It's like a dream. Imagine, in the empty desert, you come upon a huge wheel ringed in skeletons, and someone invites you to come pull a series of heavy ropes at its base, so you walk to one side, where a team is waiting, and you all throw your backs into it, and you pull in turn, and eventually, the wheel roars to life, lights begin to flicker, and the audience cheers, and you've just activated Peter Hudson's "Charon," one of the world's largest zoetropes. This is the farthest thing from marketable art.
มันเหมือนฝัน ลองจินตนาการถึงทะเลทรายเวิ้งว้าง มีวงล้อใหญ่ ที่มีโครงกระดูกประดับอยู่ในนั้น แล้วใครสักคนก็ชวนให้คุณ ดึงเชือกหนัก ๆ ที่ฐานของมัน คุณเดินไปฝั่งหนึ่งที่กลุ่มคนกำลังรออยู่ และทุก ๆ คนก็ออกแรงดึงกันสุดตัว และแรงดึงนั้นเอง ก็ปลุกให้วงล้อคำรามขึ้น แสงเริ่มเปล่งวูบวาบ และผู้ชมก็เริ่มโห่ร้อง คุณเพิ่งทำให้ผลงานของปีเตอร์ ฮัดสัน ที่มีชื่อว่า "ชารอน" ทำงาน มันเป็นโซโทรปที่ใหญ่ที่สุดในโลกอันหนึ่ง มันห่างไกลจากคำว่างานศิลป์ในท้องตลาด แบบสุด ๆ
(Laughter)
(เสียงหัวเราะ)
It's huge, it's dangerous, it takes a dozen people to run, and it doesn't go with the sofa.
มันใหญ่ มันอันตราย ใช้กำลังคนหลายสิบเพื่อขับเคลื่อน และดูไม่เข้ากับโซฟาห้องนั่งเล่น
(Laughter)
(เสียงหัวเราะ)
It's beautifully crafted and completely useless, and it's wonderful.
มันถูกรังสรรค์ขึ้นอย่างสวยงาม และไร้ประโยชน์โดยสื้นเชิง และมันสวยงามค่ะ
You're unlikely to see works like "Charon" in the art-world headlines. These days, the buying and selling of artwork often gets more attention than the works themselves. In the last year, a Jean-Michel Basquiat sold for 110 million dollars, the highest price ever achieved for the work of an American artist, and a painting by Leonardo da Vinci sold for 450 million, setting a new auction record. Still, these are big, important artists, but still, when you look at these works and you look at the headlines, you have to ask yourself, "Do I care about these because they move me, or do I care about them because they're expensive and I think they're supposed to?" In our contemporary world, it can be hard to separate those two things. But what if we tried? What if we redefined art's value -- not by its price tag, but by the emotional connection it creates between the artist and the audience, or the benefits it gives our society, or the fulfillment it gives the artists themselves?
คุณแทบจะไม่มีโอกาสเห็นผลงานอย่าง "ชารอน" ในพาดหัวของโลกศิลปะ ทุกวันนี้ การซื้อขายงานศิลป์ มักได้รับความสนใจมากกว่าตัวชิ้นงาน ปีที่แล้ว ฌอง-มิเชล บาสเกีย ขายผลงานได้ในราคา 110 ล้านดอลลาร์ ซึ่งเป็นงานศิลป์โดยศิลปินชาวอเมริกัน ที่มีราคาสูงที่สุด และภาพวาดโดย ลีโอนาโด ดาวินชี่ ที่ขายในราคา 450 ล้าน เป็นสถิติสูงสุด ถึงพวกเขาจะศิลปินที่มีชื่อเสียง และมีความสำคัญ แต่เมื่อคุณดูงานศิลป์เหล่านี้ และดูหัวข้อข่าว คุณก็อดถามตัวเองไม่ได้ว่า "ฉันสนใจเรื่องพวกนี้เพราะมันเร้าอารมณ์ หรือฉันสนใจเรื่องพวกนี้ เพราะว่าราคามันสูง อย่างที่ฉันคิดว่ามันควรจะเป็น" ในโลกปัจจุบัน มันแทบจะเป็นไปไม่ได้ ที่เราแยกสองเรื่องนี้ออกจากกัน แต่ถ้าหากเราลองแยกล่ะ ถ้าหากเราลองกำหนด คุณค่าของศิลปะขึ้นใหม่ โดยไม่ต้องอิงกับราคาค่างวด แต่อาศัยความสัมพันธ์ทางอารมณ์ ระหว่างศิลปินและผู้ชมที่เกิดขึ้นจากมัน หรือประโยชน์ที่งานศิลป์นั้นมอบให้กับสังคม หรือการที่ตัวศิลปินเองได้รับการเติมเต็ม
This is Nevada's Black Rock Desert, about as far as you can get from the galleries of New York and London and Hong Kong. And here, for just about 30 years, at Burning Man, a movement has been forming that does exactly that. Since its early anarchist years, Burning Man has grown up. Today, it's more of an experiment in collective dreaming. It's a year-round community, and every August, for a single week, 70,000 people power down their technology and pilgrimage out into the desert to build an anti-consumerist society outside the bounds of their everyday lives. The conditions are brutal. Strangers will hug you, and every year, you will swear it was better the last, but it's still ridiculous and freeing and alive, and the art is one thing that thrives here.
