Well when I was asked to do this TEDTalk, I was really chuckled, because, you see, my father's name was Ted, and much of my life, especially my musical life, is really a talk that I'm still having with him, or the part of me that he continues to be.
Bu TED konuşmasını yapmam istendiğinde kendi kendime güldüm çünkü, babamın ismi Ted idi ve hayatımın çoğu, özellikle müzik hayatım onunla hala yapmakta olduğum ya da onun bir parçam olmaya devam ettiği bir konuşma adeta.
Now Ted was a New Yorker, an all-around theater guy, and he was a self-taught illustrator and musician. He didn't read a note, and he was profoundly hearing impaired. Yet, he was my greatest teacher. Because even through the squeaks of his hearing aids, his understanding of music was profound.
Ted New York'lu, yetenekli bir tiyatro sanatçısı, kendi kendini yetiştirmiş bir çizer ve müzisyendi. Nota okuyamazdı ve ciddi derecede işitme bozukluğu vardı. Buna rağmen, benim en iyi öğretmenimdi. Çünkü, işitme cihazından çıkan cızırtıların arasında bile müzik anlayışı çok derindi.
And for him, it wasn't so much the way the music goes as about what it witnesses and where it can take you. And he did a painting of this experience, which he called "In the Realm of Music." Now Ted entered this realm every day by improvising in a sort of Tin Pan Alley style like this. (Music)
Ve onun için müziğin nasıl olduğundan daha çok neye tanıklık ettiği ve onu nerelere götürdüğü önemliydi. Babam bu deneyimin bir resmini yaptı, öyle ki ona "Müzik Diyarında" adını koydu. Ted bu diyara her gün doğaçlama yaparak giriyordu, biraz Tin Pan Alley tarzında şunun gibi bir doğaçlama. (Müzik)
But he was tough when it came to music. He said, "There are only two things that matter in music: what and how. And the thing about classical music, that what and how, it's inexhaustible."
Fakat, konu müzik olduğunda zor biriydi. Şöyle derdi: "Müzik'te sadece iki şey önemlidir: Ne ve nasıl. Ve klasik müzikle ilgili olan şey, bu ne ve nasıl bitip tükenmez bir şeydir."
That was his passion for the music. Both my parents really loved it. They didn't know all that much about it, but they gave me the opportunity to discover it together with them. And I think inspired by that memory, it's been my desire to try and bring it to as many other people as I can, sort of pass it on through whatever means. And how people get this music, how it comes into their lives, really fascinates me.
Bu onun müziğe karşı olan bir tutkusuydu. Annem de babam da müziği çok severlerdi. Müzik hakkında çok fazla bilgileri yoktu, ama bana müziği onlarla birlikte keşfetmem için fırsat verdiler. Ve sanırım bu hatıradan esinlenerek, müziği denemek ve onu olabildiği kadar çok insana ulaştırmak benim tutkum oldu, mümkün olan her şekilde. İnsanlar müziği nasıl anlarlar, hayatlarına müzik nasıl girer bu konu beni gerçekten etkiliyor.
One day in New York, I was on the street and I saw some kids playing baseball between stoops and cars and fire hydrants. And a tough, slouchy kid got up to bat, and he took a swing and really connected. And he watched the ball fly for a second, and then he went, "Dah dadaratatatah. Brah dada dadadadah." And he ran around the bases. And I thought, go figure. How did this piece of 18th century Austrian aristocratic entertainment turn into the victory crow of this New York kid? How was that passed on? How did he get to hear Mozart?
Bir gün New York'ta, sokaktaydım evlerin önünde arabalar, yangın vanaları arasında beyzbol oynayan çocukları gördüm. Kavgacı, uyuz bir çocuk kalkıp iyice odaklanarak topa vurmayı denedi. Topun uçuşunu bir saniye kadar seyretti ve şöyle dedi: "Dah dadaratata Brah dada dadadadah." Ve saha kenarında koştu. Dedim şimdi anla anlayabilirsen Nasıl oldu da 18'inci yüzyılda Avusturya'ya özgü soylu bir eğlence New York'lu bu çocuğun böyle zafer çığlığına dönüştü? Bu nasıl aktarıldı? Bu çocuk Mozart'ı nasıl duydu?
Well when it comes to classical music, there's an awful lot to pass on, much more than Mozart, Beethoven or Tchiakovsky. Because classical music is an unbroken living tradition that goes back over 1,000 years. And every one of those years has had something unique and powerful to say to us about what it's like to be alive.
