I'm a contemporary artist with a bit of an unexpected background. I was in my 20s before I ever went to an art museum. I grew up in the middle of nowhere on a dirt road in rural Arkansas, an hour from the nearest movie theater. And I think it was a great place to grow up as an artist because I grew up around quirky, colorful characters who were great at making with their hands. And my childhood is more hick than I could ever possibly relate to you, and also more intellectual than you would ever expect. For instance, me and my sister, when we were little, we would compete to see who could eat the most squirrel brains. (Laughter) But on the other side of that, though, we were big readers in our house. And if the TV was on, we were watching a documentary. And my dad is the most voracious reader I know. He can read a novel or two a day.
Ik ben een hedendaags kunstenaar met een beetje een atypische achtergrond. Ik was in de 20 voordat ik ooit een kunstmuseum bezocht. Ik ben opgegroeid op een godvergeten plek aan een zandweg op het platteland van Arkansas, een uur van de dichtstbijzijnde bioscoop. Ik denk dat het een geweldige plek is om op te groeien als kunstenaar, want ik ben opgegroeid rond eigenzinnige, kleurrijke personages die geweldig waren met hun handen. Mijn jeugd is meer provinciaal dan ik jullie kan vertellen, en meer intellectueel dan je ooit zou verwachten. Bijvoorbeeld, toen ik en mijn zus nog klein waren, wedijverden we wie de meest eekhoornhersenen kon opeten. (Gelach) Aan de andere kant waren we fervente lezers thuis. Als de tv op stond, keken we naar een documentaire. Mijn vader is de meest gulzige lezer die ik ken. Hij leest een of twee romans per dag.
But when I was little, I remember, he would kill flies in our house with my BB gun. And what was so amazing to me about that -- well he would be in his recliner, would holler for me to fetch the BB gun, and I'd go get it. And what was amazing to me -- well it was pretty kickass; he was killing a fly in the house with a gun -- but what was so amazing to me was that he knew just enough how to pump it. And he could shoot it from two rooms away and not damage what it was on because he knew how to pump it just enough to kill the fly and not damage what it landed on.
Ik herinner mij dat toen ik klein was, hij vliegen in huis vermoordde met mijn BB gun. Wat ik hieraan zo geweldig vond - hij zat in zijn leunstoel, riep mij om de BB te halen, en ik haalde het. Wat geweldig was voor mij - het was behoorlijk cool; hij doodde een vlieg in huis met een geweer - maar wat zo geweldig was voor mij, was dat hij net genoeg hagel wist te verspreiden. Hij kon schieten van twee kamers verder zonder iets te beschadigen, omdat hij zo wist te schieten dat de vliegen dood waren zonder schade aan hun landingsplaats.
So I should talk about art. (Laughter) Or we'll be here all day with my childhood stories. I love contemporary art, but I'm often really frustrated with the contemporary art world and the contemporary art scene. A few years ago, I spent months in Europe to see the major international art exhibitions that have the pulse of what is supposed to be going on in the art world. And I was struck by going to so many, one after the other, with some clarity of what it was that I was longing for. And I was longing for several things that I wasn't getting, or not getting enough of. But two of the main things: one of it, I was longing for more work that was appealing to a broad public, that was accessible. And the second thing that I was longing for was some more exquisite craftsmanship and technique.
Ik zou het dus hebben over kunst. (Gelach) Of we zijn hier de hele dag bezig met verhalen uit mijn kindertijd. Ik houd van hedendaagse kunst, maar ik ben vaak erg gefrustreerd over de hedendaagse kunstwereld en de hedendaagse kunstscène. Een paar jaar geleden bracht ik een aantal maanden door in Europa om de grote internationale tentoonstellingen te zien. Zij hebben de vinger aan de pols van wat er zoal gebeurt in de kunstwereld. Doordat ik de ene na de andere tentoonstelling afliep, werd ik getroffen door een duidelijke visie op wat ik verlangde te zien. Ik verlangde naar een aantal dingen die ik niet te zien kreeg, of toch niet genoeg. Twee van de belangrijkste dingen: één, ik verlangde naar meer werk dat aantrekkelijk was voor een breed publiek, dat toegankelijk was. Het tweede punt waar ik naar verlangde, was meer voortreffelijk vakmanschap en techniek.
