It's like a dream. Imagine, in the empty desert, you come upon a huge wheel ringed in skeletons, and someone invites you to come pull a series of heavy ropes at its base, so you walk to one side, where a team is waiting, and you all throw your backs into it, and you pull in turn, and eventually, the wheel roars to life, lights begin to flicker, and the audience cheers, and you've just activated Peter Hudson's "Charon," one of the world's largest zoetropes. This is the farthest thing from marketable art.
Hayal gibi bir şey. Düşünün, bomboş bir çölde içinde çepeçevre iskeletler olan dev bir çembere rastlıyorsunuz ve birisi, sizi onun dibindeki ağır halatları çekmeye davet ediyor ve bir tarafta bekleyen takıma katılıp başlıyorsunuz dönüp bütün gücünüzle sırayla çekmeye ve sonunda çember kükreyip canlanıyor, ışıklar parıldamaya ve izleyiciler coşkuyla bağırmaya başlıyor ve böylece dünyanın en büyük zoetroplarından biri olan Peter Hudson'ın "Charon"unu harekete geçirmiş oluyorsunuz. Ticari sanata fena aykırı bir şey bu.
(Laughter)
(Gülüşmeler)
It's huge, it's dangerous, it takes a dozen people to run, and it doesn't go with the sofa.
Çok büyük, tehlikeli bir şey, çalıştırmak için bir düzine insan gerekiyor ve salonda şık durmaz.
(Laughter)
(Gülüşmeler)
It's beautifully crafted and completely useless, and it's wonderful.
Çok güzel yapılmış, kesinlikle işe yaramaz ve muhteşem bir şey.
You're unlikely to see works like "Charon" in the art-world headlines. These days, the buying and selling of artwork often gets more attention than the works themselves. In the last year, a Jean-Michel Basquiat sold for 110 million dollars, the highest price ever achieved for the work of an American artist, and a painting by Leonardo da Vinci sold for 450 million, setting a new auction record. Still, these are big, important artists, but still, when you look at these works and you look at the headlines, you have to ask yourself, "Do I care about these because they move me, or do I care about them because they're expensive and I think they're supposed to?" In our contemporary world, it can be hard to separate those two things. But what if we tried? What if we redefined art's value -- not by its price tag, but by the emotional connection it creates between the artist and the audience, or the benefits it gives our society, or the fulfillment it gives the artists themselves?
Sanat dünyası haberlerinde "Charon" gibi eserleri görmeniz pek olası değil. Bu günlerde, sanat eseri alıp satma işleri eserin kendisinden fazla ilgi çekiyor. Geçen yıl, bir Jean-Michel Basquiat eseri 110 milyon dolara satıldı ve bu bir Amerikalı sanatçı eserinin ulaştığı en yüksek fiyat oldu ve Leonardo da Vinci'nin 450 milyona satılan bir tablosu yeni müzayede rekorunu kırdı. Tamam bunlar büyük, önemli sanatçılar ama yine de bu eserlere ve atılan başlıklara baktığınızda, sormadan yapamıyorsunuz "Bu eserleri beni etkiledikleri için mi, yoksa pahalı oldukları için mi önemsiyorum? -bence olmaları da gerekir." Çağdaş dünyada bu ikisini birbirinden ayırmak zor. Peki ama denesek nasıl olur? Sanatın değerini, fiyat etiketine bakmadan yeniden belirlesek nasıl olur? Eserin değerini, sanatçı ve izleyici arasında oluşturduğu duygusal bağ ile veya topluma sağladığı yararla ya da sanatçıya verdiği tatmin duygusuyla ölçsek?
This is Nevada's Black Rock Desert, about as far as you can get from the galleries of New York and London and Hong Kong. And here, for just about 30 years, at Burning Man, a movement has been forming that does exactly that. Since its early anarchist years, Burning Man has grown up. Today, it's more of an experiment in collective dreaming. It's a year-round community, and every August, for a single week, 70,000 people power down their technology and pilgrimage out into the desert to build an anti-consumerist society outside the bounds of their everyday lives. The conditions are brutal. Strangers will hug you, and every year, you will swear it was better the last, but it's still ridiculous and freeing and alive, and the art is one thing that thrives here.