นี่คือทะเลทรายแบล็คร๊อคของเนวาดา ซึ่งมันแตกต่างจากหอศิลป์ในนิวยอร์ค ลอนดอน และฮ่องกง อย่างมาก และที่นี่ ประมาณ 30 ปี ที่เบิร์นนิงแมน กระแสที่เกิดขึ้นมา เพื่อสนองความต้องการนั้น ตั้งแต่ช่วงอนาธิปไตยของมัน เบิร์นนิงแมนได้เติบโต ทุกวันนี้ มันเป็นมากกว่าการทดลอง จากคลังความฝัน มันเป็นกลุ่มที่มีอยู่ตลอด และเป็นเวลาหนึ่งสัปดาห์ทุก ๆ เดือนสิงหาคม ผู้คน 70,000 คนจะวางเทคโนโลยีในมือ และจาริกสู่ทะเลทราย เพื่อสร้างชุมชนต่อต้านลัทธิบริโภคนิยม ที่อยู่นอกขอบเขตพันธะ ในชีวิตประจำวันของพวกเขา บรรยากาศที่นั่นมีความสุดโต่ง คนแปลกหน้าจะโอบกอดคุณ และทุกปี คุณจะรู้สึกว่ามันดีกว่าปีที่แล้ว นอกจากนั้น มันยังดูน่าขัน ไร้แก่นสาร และมีชีวิตชีวา และ ณ ที่นั้น ศิลปะก็คือสิ่งเดียวที่โชติช่วง
So this is me on the desert playa last year with my brother, obviously hard at work.
นี่คือฉันที่บริเวณลานทะเลทรายเมื่อปีก่อน กับน้องชายของฉัน ที่ดูก็รู้ว่าทำงานหนักสุด ๆ
(Laughter)
(เสียงหัวเราะ)
I'd been studying the art of Burning Man for several years, for an exhibition I curated at the Smithsonian's Renwick Gallery, and what fascinates me the most isn't the quality of the work here, which is actually rather high, it's why people come out here into the desert again and again to get their hands dirty and make in our increasingly digital age. Because it seems like this gets to something that's essentially human. Really, the entire encampment of Burning Man could be thought of as one giant interactive art installation driven by the participation of everyone in it.
ตอนนั้น ฉันได้ศึกษาศิลปะ ที่เบิร์นนิงแมนมาแล้วสองสามปี เพื่อนิทรรศการที่ฉันเป็นผู้รับผิดชอบดูแล ที่หอศิลป์ เรนวิค สมิทโซเนียน และฉันที่ฉันทึ่งที่สุด ไม่ใช่คุณภาพของงานที่นั่น ซึ่งมันมีคุณค่ามากจริง ๆ แต่เป็นเหตุผลว่าทำไมผู้คน ถึงได้ไปยังทะเลทรายนั้นครั้งแล้วครั้งเล่า เพื่อจะได้ลงมือทำและสร้างสรรค์ ในยุคที่เป็นดิจิตัลมากขึ้นทุกวัน เพราะมันราวกับว่า มันเข้าถึงพื้นฐานความเป็นมนุษย์ อันที่จริง ค่ายที่เบิร์นนิงแมน อาจถูกมองว่าเป็นการแสดงผลงานศิลป์ ขนาดยักษ์ที่ตอบโต้กับเราได้ มันถูกขับเคลื่อนได้ จากความร่วมมือของทุกคน
One thing that sets this work aside from the commercial art world is that anyone who makes work can show it. These days, around 300 art installations and countless artistic gestures go to the playa. None of them are sold there. At the end of the week, if the works aren't burned, artists have to cart them back out and store them. It's a tremendous labor of love.