So I started thinking and listing what all it was that I thought would make a perfect biennial. So I decided, I'm going to start my own biennial. I'm going to organize it and direct it and get it going in the world. So I thought, okay, I have to have some criteria of how to choose work. So amongst all the criteria I have, there's two main things. One of them, I call my Mimaw's Test. And what that is is I imagine explaining a work of art to my grandmother in five minutes, and if I can't explain it in five minutes, then it's too obtuse or esoteric and it hasn't been refined enough yet. It needs to worked on until it can speak fluently. And then my other second set of rules -- I hate to say "rules" because it's art -- my criteria would be the three H's, which is head, heart and hands. And great art would have "head": it would have interesting intellectual ideas and concepts. It would have "heart" in that it would have passion and heart and soul. And it would have "hand" in that it would be greatly crafted.
Ik begon na te denken en alle ingrediënten voor een in mijn ogen perfecte biënnale te noteren. Ik besloot om mijn eigen biënnale te beginnen. Ik ga ze organiseren en dirigeren en op poten zetten in de wereld. Dus ik dacht, oké, ik moet een aantal criteria hebben om werken uit te kiezen. Onder mijn criteria zijn er twee belangrijke dingen. Een ervan noem ik mijn Mimaw-test. Dat is: ik stel me voor dat ik een kunstwerk in vijf minuten uitleg aan mijn oma. Als ik het kan uitleggen in vijf minuten, dan is het te stompzinnig of te esoterisch en is het nog niet verfijnd genoeg. Er moet aan gewerkt worden totdat het vloeiend kan spreken. Mijn tweede set van regels - ik haat het om "regels" zeggen, want het is kunst - mijn criteria zouden de drie H's worden: Hoofd, Hart en Handen. Grote kunst zou 'hoofd' hebben: ze zou interessante intellectuele ideeën en concepten hebben. Ze zou 'hart' hebben onder de vorm van passie en hart en ziel. Je zou er de 'hand' van de vakman in zien.
So I started thinking about how am I going to do this biennial, how am I going to travel the world and find these artists? And then I realized one day, there's an easier solution to this. I'm just going to make the whole thing myself. (Laughter) And so this is what I did. So I thought, a biennial needs artists. I'm going to do an international biennial; I need artists from all around the world. So what I did was I invented a hundred artists from around the world. I figured out their bios, their passions in life and their art styles, and I started making their work.
Ik begon erover na te denken: Hoe ga ik deze biënnale organiseren? Hoe ga ik rond de wereld reizen en kunstenaars vinden? Toen realiseerde ik me op een dag dat er een eenvoudiger oplossing was. Ik maak gewoon de hele zaak zelf. (Gelach) Dat deed ik dus. Ik dacht: een biënnale heeft kunstenaars nodig. Ik ga een internationale biënnale doen, ik nodig kunstenaars uit de hele wereld uit. Ik deed het volgende: ik bedacht honderd kunstenaars uit de hele wereld. Ik bedacht hun biografie, de passies in hun leven en hun kunststijlen, en ik begon hun werk te maken.
(Laughter)
(Gelach)
(Applause)
(Applaus)
I felt, oh this is the kind of project that I could spend my whole life doing. So I decided, I'm going to make this a real biennial. It's going to be two years of studio work. And I'm going to create this in two years, and I have. So I should start to talk about these guys. Well the range is quite a bit. And I'm such a technician, so I loved this project, getting to play with all the techniques. So for example, in realist paintings, it ranges from this, which is kind of old masters style, to really realistic still-life, to this type of painting where I'm painting with a single hair. And then at the other end, there's performance and short films and indoor installations like this indoor installation and this one, and outdoor installations like this one and this one. I know I should mention: I'm making all these things. This isn't Photoshopped. I'm under the river with those fish.