Burası, Nevada Black Rock (Siyah Kaya) Çölü, New York, Londra ve Hong Kong'daki sanat galerilerine olabilecek en uzak yerlerden biri. Ve burada, "Burning Man"(Yanan Adam)de, yaklaşık 30 yıldır şekillenen hareket tam olarak bunu yapıyor. Başlangıçtaki anarşist yıllardan bu yana "Burning Man" olgunlaştı. Bugün daha çok, bir kolektif hayalin deneyi. Bu, yıl boyu devam eden bir topluluk ve her Ağustos'ta bir haftalığına, 70 bin kişi teknoloji güç düğmelerini kapatıp gündelik hayatın sınırları dışına, tüketimcilik karşıtı bir topluluk oluşturmak için çöle kutsal bir yolculuğa çıkıyor. Koşullar çok çetin. Seni yabancılar kucaklıyor ve her yıl, bu son diye yemin ediyorsun ama hâlâ saçma sapan ve özgürleştirici ve canlı ve orada yükselen bir şey, sanat.
So this is me on the desert playa last year with my brother, obviously hard at work.
Bu benim, geçtiğimiz yıl, kardeşimle birlikteyim, belli ki çok çalışmışız.
(Laughter)
(Gülüşmeler)
I'd been studying the art of Burning Man for several years, for an exhibition I curated at the Smithsonian's Renwick Gallery, and what fascinates me the most isn't the quality of the work here, which is actually rather high, it's why people come out here into the desert again and again to get their hands dirty and make in our increasingly digital age. Because it seems like this gets to something that's essentially human. Really, the entire encampment of Burning Man could be thought of as one giant interactive art installation driven by the participation of everyone in it.
Smithsonian Renwick Galerisi'nde küratörlüğünü yaptığım bir sergi için birkaç yıl "Burning Man" sanatı üzerine çalıştım ve orada beni büyüleyen şey eserlerin kalitesi değil, kalite oldukça yüksek, ama gittikçe dijitalleşen çağımızda neden insanlar buraya, bu çöle tekrar tekrar geliyor ve ellerini kirletiyorlar? Çünkü galiba bu insanın özünde olan bir şeye sesleniyor. Gerçekten de Burning Man kamp alanının tamamı oradaki herkesin katılımıyla yönlenen dev bir etkileşimli sanat enstalasyonu olarak düşünülebilir.
One thing that sets this work aside from the commercial art world is that anyone who makes work can show it. These days, around 300 art installations and countless artistic gestures go to the playa. None of them are sold there. At the end of the week, if the works aren't burned, artists have to cart them back out and store them. It's a tremendous labor of love.
Bu eseri, ticari sanat dünyasından farklı kılan şey eser üretebilen herkesin onu gösterebilmesi. Bu günlerde, araziye yaklaşık 300 sanat enstalasyonu ve sayısız sanatsal hareket geliyor ve orada hiçbiri satılmıyor. Eğer hafta bittiğinde eser yakılmamışsa sanatçı onu geri götürmek ve saklamak durumunda. Bu çok büyük bir sevgi işi.
Though there is certainly a Burning Man aesthetic, pioneered by artists like Kate Raudenbush and Michael Christian, much of the distinctive character of the work here comes from the desert itself. For a work to succeed, it has to be portable enough to make the journey, rugged enough to withstand the wind and weather and participants, stimulating in daylight and darkness, and engaging without interpretation. Encounters with monumental and intimate works here feel surreal. Scale has a tendency to fool the eyes. What looked enormous in an artist's studio could get lost on the playa, but there are virtually no spatial limits, so artists can dream as big as they can build. Some pieces bowl you over by their grace and others by the sheer audacity it took to bring them here.
Öncülüğünü Kate Raudenbush ve Michael Christian gibi sanatçıların yaptığı bir Burning Man estetiği kesinlikle olsa da oradaki eserlerin farklı karakteri çoğunlukla çölün kendisinden geliyor. Bir eserin başarıya ulaşması için bu yolculuğa uygun ve taşınabilir olması, rüzgâra, havaya ve katılımcılara dayanacak kadar sağlam olması hem gündüz, hem karanlıkta ilham vermesi ve yorum istemeden ilgi uyandırması şart. Buradaki anıtsal ve içten eserleri görmek gerçeküstü bir duygu. Ölçek gözü yanıltabilir. Sanatçının stüdyosunda çok büyük görünen bir şey o düzlükte kaybolabiliyor ama gerçekten bir boyut sınırlaması yok ve bu nedenle sanatçı yapabileceği kadar büyüğünü hayal edebilir. Bazı parçalar sizi zerafetiyle hayran bırakıyor ve bazıları da oraya getirilmedeki yürekliliği ile.