Söz konusu klasik müzik olunca aktarılacak çok şey var, Mozart, Beethoven ya da Tchiakovsky'den çok daha fazla şey. Çünkü klasik müzik 1000 yıldan daha eski bozulmamış, canlı bir gelenektir. Ve geçen o her bir yılın, canlı olmanın ne demek olduğunu bize anlatacak güçlü ve eşsiz bir özelliği vardır.
Now the raw material of it, of course, is just the music of everyday life. It's all the anthems and dance crazes and ballads and marches. But what classical music does is to distill all of these musics down, to condense them to their absolute essence, and from that essence create a new language, a language that speaks very lovingly and unflinchingly about who we really are. It's a language that's still evolving.
Şimdi, elbette bunun hammaddesi günlük hayattaki müziktir. Bütün milli marşlar ve dans çılgınlıkları, türküler ve marşlar. Fakat klasik müziğin yaptığı şey; tüm bu müzikleri damıtarak, mutlak özlerine yoğunlaştırmak ve her bir özden yeni bir dil yaratmak, bu öyle bir dil ki sevgi dolu ve cesurca bize gerçekten kim olduğumuzu söyleyen. Bu hala gelişmekte olan bir dil.
Now over the centuries it grew into the big pieces we always think of, like concertos and symphonies, but even the most ambitious masterpiece can have as its central mission to bring you back to a fragile and personal moment -- like this one from the Beethoven Violin Concerto. (Music) It's so simple, so evocative. So many emotions seem to be inside of it. Yet, of course, like all music, it's essentially not about anything. It's just a design of pitches and silence and time.
Şimdi bu, yüzyıllarca düşündüğümüz büyük besteler haline geldi, konçertolar ve senfoniler gibi fakat en hırslı bir başyapıtın bile ana görevi, sizi hassas ve kişisel bir anınıza geri götürmek olabilir. Beethoven'ın Keman Konçerto'sundaki gibi. (Müzik) Bu çok basit, çok anımsatıcı bir parça. Pek çok duyguyu içinde barındırıyor gibi. Fakat elbette, her müzikte olduğu gibi özünde bir şeyle ilgisi yok. Sadece perdelerin, sessizliğin ve zamanın bir tasarımı bu.
And the pitches, the notes, as you know, are just vibrations. They're locations in the spectrum of sound. And whether we call them 440 per second, A, or 3,729, B flat -- trust me, that's right -- they're just phenomena. But the way we react to different combinations of these phenomena is complex and emotional and not totally understood. And the way we react to them has changed radically over the centuries, as have our preferences for them.
Ve perdeler, notalar bildiğiniz gibi sadece titreşimler. Sesin belirli bir aralığındaki konumlardır. Ve ister saniyede 440, La diyelim ya da 3729, si bemol, -ki inanın bana, bu doğru-- bunların hepsi olağanüstüdür. Ancak, bu olağanüstü şeylerin farklı birleşimlerine tepkimiz karmaşık, duygusal ve tam olarak anlaşılmazdır. Ve bunlara tepkimiz yüzyıllar boyunca köklü bir şekilde değişti, tıpkı onlara olan tercihlerimizin değişiyor olması gibi.
So for example, in the 11th century, people liked pieces that ended like this. (Music) And in the 17th century, it was more like this. (Music) And in the 21st century ... (Music)
Örneğin, 11'inci yüzyılda insanlar şu şekilde biten parçaları sevmişlerdi. (Müzik) Ve 17'nci yüzyılda, bu daha çok şu şekildeydi. (Müzik) Ve 21'inci yüzyılda... (Müzik)
Now your 21st century ears are quite happy with this last chord, even though a while back it would have puzzled or annoyed you or sent some of you running from the room. And the reason you like it is because you've inherited, whether you knew it or not, centuries-worth of changes in musical theory, practice and fashion.
Şu an 21'inci yüzyıl kulaklarınız bu son akor ile daha mutlular, her ne kadar yakın zaman önce sizi şaşırtmış ya da sinir etmiş ya da bazılarınızı odadan kaçırtmış olsa bile. Hoşlanma sebebiniz ise bilerek ya da bilmeyerek miras olarak aldığınız yüzyıllara bedel müzik teorisi, pratiği ve tarzındaki değişiklikler.