Ik voelde dat dit het soort project was dat ik mijn hele leven kon blijven doen. Ik besloot er een echte biënnale van te maken. Het gaat om twee jaar studiowerk. Ik ga dit realiseren in twee jaar. Dat heb ik ook gedaan. Ik zou moeten beginnen te praten over deze kerels. Het is nogal een bende. Ik ben een technicus, dus ik hield van het project, te mogen spelen met alle technieken. In realistische schilderijen, bijvoorbeeld, gaat het van deze stijl, een soort van oude meestersstijl, tot echte realistische stillevens, tot dit soort schilderij waar ik schilder met één enkel haar. Aan de andere kant zijn er de voorstellingen en de kortfilms en installaties binnenshuis. Zoals deze installatie en deze, en buiteninstallaties zoals deze en deze. Ik wil vermelden dat ik het ben die al deze dingen maakt. Dit is niet gefotoshopt. Ik ben onder de rivier met deze vissen.
So now let me introduce some of my fictional artists to you. This is Nell Remmel. Nell is interested in agricultural processes, and her work is based in these practices. This piece, which is called "Flipped Earth" -- she was interested in taking the sky and using it to cleanse barren ground. And by taking giant mirrors -- (Applause) and here she's taking giant mirrors and pulling them into the dirt. And this is 22 feet long. And what I loved about her work is, when I would walk around it and look down into the sky, looking down to watch the sky, and it unfolded in a new way. And probably the best part of this piece is at dusk and dawn when the twilight wedge has fallen and the ground's dark, but there's still the light above, bright above. And so you're standing there and everything else is dark, but there's this portal that you want to jump in. This piece was great. This is in my parents' backyard in Arkansas. And I love to dig a hole. So this piece was great fun because it was two days of digging in soft dirt.
Ik zal jullie een aantal van mijn fictieve artiesten voorstellen. Dit is Nell Remmel. Nell is geïnteresseerd in landbouwprocessen, en haar werk is gebaseerd op deze praktijken. Dit stuk heet "Gespiegelde aarde". Ze was geïnteresseerd in de hemel en het gebruik ervan om onvruchtbare grond te reinigen. Ze nam grote spiegels - (Applaus) Hier trekt ze de grote spiegels in het vuil. Dit is 6,7 meter lang. Wat ik geweldig vond aan haar werk, was om erom heen te lopen en naar beneden te kijken, in de hemel, naar beneden te kijken om de hemel te zien, die zich op een nieuwe manier ontvouwde. Waarschijnlijk het beste deel van dit stuk is bij schemering en dageraad. Als de schemering is gevallen en de grond donker is, maar er boven nog steeds helder licht is. Je staat daar en al het andere is donker, maar er is dit portaal waar je in wilt springen. Dit stuk was geweldig. Dit is de achtertuin van mijn ouders in Arkansas. Ik houd van gaten graven. Dit stuk was erg leuk, want het was twee dagen graven in zachte aarde.
The next artist is Kay Overstry, and she's interested in ephemerality and transience. And in her most recent project, it's called "Weather I Made." And she's making weather on her body's scale. And this piece is "Frost." And what she did was she went out on a cold, dry night and breathed back and forth on the lawn to leave -- to leave her life's mark, the mark of her life. (Applause) And so this is five-foot, five-inches of frost that she left behind. The sun rises, and it melts away. And that was played by my mom.
De volgende artiest is Kay Overstry, en ze is geïnteresseerd in vergankelijkheid en kortstondigheid. Haar meest recente project heet "Het Weer Dat Ik Maakte." Ze maakt weer op schaal van haar lichaam. Dit stuk is "Vriespunt." Ze ging op een koude, droge nacht naar buiten en ademde heen en weer op het gazon om achter te laten - om haar teken van leven achter te laten, het teken van haar leven. (Applaus) Dit is 1,5 meter, 13 centimeter vorst die ze achterliet. De zon komt op en het smelt weg. Dat werd gespeeld door mijn moeder.
So the next artist, this is a group of Japanese artists, a collective of Japanese artists -- (Laughter) in Tokyo. And they were interested in developing a new, alternative art space, and they needed funding for it, so they decided to come up with some interesting fundraising projects. One of these is scratch-off masterpieces. (Laughter) And so what they're doing -- each of these artists on a nine-by-seven-inch card, which they sell for 10 bucks, they drew original works of art. And you buy one, and maybe you get a real piece, and maybe not. Well this has sparked a craze in Japan, because everyone's wanting a masterpiece. And the ones that are the most sought after are the ones that are only barely scratched off. And all these works, in some way, talk about luck or fate or chance. Those first two are portraits of mega-jackpot winners years before and after their win.