Burning Man's irreverent humor comes out in pieces like Rebekah Waites' "Church Trap," a tiny country chapel set precariously on a wooden beam, like a mousetrap, that lured participants in to find religion -- it was built and burned in 2013 ... while other works, like Christopher Schardt's "Firmament," aim for the sublime. Here, under a canopy of dancing lights set to classical music, participants could escape the thumping rave beats and chaos all around.
Burning Man'in saygısız mizah anlayışı, Rebekah Waites'in "Kilise Tuzağı" gibi eserlerde zirveye çıkıyor, küçük bir köy şapeli ahşap bir kirişin üzerinde fare tuzağı gibi sallanıyor ve din arayan katılımcıları içine çekiyor- 2013'de yapıldı ve yakıldı... bu arada diğer eserler, örneğin Christopher Schardt'ın "Gök Kubbesi" yüce olmayı hedefliyor. Orada klasik müziğe ayarlı dans eden ışıklardan oluşan bir çatı altında, katılımcılar bütün etrafı saran çıldırmış ritimden ve kaostan kaçabiliyor.
At night, the city swarms with mutant vehicles, the only cars allowed to roam the playa. And if necessity is the mother of invention, here, absurdity is its father.
Geceleri şehir mutant araçlarla kaynıyor, arazide sadece bu araçlara izin veriliyor. Eğer bütün icatların anası ihtiyaçsa, burada absürtlük de babası.
(Laughter)
(Gülüşmeler)
They zigzag from artwork to artwork like some bizarre, random public transportation system, pulsing with light and sound. When artists stop worrying about critics and collectors and start making work for themselves, these are the kinds of marvelous toys they create.
Bir eserden diğerine ışık ve ses çıkararak ve zigzag yaparak gezinen, tuhaf, gelişigüzel bir toplu taşıma sistemi gibiler. Sanatçılar, sanat çevreleri ve koleksiyoncuları boş verdiğinde ve kendileri için sanat yapmaya başladığında bu tür muhteşem oyuncaklar yaratıyor.
And what's amazing is that, by and large, when people first come to Burning Man, they don't know how to make this stuff. It's the active collaborative maker community there that makes this possible. Collectives like Five Ton Crane come together to share skills and take on complex projects a single artist would never even attempt, from a Gothic rocket ship that appears ready to take off at any moment to a fairytale home inside a giant boot complete with shelves full of artist-made books, a blackbird pie in the oven and a climbable beanstalk.
Ve burada hayret uyandıran bir şey de insanlar Burning Man'e ilk geldiğinde, genelde bu şeylerin nasıl yapılacağını bilmiyor. Bunu mümkün kılan oradaki aktif işbirliği içindeki topluluk. Beceriler paylaşılarak Beş Tonluk Vinç gibi kolektif eserler ve bir sanatçının tek başına asla kalkışamayacağı karmaşık projeler yapılır, her an kalkışa hazır görünen Gotik roket gemi ve dev bir çizmenin içindeki rafları sanatçı yapımı kitaplarla dolu, fırındaki karatavuk turtası ve tırmanılabilir fasulye bitkisi ile tam bir peri masalı olan ev gibi.
Skilled or unskilled, all are welcome. In fact, part of the charm and the innovation of the work here is that so many makers aren't artists at all, but scientists or engineers or welders or garbage collectors, and their works cross disciplinary boundaries, from a grove of origami mushrooms that developed out of the design for a yurt to a tree that responds to the voices and biorhythms of all those around it through 175,000 LEDs embedded in its leaves.
Becerisi olan veya olmayan herkese yer var. Aslında sihirin bir kısmı ve buradaki eserlerdeki yenilik şu; çoğu kişi sanatçı filan değil, ya bilim insanı, ya mühendis, kaynakçı veya çöp toplayıcı ve onların çalışmaları meslekler arası sınırları aşıyor, bir yurttan (göçer çadırından) esinlenerek tasarlanmış bir origami mantar koruluğundan yapraklarına yerleştirilen 175.000 led lambasıyla etrafındaki seslere ve biyoritme tepki veren bir ağaca kadar.
