they have this distinctive yodeling song that they use the uvula for. And also they reference how the uvula -- everything they say is fallen because of the forbidden fruit. And that's the symbol of their culture. And this is from a documentary called "Sexual Practices and Populations Control Among the Uvulites." This is a typical angora embroidery for them. This is one of their founders, Gert Schaeffer. (Laughter) And actually this is my Aunt Irene. It was so funny having a fake person who was making fake things. And I crack up at this piece, because when I see it I know that's French angora and all antique German ribbons and wool that I got in a Nebraska mill and carried around for 10 years and then antique Chinese skirts.
ศิลปินคนถัดมาคือ ฮาเซล เคลาเซน ฮาเซล เคลาเซน เป็นนักมนุษยวิทยาที่หยุดพักผ่อนยาว แล้วตัดสินใจว่า "รู้ไหม ฉันจะได้เรียนรู้อีกมากเกี่ยวกับวัฒนธรรม ถ้าฉันสร้างวัฒนธรรมสักอย่างที่ยังไม่มีขึ้นมาเองตั้งแต่ต้น" และนั่นเป็นสิ่งที่เธอทำ เธอสร้างคนสวิสขึ้นมา เรียกว่า เดอะ อูวูไลทส์ และพวกเขามีเพลงลูกทุ่งที่มีเอกลักษณ์ ซึ่งพวกเขาให้อูวูลาเพื่อการนี้ และพวกเขาได้อ้างอิงถึงอูวูลา -- ทุกสิ่งที่พวกเขาพูดจะตกลงมา เพราะว่าผลไม้ต้องห้าม ซึ่งนั่นเป็นสัญลักษณ์วัฒนธรรมของพวกเขา และนี่มาจากสารคดี ชื่อ "การกระทำทางเพศและการควบคุมประชากร ของชาวอูวูไลทส์" นี่เป็นการเย็บปักทักถอขนสัตว์แบบทั่วไปของพวกเขา นี่เป็นผู้ค้นพบ เกิร์ท เชาเฟอร์ (เสียงหัวเราะ) และความจริงแล้วนี่คือคุณป้าไอรีนของผมเอง มันเป็นอะไรที่ตลกมากที่มีคนปลอมๆ ที่สร้างของปลอมๆ และผมก็ได้ไอเดียงานนี้ เพราะตอนที่ผมได้เห็นมัน ผมรู้ว่ามันคือขนแกะฝรั่งเศส ริบบิ้นเยอรมันโบราณ และขนสัตว์ที่ผมได้มาจากโรงสีในรัฐเนบลาสกา แล้วก็หอบไปมากว่า10ปี และกระโปรงจีนโบราณนี่ด้วย
The next is a collective of artists called the Silver Dobermans, and their motto is to spread pragmatism one person at a time. (Laughter) And they're really interested in how over-coddled we've become. So this is one of their comments on how over-coddled we've become. And what they've done is they put a warning sign on every single barb on this fence. (Laughter) (Applause) And this is called "Horse Sense Fence."
ต่อมาเป็นกลุ่มศิลปิน ที่ชื่อว่า ดอบเบอร์แมนเงิน และคติประจำใจของพวกเขาคือ กระจายความยุ่ง ครั้งละคน (เสียงหัวเราะ) แล้วพวกเขาสนใจมาก เกี่ยวกับว่าเราถูกประคบประหงมมากเกินไปได้อย่างไร ดังนั้นนี้เป็นหนึ่งในความเห็นของพวกเขาเกี่ยวกับว่าเราถูกประคบประหงมมากเกินไปได้อย่างไร และสิ่งที่พวกเขาทำคือ พวกเขาเอาป้ายเตือนไปแปะไว้กับทุกๆขมวดของรั้วลวดหนามนี้ (เสียงหัวเราะ) (เสียงปรบมือ) และผลงานนี้เรียกว่า "ม้ารู้ซึ้งรสชาติรั้ว"
The next artist is K. M. Yoon, a really interesting South Korean artist. And he's reworking a Confucian art tradition of scholar stones. Next is Maynard Sipes. And I love Maynard Sipes, but he's off in his own world, and, bless his heart, he's so paranoid. Next is Roy Penig, a really interesting Kentucky artist, and he's the nicest guy. He even once traded a work of art for a block of government cheese because the person wanted it so badly.