De volgende kunstenaar, dit is een groep Japanse kunstenaars, een collectief van Japanse kunstenaars - (Gelach) in Tokyo Zij waren geïnteresseerd in het ontwikkelen van een nieuwe, alternatieve kunstruimte. Ze hadden geld nodig. Dus besloten ze om met een aantal interessante projecten voor fondsenwerving te komen. Een daarvan is af te krassen meesterwerken. (Gelach) Ze doen het volgende - elk van deze artiesten maakt een kaart van 23 op 18 cm, die ze verkopen voor 10 dollar. Ze tekenen originele kunstwerken. Je koopt er een, misschien krijg je een echt stuk, en misschien ook niet. Nou, dit heeft geleid tot een rage in Japan, want iedereen wil een meesterwerk. De meest gewilde zijn degenen die nauwelijks afgekrast zijn. Op een bepaalde manier spreken al deze werken over geluk, het lot of toeval. Die eerste twee zijn portretten van mega-jackpot winnaars, jaren voor en na hun winst.
And in this one it's called "Drawing the Short Stick." (Laughter) I love this piece because I have a little cousin at home who introduced me -- which I think is such a great introduction -- to a friend one day as, "This is my cousin Shea. He draws sticks real good." (Laughter) Which is one of the best compliments ever.
Dit heet “Aan het kortste eind trekken" (lett.: de korte stok tekenen). (Gelach) Ik houd van dit stuk want ik heb een neefje in huis dat mij op een dag - ik vind het zo'n geweldige introductie - aan een vriend voorstelde als: "Dit is mijn neef Shea. Hij kan geweldig goed stokken tekenen." (Gelach) Dat is een van de beste complimenten ooit.
This artist is Gus Weinmueller, and he's doing a project, a large project, called "Art for the Peoples." And within this project, he's doing a smaller project called "Artists in Residence." And what he does is -- (Laughter) he spends a week at a time with a family. And he shows up on their porch, their doorstep, with a toothbrush and pajamas, and he's ready to spend the week with them. And using only what's present, he goes in and makes a little abode studio to work out of. And he spends that week talking to the family about what do they think great art is. He has all these discussions with their family, and he digs through everything they have, and he finds materials to make work. And he makes a work that answers what they think great art is. For this family, he made this still-life painting. And whatever he makes somehow references nesting and space and personal property.
Deze kunstenaar is Gus Weinmueller. Hij doet een groot project, "Kunst voor de volkeren". Binnen dit project is hij bezig met een kleiner project met de naam "Artists in Residence". Wat hij doet is - (Gelach) hij brengt een week door met een gezin. Hij verschijnt op hun veranda, voor hun deur, met een tandenborstel en een pyjama, en hij is klaar om de week met hen door te brengen. Hij gebruikt alleen wat aanwezig is. Hij maakt een kleine studio om in te werken. Hij praat die week met het gezin over wat zij denken dat grote kunst is. Hij heeft verschillende discussies met het gezin. Hij graaft door alles wat ze hebben, en zoekt materiaal om te mee werken. Hij maakt een werk dat beantwoordt aan wat zij denken dat grote kunst is. Voor dit gezin maakte hij dit stilleven. Alles wat hij maakt, refereert op een of andere manier aan nesten en ruimte en persoonlijke bezittingen.