And in classical music we can follow these changes very, very accurately because of the music's powerful silent partner, the way it's been passed on: notation. Now the impulse to notate, or, more exactly I should say, encode music has been with us for a very long time. In 200 B.C., a man named Sekulos wrote this song for his departed wife and inscribed it on her gravestone in the notational system of the Greeks. (Music)
Ve klasik müzikte bu değişiklikleri çok kesin olarak takip edebiliriz müziğin güçlü sessiz partneri, onun aktarılma şekli: notasyon sayesinde. Şimdi, nota yazmadaki istek ya da müzik kodlama desem daha doğru olur, çok uzun süredir bizimle birlikte. Milattan önce 200 yılında, Sekulos adında bir adam ölmüş karısı için bu şarkıyı yazmış ve mezar taşına Yunanlıların notalama sistemiyle kazımış. (Müzik)
And a thousand years later, this impulse to notate took an entirely different form. And you can see how this happened in these excerpts from the Christmas mass "Puer Natus est nobis," "For Us is Born." (Music) In the 10th century, little squiggles were used just to indicate the general shape of the tune. And in the 12th century, a line was drawn, like a musical horizon line, to better pinpoint the pitch's location.
Ve bin yıl sonra, bu notalama isteği tamamen farklı bir şekle dönüştü. Ve bunun nasıl olduğunu "Puer Natus est nobis" ismindeki Noel ayini alıntılarında görebilirsiniz. "Bizim İçin Doğan." (Müzik) 10'uncu yüzyılda melodinin genel şeklini belirtmek için kısa ve eğri çizgiler kullanılmıştı. Ve 12'nci yüzyılda bir çizgi çizildi, müzikal yatay çizgi, perdenin yerini daha iyi belirleyebilmek için.
And then in the 13th century, more lines and new shapes of notes locked in the concept of the tune exactly, and that led to the kind of notation we have today. Well notation not only passed the music on, notating and encoding the music changed its priorities entirely, because it enabled the musicians to imagine music on a much vaster scale.
Ve sonra 13'üncü yüzyılda, daha çok çizgilere ve yeni şekillere sahip notalar melodi kavramını tamamen oluşturdu ve bugün sahip olduğumuz nota sistemine yol açtı. Nota sistemi sadece müziğin aktarılmasını sağlamadı, notalama ve müziği kodlama onun önceliklerini de tamamen değiştirdi çünkü bu durum müzisyenlerin müziği daha geniş bir ölçekte hayal etmelerine olanak sağladı.
Now inspired moves of improvisation could be recorded, saved, considered, prioritized, made into intricate designs. And from this moment, classical music became what it most essentially is, a dialogue between the two powerful sides of our nature: instinct and intelligence.
Şimdi, doğaçlamanın ilhamlı adımları kaydedilebilir, saklanabilir, düşünülebilir, önceliklendirilebilir, karmaşık tasarımlar haline getirilebilir. Ve bu andan itibaren, klasik müzik özünde olan şeye dönüştü, doğamızın iki güçlü yönü arasındaki bir diyaloğa: içgüdü ve zeka.
And there began to be a real difference at this point between the art of improvisation and the art of composition. Now an improviser senses and plays the next cool move, but a composer is considering all possible moves, testing them out, prioritizing them out, until he sees how they can form a powerful and coherent design of ultimate and enduring coolness. Now some of the greatest composers, like Bach, were combinations of these two things. Bach was like a great improviser with a mind of a chess master. Mozart was the same way.
Ve bu noktada doğaçlama sanatı ile beste yapma sanatı arasında gerçek bir fark oluşmaya başladı. Şimdi doğaçlama yapan kişi bir sonraki iyi adımı hisseder ve oynar fakat bir besteci tüm olası adımları göz önünde bulundurur, onları test eder, öncelik sırasına koyar, ta ki tüm bunların nihai ve kalıcı güzelliğin güçlü ve uyumlu bir tasarımı oluşturduğunu görene kadar. Şimdi, en büyük bestecilerden bazıları örneğin Bach, bu iki şeyin birleşimleriydi. Bach bir satranç ustasının aklıyla doğaçlama yapan büyük bir sanatçıydı. Mozart da aynı şekilde.