สิ่งหนึ่งที่ทำให้มันแตกต่าง จากผลงานศิลป์เชิงพาณิชย์ ก็คือไม่ว่าใครก็สามารถแสดงผลงานได้ ทุกวันนี้ การแสดงงานศิลป์ประมาณ 300 ชิ้น และการแสดงนับไม่ถ้วน มุ่งหน้าไปยังลานดังกล่าว ไม่มีสิ่งใดที่ถูกสร้างมาเพื่อขาย ถ้าผลงานไม่ถูกเผาเมื่อสิ้นสุดสัปดาห์นั้น ศิลปินก็จะต้องรื้อถอนมันออกและเก็บมันไป มันเป็นการอุทิศแรงจากใจที่ยิ่งใหญ่
Though there is certainly a Burning Man aesthetic, pioneered by artists like Kate Raudenbush and Michael Christian, much of the distinctive character of the work here comes from the desert itself. For a work to succeed, it has to be portable enough to make the journey, rugged enough to withstand the wind and weather and participants, stimulating in daylight and darkness, and engaging without interpretation. Encounters with monumental and intimate works here feel surreal. Scale has a tendency to fool the eyes. What looked enormous in an artist's studio could get lost on the playa, but there are virtually no spatial limits, so artists can dream as big as they can build. Some pieces bowl you over by their grace and others by the sheer audacity it took to bring them here.
แม้ว่าจะเราจะพบกับความสุนทรีย์ ในแบบของเบิร์นนิงแมน ที่ได้รับการบุกเบิกโดยศิลปินอย่าง เคท รูเดนบุช และไมเคิล คริสเตียน อัตลักษณ์อันโดดเด่นส่วนมาก ของผลงานในที่นี้ มาจากบรรยากาศของทะเลทราย ผลงานที่ประสบความสำเร็จ จะต้องสามารถถูกขนส่ง ไปกับการเดินทางไกลได้ ต้องอึดพอที่จะทนทาน ลมฟ้าอากาศและผู้คนที่เข้ามามีส่วนร่วมได้ ทำหน้าที่ของมันได้ ใต้แสงอาทิตย์และในความมืด และทำให้ผู้คนสนใจได้ โดยไม่ต้องมีการตีความ การได้อยู่เบื้องหน้าผลงานที่ยิ่งใหญ่ และเปิดเผย ทำให้รู้สึกราวกับฝัน ขนาดของมันลวงตาเรา สิ่งที่ดูมหึมาในห้องทำงานของศิลปิน อาจถูกกลืนหายไปเมื่ออยู่บนลานนั้น แต่ด้วยความที่ไม่มีข้อจำกัดด้านพื้นที่ ศิลปินจึงสามารถจินตนาการ ได้ใหญ่เท่าที่อยากจะสร้างสรรค์ ความอ่อนช้อยของบางผลงาน จะทำให้คุณหลงใหล ในขณะที่บางผลงานจะทำให้คุณทึ่ง เมื่อคิดถึงความบ้าในการขนมันมาที่นี่
Burning Man's irreverent humor comes out in pieces like Rebekah Waites' "Church Trap," a tiny country chapel set precariously on a wooden beam, like a mousetrap, that lured participants in to find religion -- it was built and burned in 2013 ... while other works, like Christopher Schardt's "Firmament," aim for the sublime. Here, under a canopy of dancing lights set to classical music, participants could escape the thumping rave beats and chaos all around.
อารมณ์ขันแบบฉีกแนวของเบิร์นนิงแมน ถูกแสดงออกมา อย่างเช่นผลงาน "กับดักโบสถ์" ของรีบีคาห์ วิเทส วิหารชนบทน้อย ที่ตั้งอย่างไม่มั่นคง บนระแนงไม้ หน้าตาคลายกับดักหนู และลวงผู้เข้าร่วมงาน ให้เขาไปแสวงหาศาสนา มันถูกสร้างขึ้นและเผาทิ้งไปในปี ค.ศ. 2013 ในขณะที่ผลงานอื่น ๆ เช่น "เวหา" ของคริสโตเฟอร์ ชาร์ต ให้คุณค่ากับความบริสุทธิ์ ที่นี่ ใต้ร่มของแสงระยิบระยับ ที่เต้นไปตามทำนองเพลงคลาสสิก ผู้เข้าร่วมอาจใช้เป็นที่หลบซ่อน จากจังหวะที่ยุ่งเหยิง และความวุ่นวายรอบ ๆ
At night, the city swarms with mutant vehicles, the only cars allowed to roam the playa. And if necessity is the mother of invention, here, absurdity is its father.