In museums, a typical visitor spends less than 30 seconds with a work of art, and I often watch people wander from label to label, searching for information, as though the entire story of a work of art could be contained in that one 80-word text. But in the desert, there are no gatekeepers and no placards explaining the art, just natural curiosity. You see a work on the horizon, and you ride towards it. When you arrive, you walk all around it, you touch it, you test it. Is it sturdy enough to climb on? Will I be impaled by it?
Müzeye giden tipik bir ziyaretçi bir sanat eserine 30 saniye ayırır ve çoğu zaman onları bir etiketten diğerine gezinirken görürüm, bilgi edinmek isterler, sanki bir sanat eserinin bütün öyküsü o 80 kelimelik metne sığabilirmiş gibi. Ama çölde görevliler yok, eseri anlatan levhalar yok, sadece doğal merak var. Ufukta bir eser görüyorsun ve oraya doğru gidiyorsun. Oraya ulaştığında, eserin etrafında dolaşıyorsun, ona dokunuyor, test ediyorsun. "Acaba tırmansam sağlam mıdır? Kazığa geçmeyelim sonra?"
(Laughter)
(Gülüşmeler)
Art becomes a place for extended interaction, and although the display might be short-lived, the experience stays with you.
Sanat, geniş çaplı bir etkileşim zemini hâline geliyor ve sergi kısa ömürlü olsa bile deneyim sizinle kalıyor.
Nowhere is that truer at Burning Man than at the Temple. In 2000, David Best and Jack Haye built the first Temple, and after a member of their team was killed tragically in an accident shortly before the event, the building became a makeshift memorial. By itself, it's a magnificent piece of architecture, but the structure is only a shell until it disappears under a thick blanket of messages. "I miss you." "Please forgive me." "Even a broken crayon still colors." Intimate testaments to the most universal of human experiences, the experience of loss. The collective emotion in this place is overpowering and indescribable, before it's set afire on the last night of the event.
Bunun en açık örneği Burning Man'deki Tapınak. İlk Tapınak 2000 yılında, David Best ve Jack Haye tarafından yapıldı ve etkinlikten hemen önce, takım üyelerinden biri trajik bir kazayla ölünce yapı kendiliğinden bir anıta dönüştü. Kendisi muhteşem bir mimari eser ama kalın bir mesaj örtüsü altında yok olana kadar bir kabuk oluyor sadece. "Seni özledim." "Lütfen beni affet." "Kırık kalemler de çiçek çizer." Evrensel insani yaşanmışlıkların en içten ifadeleri, gidenlerin yankıları. Etkinlikteki son gecede, ateşe verilmeden önceki kolektif duygu çok kuvvetli ve tarif edilemez.
Every year, something compels people from all different walks of life, from all over the world, to go out into the desert and make art when there is no money in it. The work's not always refined, it's not always viable, it's not even always good, but it's authentic and optimistic in a way we rarely see anywhere else. In these cynical times, it's comforting to know that we're still capable of great feats of imagination, and that when we search for connection, we come together and build cathedrals in the dust.
Bu işte hiç para olmadığı hâlde her yıl, hayatın çeşitli katmanlarından, dünyanın her yerinden, insanları bu çöle gelmeye ve sanat yapmaya zorlayan bir şey var. Eserler her zaman rafine değil, hepsi kalıcı değil, hatta iyi bile değil ama başka yerde pek göremediğimiz bir biçimde sahici ve iyimserler. Böyle çıkarcı bir çağda hâlâ büyük bir hayal gücü marifeti ortaya koyabildiğimizi ve bir bağ arayıp bir araya geldiğimizde tozun toprağın içinde mabetler inşa edebildiğimizi görmek teselli veriyor.
Forget the price tags. Forget the big names. What is art for in our contemporary world if not this?
Fiyat etiketlerini boş ver. Büyük isimleri boş ver. Çağdaş dünyada sanatın varlık nedeni eğer bu değilse, o zaman ne?
Thank you.
Teşekkür ederim.
(Applause)
(Alkış)