This next project, this is by Jaochim Parisvega, and he's interested in -- he believes art is everywhere waiting -- that it just needs a little bit of a push to happen. And he provides this push by harnessing natural forces, like in his series where he used rain to make paintings. This project is called "Love Nests." What he did was to get wild birds to make his art for him. So he put the material in places where the birds were going to collect them, and they crafted his nests for him. And this one's called "Lovelock's Nest." This one's called "Mixtape Love Song's Nest." (Laughter) And this one's called "Lovemaking Nest." (Laughted)
Dit volgende project is gemaakt door Jaochim Parisvega, en hij is geïnteresseerd in - Hij is van mening dat kunst overal ligt te wachten - dat er gewoon een beetje druk nodig is om ze waar te maken. Hij geeft deze druk door gebruik te maken van natuurlijke krachten, net als in zijn serie waar hij regen gebruikte om schilderijen te maken. Dit project heet "Liefdesnestjes”. Hij kreeg wilde vogels zover om zijn kunst te maken. Hij zette het materiaal op plaatsen waar de vogels naartoe kwamen om het te verzamelen, en ze maakten zijn nesten voor hem. Deze heet “Liefdeslokjesnest”. Deze heet "Mixtape-liefdesliedsnest”. (Gelach) Deze heet "Vrijersnest". (Gelach)
Next is Sylvia Slater. Sylvia's interested in art training. She's a very serious Swiss artist. (Laughter) And she was thinking about her friends and family who work in chaos-ridden places and developing countries, and she was thinking, what can I make that would be of value to them, in case something bad happens and they have to buy their way across the border or pay off a gunman? And so she came up with creating these pocket-sized artworks that are portraits of the person that would carry them. And you would carry this around with you, and if everything went to hell, you could make payments and buy your life. So this life price is for an irrigation non-profit director. So hopefully what happens is you never use it, and it's an heirloom that you pass down. And she makes them so they could either be broken up into payments, or they could be like these, which are leaves that can be payments. And so they're valuable. This is precious metals and gemstones. And this one had to get broken up. He had to break off a piece to get out of Egypt recently.
De volgende is Sylvia Slater. Sylvia is geïnteresseerd in kunstopleiding. Ze is een zeer ernstige Zwitserse kunstenares. (Gelach) Ze dacht aan haar vrienden en familie die werken in door chaos geteisterde plaatsen en in ontwikkelingslanden. Ze dacht: wat kan ik maken dat van waarde zou zijn voor hen, in het geval er iets ergs gebeurt en ze hun weg over de grens moeten kopen of een schutter moeten betalen. Ze bedacht deze kunstwerken in zakformaat die portretten zijn van de persoon die ze zouden dragen. Je moest dit op zak hebben, en als alles verkeerd zou lopen, zou je ermee betalen en je leven afkopen. Deze levensprijs is voor een non-profit Directeur Irrigatie. Hopelijk hoef je het nooit te gebruiken en wordt het erfstuk dat je nalaat aan je nakomelingen. Ze maakt ze zodat ze ofwel kunnen opgedeeld worden in betalingen, of zoals deze, dat zijn bladeren die betalingen kunnen worden. Ze zijn dus waardevol. Dit zijn edele metalen en edelstenen. Deze moest in stukken gebroken worden. Hij moest recent een stuk afbreken om uit Egypte te geraken.
This is by a duo, Michael Abernathy and Bud Holland. And they're interested in creating culture, just tradition. So what they do is they move into an area and try to establish a new tradition in a small geographic area. So this is in Eastern Tennessee, and what they decided was that we need a positive tradition that goes with death. So they came up with "dig jigs." And a dig jig -- a dig jig is where, for a milestone anniversary or a birthday, you gather all your friends and family together and you dance on where you're going to be buried. (Laughter) And we got a lot of attention when we did it. I talked my family into doing this, and they didn't know what I was doing. And I was like, "Get dressed for a funeral. We're going to go do some work." And so we got to the grave and made this, which was hilarious -- the attention that we got. So what happens is you dance on the grave, and after you've done your dance, everyone toasts you and tells you how great you are. And you in essence have a funeral that you get to be present for. That's my mom and dad.
Dit is van een duo, Michael Abernathy en Bud Holland. Ze zijn geïnteresseerd in het creëren van cultuur, gewoon traditie. Ze verhuizen naar een gebied en proberen een nieuwe traditie in een klein geografisch gebied te introduceren. Dit is in Oost-Tennessee, en ze besloten dat we een positieve traditie nodig hebben rondom de dood. Ze bedachten een graffuif. Een graffuif-- een graffuif is iets waarbij je ter gelegenheid van een jubileum of een verjaardag, al je vrienden en familie verzamelt en je danst op de plaats waar je begraven zal worden. (Gelach) We kregen veel aandacht toen we het deden. Ik kreeg mijn familie zover om dit te doen. Ze wisten niet wat ik aan het doen was. Ik zei: "Kleed je voor een begrafenis. We gaan samen wat werk doen." We gingen naar het kerkhof en maakten dit. Het was hilarisch - de aandacht die we kregen. Je danst op het graf en nadat je je dans gedaan hebt, toast iedereen op je en vertelt je hoe geweldig je bent. Je hebt in wezen een begrafenis waarbij je zelf aanwezig bent. Dat zijn mijn vader en moeder.