ตอนกลางคืน เมืองก็เต็มไปด้วย ฝูงยวดยานหน้าตาประหลาด รถเพียงแบบเดียวอนุญาตให้ใช้วิ่งบนลานนั้น ถ้าความจำเป็นของนวัตกรรม คือมารดาผู้ให้กำเนิด ความไร้สาระก็คงจะเป็นพ่อของมัน
(Laughter)
(เสียงหัวเราะ)
They zigzag from artwork to artwork like some bizarre, random public transportation system, pulsing with light and sound. When artists stop worrying about critics and collectors and start making work for themselves, these are the kinds of marvelous toys they create.
พวกมันวิ่งซิกแซกจากงานศิลป์หนึ่ง ไปยังอีกจุดหนึ่ง เหมือนกับระบบขนส่งสาธารณะ ที่ดูแปลกประหลาด เต้นไปตามแสงและเสียง เมื่อศิลปินเลิกกังวล ต่อคำวิจารณ์และผู้เก็บค่าเช่า แล้วเริ่มสร้างผลงานเพื่อตัวของพวกเขาเอง พวกมันคือของเล่นสุดเจ๋ง ที่พวกเขาสร้างขึ้นมา
And what's amazing is that, by and large, when people first come to Burning Man, they don't know how to make this stuff. It's the active collaborative maker community there that makes this possible. Collectives like Five Ton Crane come together to share skills and take on complex projects a single artist would never even attempt, from a Gothic rocket ship that appears ready to take off at any moment to a fairytale home inside a giant boot complete with shelves full of artist-made books, a blackbird pie in the oven and a climbable beanstalk.
และที่น่าทึ่งก็คือ ส่วนใหญ่แล้ว เมื่อผู้คนมาถึงที่เบิร์นนิงแมนในตอนแรก พวกเขาไม่รู้หรอกว่าจะสร้างมันได้อย่างไร มันคือความร่วมมือจาก กลุ่มของนักประดิษฐ์ที่นั่น ที่ทำให้มันเกิดขึ้น รถยกระวางห้าตันเข้ามาร่วมแบ่งปันฝีมือ และทำโครงการซับซ้อน ที่ศิลปินคนเดียวคงจะทำไม่สำเร็จ จากจรวดแบบโกธิค ที่เหมือนว่าพร้อมจะออกตัวได้ทุกวินาที ไปจนถึงบ้านในจินตนาการ ภายในรองเท้ายักษ์ ที่มีหิ้งที่เต็มไปด้วยหนังสือ พายนกสีดำในเตาอบ และเถาต้นถั่วให้ปีนป่าย
Skilled or unskilled, all are welcome. In fact, part of the charm and the innovation of the work here is that so many makers aren't artists at all, but scientists or engineers or welders or garbage collectors, and their works cross disciplinary boundaries, from a grove of origami mushrooms that developed out of the design for a yurt to a tree that responds to the voices and biorhythms of all those around it through 175,000 LEDs embedded in its leaves.
ไม่ว่าคุณจะเป็นมีอาชีพหรือมือสมัครเล่น นี่นั่นยินดีตอนรับทุกคน อันที่จริง เสน่ห์และนวัตกรรมส่วนหนึ่ง ของผลงานที่นี่ ก็คือ นักประดิษฐ์ส่วนใหญ่ ไม่ได้เป็นศิลปิน แต่เป็นนักวิทยาศาสตร์ หรือวิศวกร เป็นช่างเชื่อม หรือคนเก็บขยะ และผลงานของพวกเขา ก็ข้ามขอบเขตของแต่ละสาขา ตั้งแต่สวนดอกเห็ดโอริกามิ ที่พัฒนามาจากการออกแบบกระท่อม ไปจนถึงต้นไม้ที่ตอบสนองต่อเสียง และจังหวะชีวภาพ ที่อยู่รอบ ๆ มัน ผ่านหลอด LED จำนวน 175,000 หลอด ที่ถูกฝังไว้ในใบของมัน
In museums, a typical visitor spends less than 30 seconds with a work of art, and I often watch people wander from label to label, searching for information, as though the entire story of a work of art could be contained in that one 80-word text. But in the desert, there are no gatekeepers and no placards explaining the art, just natural curiosity. You see a work on the horizon, and you ride towards it. When you arrive, you walk all around it, you touch it, you test it. Is it sturdy enough to climb on? Will I be impaled by it?