ศิลปินคนถัดมาคือ เค เอ็ม ยูน เป็นศิลปินชาวเกาหลีใต้ที่น่าสนใจมากครับ แล้วเขาได้สร้างงานขึ้นมาใหม่เกี่ยวกับขนบศิลปะขงจื้อดั้งเดิม จากศิลาจารึก ต่อมาคือ เมนาร์ด ไซเพส ผมรักเมนาร์ด ไซเพส แต่เขาออกจะอยู่ในโลกส่วนตัว และก็ อวยพรให้เขาเถอะ เขาช่างตื่นตระหนกจริงๆ ต่อมาคือ รอย เพนิค ศิลปินชาวเคนทัคกีที่น่าสนใจมาก และเขาก็เป็นคนที่น่ารักที่สุด ครั้งหนึ่งเขาเคยทำแม้กระทั่งแลกผลงานศิลปะเพื่อชีสของรัฐบาลก้อนหนึ่ง เพราะเจ้าตัวอยากได้มันมาก
Next is an Australian artist, Janeen Jackson, and this is from a project of hers called "What an Artwork Does When We're Not Watching." (Laughter) Next is by a Lithuanian fortune teller, Jurgi Petrauskas. Next is Ginger Cheshire. This is from a short film of hers called "The Last Person." And that's my cousin and my sister's dog, Gabby. The next, this is by Sam Sandy. He's an Australian Aboriginal elder, and he's also an artist. And this is from a large traveling sculpture project that he's doing.
ถัดมาคือศิลปินชาวออสเตรเลีย เจนีน แจ๊คสัน และนี่มาจากโปรเจคของเธอ ชื่อว่า "งานศิลปะทำอะไรตอนพวกเราไม่มอง" (เสียงหัวเราะ) ถัดมาเป็นหมอดูชาวลิทูเนีย เจอร์กิ เพ็ทเทราคัซ ต่อมาคือ จิงเจอร์ เชสเชียร์ อันนี้มาจากหนังสั้นของเธอ ชื่อว่า "บุคคลสุดท้าย" และนั้นเป็นญาติของผมกับสุนัขของพี่สาวผม แก็บบี้ ต่อมาเป็นผลงานโดย แซม แซนดี เขาเป็นผู้อาวุโสเผ่าอะบอริจินในออสเตรเลีย และเขาก็เป็นศิลปินด้วย ผลงานนี้เป็นโปรเจคเดินสายงานปั้นชิ้นโต ที่เขาทำอยู่
This is from Estelle Willoughsby. She heals with color. And she's one of the most prolific of all these hundred artists, even though she's going to be 90 next year. (Laughter) This is by Z. Zhou, and he's interested in stasis. Next is by Hilda Singh, and she's doing a whole project called "Social Outfits."
อันนี้มาจาก เอสเทลล์ วิลลัฟส์บี เธอรักษาด้วยสี และเธอก็มีลูกดกที่สุดในบรรดาเหล่าศิลปินร้อยคนด้วย ถึงแม้ว่าเธอจะอายุ90ปีในปีหน้าก็ตาม (เสียงหัวเราะ) นี่คือ ซี เซา เขาสนใจเรื่องการหยุดนิ่ง ผลงานต่อมาโดย ฮิลดา ซิงค์ และเธอทำโปรเจคทั้งหมดที่มีชื่อว่า "ชุดสวมสังคม"
Next is by Vera Sokolova. And I have to say, Vera kind of scares me. You can't look her directly in the eyes because she's kind of scary. And it's good that she's not real; she'd be mad that I said that. (Laughter) And she's an optometrist in St. Petersburg, and she plays with optics. Next, this is by Thomas Swifton. This is from a short film, "Adventures with Skinny." (Laughter) And this is by Cicily Bennett, and it's from a series of short films.
ต่อมาโดย เวรา โซโคโลวา ผมต้องบอกว่า เวราทำผมกลัวครับ คุณไม่สามารถจ้องตาเธอจังๆได้ เพราะเธอค่อนข้างน่ากลัวทีเดียว และดีที่เธอไม่มีตัวตนจริง เธอต้องโกรธผมมากแน่ที่ผมพูดแบบนี้ (เสียงหัวเราะ) และเธอก็เป็นผู้เชี่ยวชาญทางสายตาใน เซนท์ ปีเตอร์สเบิร์ก และเธอก็เล่นกับสายตา ต่อมา ผลงานโดย โทมัส สวิฟทอน มาจากหนังสั้น "การผจญภัยของไอ้เก้งก้าง" (เสียงหัวเราะ) และนี่เป็นฝีมือของ ซิซิลี เบนเน็ท เป็นผลงานจากชุดหนังสั้น
And after this one, there's 77 other artists. And all together with those other 77 you're not seeing, that's my biennial. Thank you. Thank you. Thanks. (Applause) Thank you. Thanks. (Applause)
หลังจากอันนี้ไปเป็นเหล่าศิลปินอีก77ท่าน และรวมทั้งหมดของ77คนที่คุณยังไม่ได้ดูนั้น คือผลงานศิลป์ของผมครับ ขอบคุณ ขอบคุณ ขอบคุณครับ (เสียงปรบมือ) ขอบคุณครับ ขอบคุณ (เสียงปรบมือ)