This is by Jason Birdsong. He is interested in how we see as an animal, how we are interested in mimicry and camouflage. You know, we look down a dark alley or a jungle path, trying to make out a face or a creature. We just have that natural way of seeing. And he plays with this idea. And this piece: those aren't actually leaves. They're butterfly specimens who have a natural camouflage. So he pairs these up. There's another pile of leaves. Those are actually all real butterfly specimens. And he pairs these up with paintings. Like this is a painting of a snake in a box. So you open the box and you think, "Whoa, there's a snake in there." But it's actually a painting. So he makes these interesting conversations about realism and mimicry and our drive to be fooled by great camouflage.
Dit is gemaakt door Jason Birdsong. Hij is geïnteresseerd in hoe wij zien als een dier, hoe wij geïnteresseerd zijn in nabootsing en camouflage. Weet je, we kijken in een donker steegje of naar een junglepad, en zoeken naar een gezicht of een schepsel. We hebben die natuurlijke manier van kijken. Hij speelt met dit idee. En dit stuk: dat zijn niet echt blaadjes. Het zijn vlinders met een natuurlijke camouflage. Hij plaatst ze per twee. Er is nog een hoop bladeren. Dat zijn eigenlijk allemaal vlinders. Hij plaatst ze samen met deze schilderijen. Zoals dit schilderij van een slang in een doos. Je opent de doos en je denkt: "Er zit een slang in." Maar het is eigenlijk een schilderij. Hij creëert interessante gesprekken over realisme en nabootsing en onze drang om voor de gek gehouden te worden door goede camouflage.
(Laughter)
(Gelach)
The next artist is Hazel Clausen. Hazel Clausen is an anthropologist who took a sabbatical and decided, "You know, I would learn a lot about culture if I created a culture that doesn't exist from scratch." So that's what she did. She created the Swiss people named the Uvulites, and they have this distinctive yodeling song that they use the uvula for. And also they reference how the uvula -- everything they say is fallen because of the forbidden fruit. And that's the symbol of their culture. And this is from a documentary called "Sexual Practices and Populations Control Among the Uvulites." This is a typical angora embroidery for them. This is one of their founders, Gert Schaeffer. (Laughter) And actually this is my Aunt Irene. It was so funny having a fake person who was making fake things. And I crack up at this piece, because when I see it I know that's French angora and all antique German ribbons and wool that I got in a Nebraska mill and carried around for 10 years and then antique Chinese skirts.
De volgende artiest is Hazel Clausen. Hazel Clausen is een antropologe die een sabbatjaar nam en besloot: "Weet je, ik zou veel leren over cultuur als ik een cultuur oprichtte vanuit het niets." Dat deed ze dus. Ze maakte het Zwitserse volk genaamd de Uvulites, en ze hebben een typisch jodellied waar ze de huig voor gebruiken. Ze verwijzen naar hoe de huig - Ze zeggen dat alles gevallen is als gevolg van de verboden vrucht. Dat is het symbool van hun cultuur. Dit is van een documentaire "Seksuele praktijken en Bevolkingscontrole Onder de Uvulites. " Dit is een typisch angora borduurwerk. Dit is een van hun oprichters, Gert Schaeffer. (Gelach) Eigenlijk is dit mijn tante Irene. Het was zo grappig met een neppersoon die nepdingen maakte. Bij dit stuk barst ik echt in lachen uit, want als ik het zie, weet ik dat het Franse angora is en antieke Duitse linten en wol die ik in een molen uit Nebraska kocht en 10 jaar lang meezeulde, en antieke Chinese rokken.
The next is a collective of artists called the Silver Dobermans, and their motto is to spread pragmatism one person at a time. (Laughter) And they're really interested in how over-coddled we've become. So this is one of their comments on how over-coddled we've become. And what they've done is they put a warning sign on every single barb on this fence. (Laughter) (Applause) And this is called "Horse Sense Fence."
Het volgende is een collectief van kunstenaars, de Silver Dobermans. Hun motto is het verspreiden van pragmatisme van persoon tot persoon. (Gelach) Ze zijn echt geïnteresseerd in hoe we over-vertroeteld zijn geworden. Dit is een van hun opmerkingen over hoe we over-vertroeteld zijn geworden. Ze hingen een waarschuwing op elke weerhaak op dit hek. (Gelach) (Applaus) Dit heet "Paardenschrikdraad."