ในพิพิธภัณฑ์ ผู้เข้าชมทั่วไป จะใช้เวลาชมผลงานหนึ่ง ๆ น้อยกว่า 30 วินาที และฉันมักจะเห็นคนเดินจากป้ายหนึ่ง ไปอีกป้ายหนึ่ง เพื่อค้นหาข้อมูล ราวกับว่าเรื่องราวทั้งหมดของงานศิลป์ จะถูกอธิบายได้ด้วยคำเพียง 80 คำ แต่ในทะเลทรายแห่งนี้ ไม่มีข้อจำกัดใด ไม่มีแผ่นป้ายบรรยายงานศิลป์ มีแต่เพียงความสงสัยใคร่รู้ คุณเห็นงานศิลป์นั้นที่เส้นของฟ้า และมุ่งหน้าเข้าหามัน เมื่อคุณไปถึง คุณก็เดินไปรอบ ๆ คุณสัมผัสกับมัน ทดสอบมันดู มันจะมั่นคงพอที่เราจะปีนขึ้นไปได้ไหม จะโดนมันตำเอาหรือเปล่า
(Laughter)
(เสียงหัวเราะ)
Art becomes a place for extended interaction, and although the display might be short-lived, the experience stays with you.
และศิลปะก็กลายเป็นสถานที่ สำหรับการมีปฏิสัมพันธ์ในวงกว้าง และแม้ว่าการแสดง อาจมีอายุสั้น ประสบการณ์ก็จะคงอยู่กับคุณ
Nowhere is that truer at Burning Man than at the Temple. In 2000, David Best and Jack Haye built the first Temple, and after a member of their team was killed tragically in an accident shortly before the event, the building became a makeshift memorial. By itself, it's a magnificent piece of architecture, but the structure is only a shell until it disappears under a thick blanket of messages. "I miss you." "Please forgive me." "Even a broken crayon still colors." Intimate testaments to the most universal of human experiences, the experience of loss. The collective emotion in this place is overpowering and indescribable, before it's set afire on the last night of the event.
ไม่มีที่ไหนจะจริงแท้เช่นเบิร์นนิงแมน ไปกว่าวิหารนี้ ในปี ค.ศ. 2000 เดวิด เบส และแจ็ค เฮย์ สร้างวิหารแรกขึ้นมา และหลังจากสมาชิกของกลุ่ม เสียชีวิตด้วยอุบัติเหตุที่แสนเศร้า หลังจากการจัดงานนี้ไม่นาน สิ่งปลูกสร้างนี้ กลายเป็นอนุสรณ์สำหรับผู้สร้าง โดยตัวของมันเอง มันเป็นชิ้นงาน ทางสถาปัตยกรรมที่ยิ่งใหญ่ แต่โครงสร้างเป็นเพียงกรอบนอก จนกระทั่งมันได้หายไป ภายใต้ผ้าคลุมหนาแห่งข้อความ "ฉันคิดถึงเธอ" "ให้อภัยฉันเถิด" "แม้แต่สีเทียนที่หักเป็นท่อนก็ยังคงมีสี" บทบันทึกที่คุ้นเคยสำหรับผู้คนทุกหมู่เหล่า ประสบการณ์ของการสูญเสีย ความรู้สึกร่วมในสถานที่แห่งนี้ ทรงพลังและเหนือกว่านิยามใด ก่อนที่ตัวมันเองจะลุกโชนเป็นไฟ ใน คืนสุดท้ายของงานแสดง
Every year, something compels people from all different walks of life, from all over the world, to go out into the desert and make art when there is no money in it. The work's not always refined, it's not always viable, it's not even always good, but it's authentic and optimistic in a way we rarely see anywhere else. In these cynical times, it's comforting to know that we're still capable of great feats of imagination, and that when we search for connection, we come together and build cathedrals in the dust.
ทุก ๆ ปี บางสิ่งบันดาลให้ผู้คน จากทุกพื้นเพ จากทั่วทุกมุมโลก เดินทางไปยังทะเลทรายและสร้างงานศิลป์ โดยไม่คิดถึงเรื่องเงินค่าตอบแทน งานศิลป์ไม่ได้ปราณีตเสมอไป ไม่ได้ประสบความสำเร็จทุกครั้ง ไม่ได้ดีงามไปทุกครา แต่มันมีความจริงใจและความคาดหวัง ในแบบที่เราไม่ค่อยได้พบเห็นที่อื่น ในช่วงเวลาที่แสนโหดร้ายนี้ เรารู้สึกดีที่ยังสามารถสร้างสรรค์จินตนาการ และนั่นก็เป็นตอนที่เราค้นหาจุดเชื่อมโยง เราเข้ามาพบกัน และสร้างโบสถ์ในธุลี
Forget the price tags. Forget the big names. What is art for in our contemporary world if not this?
ลืมเรื่องราคาค่างวด ลืมเรื่องชื่อเสียงเกียรติยศ นี่แหละ คือศิลปะที่มีค่า สำหรับโลกของเราในตอนนี้
Thank you.
ขอบคุณค่ะ
(Applause)
(เสียงปรบมือ)