But every musician strikes a different balance between faith and reason, instinct and intelligence. And every musical era had different priorities of these things, different things to pass on, different 'whats' and 'hows'. So in the first eight centuries or so of this tradition the big 'what' was to praise God. And by the 1400s, music was being written that tried to mirror God's mind as could be seen in the design of the night sky. The 'how' was a style called polyphony, music of many independently moving voices that suggested the way the planets seemed to move in Ptolemy's geocentric universe. This was truly the music of the spheres. (Music)
Fakat her müzisyen inanç ve mantık, içgüdü ve zeka arasında farklı bir denge kurar. Ve her müzikal çağın bu seyler için farklı öncelikleri vardı, aktarılacak farklı şeyler, farklı 'ne'ler ve 'nasıl'lar. Yani, bu geleneğin ilk sekiz yüzyılı kadar sürede en büyük 'ne' Tanrı'yı yüceltmekti. 1400'lü yıllara kadar, müzik gece gökyüzünün şeklinden de görülebileceği gibi Tanrı'nın zihnini yansıtmaya çalışmak için yazılıyordu. 'Nasıl' ise polifonik denilen bir tarzdı, birbirinden bağımsız hareketli pek çok sesin müziği, ki o Ptolemy'nin yer merkezli evrenindeki gezegenlerin hareket ettikleri hissini veren. Bu gerçekten kürenin müziğiydi. (Müzik)
This is the kind of music that Leonardo DaVinci would have known. And perhaps its tremendous intellectual perfection and serenity meant that something new had to happen -- a radical new move, which in 1600 is what did happen. (Music) Singer: Ah, bitter blow! Ah, wicked, cruel fate! Ah, baleful stars! Ah, avaricious heaven!
Bu Leonardo DaVinci'nin bilmiş olabileceği bir müzik türüdür. Ve muhtemelen müziğin müthiş entellektüel mükemmelliği ve sakinliği yeni bir şeyin olması gerektiği anlamına geliyordu -- yeni köklü bir hareket, ki 1600 yılında bu gerçekleşti. (Müzik) Şarkıcı: Ah, acı vuruş! Ah, kötü, zalim kader! Ah, uğursuz yıldızlar! Ah, aç gözlü gökyüzü!
MTT: This, of course, was the birth of opera, and its development put music on a radical new course. The what now was not to mirror the mind of God, but to follow the emotion turbulence of man. And the how was harmony, stacking up the pitches to form chords.
MTT: Bu, elbette Opera'nın doğuşuydu, ve gelişmesi müziği köklü yeni bir yöne koydu. 'Ne' ise şimdi Tanrı'nın zihnini yansıtmak için değil, insanın duygu karmaşasını takip etmek içindi. Ve 'nasıl' ise armoniydi, akorları oluşturmak için ses perdelerini yığıyordu.
And the chords, it turned out, were capable of representing incredible varieties of emotions. And the basic chords were the ones we still have with us, the triads, either the major one, which we think is happy, or the minor one, which we perceive as sad. But what's the actual difference between these two chords? It's just these two notes in the middle. It's either E natural, and 659 vibrations per second, or E flat, at 622. So the big difference between human happiness and sadness? 37 freakin' vibrations.
Ve akorlar, anlaşıldı ki olağanüstü çeşitli duyguları temsil edebiliyorlardı. Temel akorlar hâlâ bizimle, triad'lar ya majör olan -mutlu olduğunu düşündüğümüz, ya da minör olan -hüzünlü olarak algıladığımız. Fakat, bu iki akor arasındaki gerçek fark nedir? Fark sadece ortadaki iki nota. Ya Mi naturel, saniyede 659 titreşim ya da Mi bemol, 622. Peki, insan mutluluğu ve hüznü arasındaki büyük fark bu mudur? 37 çılgın titreşim.
So you can see in a system like this there was enormous subtle potential of representing human emotions. And in fact, as man began to understand more his complex and ambivalent nature, harmony grew more complex to reflect it. Turns out it was capable of expressing emotions beyond the ability of words.
Bu gibi bir sistemde anlayabileceğiniz gibi insan duygularını yansıtmanın muazzam incelikli gücü var. Ve aslına bakarsanız, insanoğlu karmaşık ve kararsız doğasını daha fazla anlamaya başladığında, armoni, bunu yansıtmak için daha karmaşık hale geldi. Anlaşılıyor ki müzik, sözcüklerin ötesinde duygularımızı ifade edebilirdi.
Now with all this possibility, classical music really took off. It's the time in which the big forms began to arise. And the effects of technology began to be felt also, because printing put music, the scores, the codebooks of music, into the hands of performers everywhere. And new and improved instruments made the age of the virtuoso possible. This is when those big forms arose -- the symphonies, the sonatas, the concertos.