The next artist is K. M. Yoon, a really interesting South Korean artist. And he's reworking a Confucian art tradition of scholar stones. Next is Maynard Sipes. And I love Maynard Sipes, but he's off in his own world, and, bless his heart, he's so paranoid. Next is Roy Penig, a really interesting Kentucky artist, and he's the nicest guy. He even once traded a work of art for a block of government cheese because the person wanted it so badly.
De volgende artiest is K. M. Yoon, een echt interessante Zuid-Koreaanse kunstenaar. Hij herwerkt de Confucianistische kunsttraditie van geleerde stenen. De volgende is Maynard Sipes. Ik houd van Maynard Sipes. Hij zit helemaal in zijn eigen wereld, zo paranoïde is hij. Vervolgens Roy Penig, een heel interessante kunstenaar uit Kentucky, een zeer aardige jongen. Hij verhandelde ooit een kunstwerk voor een blok overheidskaas omdat de persoon het zo graag wilde.
Next is an Australian artist, Janeen Jackson, and this is from a project of hers called "What an Artwork Does When We're Not Watching." (Laughter) Next is by a Lithuanian fortune teller, Jurgi Petrauskas. Next is Ginger Cheshire. This is from a short film of hers called "The Last Person." And that's my cousin and my sister's dog, Gabby. The next, this is by Sam Sandy. He's an Australian Aboriginal elder, and he's also an artist. And this is from a large traveling sculpture project that he's doing.
De volgende is een Australische kunstenares, Janeen Jackson. Dit komt uit één van haar projecten, "Wat een kunstwerk doet als we niet kijken." (Gelach) Het volgende is door een Litouwse waarzegster, Jurgi Petrauskas. De volgende is Ginger Cheshire. Dit komt uit haar kortfilm "De laatste persoon." Dat is mijn neef en de hond van mijn zus, Gabby. Het volgende is van Sam Sandy. Hij is een Australische Aboriginal-oudere, hij is ook kunstenaar. Dit komt uit een groot reizend beeldenproject dat hij doet.
This is from Estelle Willoughsby. She heals with color. And she's one of the most prolific of all these hundred artists, even though she's going to be 90 next year. (Laughter) This is by Z. Zhou, and he's interested in stasis. Next is by Hilda Singh, and she's doing a whole project called "Social Outfits."
Dit is van Estelle Willoughsby. Ze geneest met kleur. Ze is een van de meest productieve van deze honderd kunstenaars, hoewel ze volgend jaar 90 wordt. (Gelach) Dit is van Z. Zhou, en hij is geïnteresseerd in stasis. Het volgende is van Hilda Singh en ze is bezig met een project rond "Sociale kleding."
Next is by Vera Sokolova. And I have to say, Vera kind of scares me. You can't look her directly in the eyes because she's kind of scary. And it's good that she's not real; she'd be mad that I said that. (Laughter) And she's an optometrist in St. Petersburg, and she plays with optics. Next, this is by Thomas Swifton. This is from a short film, "Adventures with Skinny." (Laughter) And this is by Cicily Bennett, and it's from a series of short films.
Het volgende is van Vera Sokolova. Ik moet zeggen dat Vera me bang maakt. Je kunt haar niet rechtstreeks in de ogen kijken, want ze is een beetje eng. Het is goed dat ze niet echt is; ze zou wel boos zijn dat ik dat zei. (Gelach) Ze is een optometrist uit Sint-Petersburg, en speelt met optica. Het volgende is gemaakt door Thomas Swifton. Dit is uit een kortfilm, "De avonturen van Smalletje". (Gelach) Dit is door Cicily Bennett en het komt uit een serie kortfilms.
And after this one, there's 77 other artists. And all together with those other 77 you're not seeing, that's my biennial. Thank you. Thank you. Thanks. (Applause) Thank you. Thanks. (Applause)
Na deze zijn er nog 77 andere kunstenaars. Samen met die andere 77 die je niet ziet, is dat mijn biënnale. Dank u. Dank u. Dank u. (Applaus) Dank u. (Applaus)