Şimdi, tüm bu olasılıkla klasik müzik cidden popüler olmaya başladı. Bu büyük formların oluşmaya başladığı bir zamandı. Aynı zamanda teknolojinin etkileri de hissedilmeye başlandı çünkü matbaacılık müziği, notalara geçirmeyi, müziğin kod çizelgelerini her yerde müzisyenlerin eline verdi. Yeni ve gelişmiş enstrümanlar virtüöz çağını mümkün hale getirdi. Bu büyük formların ortaya çıktığı zamandı -- senfoniler, sonatalar, konçertolar.
And in these big architectures of time, composers like Beethoven could share the insights of a lifetime. A piece like Beethoven's Fifth basically witnessing how it was possible for him to go from sorrow and anger, over the course of a half an hour, step by exacting step of his route, to the moment when he could make it across to joy. (Music)
Ve zamanın büyük mimarları; Beethoven gibi besteciler bir ömrün anlayışlarını paylaşabildiler. Beethoven'ın Beşinci Senfonisi gibi bir parça esasında Beethoven'ın yarım saat boyunca keder ve öfkeden nasıl sevince doğru adım adım yolunu çevirmesinin mümkün olduğuna tanıklık ediyor. (Müzik)
And it turned out the symphony could be used for more complex issues, like gripping ones of culture, such as nationalism or quest for freedom or the frontiers of sensuality. But whatever direction the music took, one thing until recently was always the same, and that was when the musicians stopped playing, the music stopped.
Ve anlaşıldı ki, senfoni daha karmaşık konular için kullanılabilirdi; kültürde merak edilenler gibi örneğin, milliyetçilik ya da özgürlük arayışı veya duygusallığın sınırları. Ancak, müzik hangi yönü aldıysa yakın zamana kadar bir şey hep aynıydı bu da müzisyenler çalmayı bıraktıklarında müziğin durmasıydı.
Now this moment so fascinates me. I find it such a profound one. What happens when the music stops? Where does it go? What's left? What sticks with people in the audience at the end of a performance? Is it a melody or a rhythm or a mood or an attitude? And how might that change their lives?
Bu an beni çok etkiler. Bunun çok önemli olduğunu düşünürüm. Müzik durduğunda ne olur? Müzik nereye gider? Geriye ondan ne kalır? Bir gösteri sonunda seyircilerden ayrılmayan şey ne olur? Bir melodi ya da ritim mi? ya da bir ruh hali veya tavır mı? Bu nasıl insanların hayatını değiştirir?
To me this is the intimate, personal side of music. It's the passing on part. It's the 'why' part of it. And to me that's the most essential of all. Mostly it's been a person-to-person thing, a teacher-student, performer-audience thing, and then around 1880 came this new technology that first mechanically then through analogs then digitally created a new and miraculous way of passing things on, albeit an impersonal one. People could now hear music all the time, even though it wasn't necessary for them to play an instrument, read music or even go to concerts.
Bence, bu müziğin samimi, kişisel olan yönü. Aktarılan bölümüdür. 'Niçin' yönüdür bu. Ve bana göre, hepsinden önemlisi bu. Bu çoğunlukla insandan insana olan bir şeydir, bir öğretmen-öğrenci, müzisyen-seyirci gibi ve 1880'lerde yeni bir teknoloji geldi; önce mekanik olarak, ardından analoglar sayesinde, sonra dijital olarak yeni ve gizemli bir şekilde bir şeylerin aktarılmasını sağladı, kişisel bir şey olmamasına rağmen. İnsanlar artık her zaman müzik dinleyebiliyorlardı her ne kadar bir enstrüman çalmak, nota okumak ya da
And technology democratized music by making everything available. It spearheaded a cultural revolution in which artists like Caruso and Bessie Smith were on the same footing. And technology pushed composers to tremendous extremes, using computers and synthesizers to create works of intellectually impenetrable complexity beyond the means of performers and audiences.
konserlere gitmek için neden kalmamış olsa bile. Teknoloji her şeyi erişilir kılarak müziği demokratikleştirdi. Kültürel devrime öncülük etti ki orada Caruso ve Bessie Smith gibi sanatçılar eşit koşullardaydı. Ve teknoloji bestecileri en uç noktalara zorladı, bilgisayarları ve sentezleyicileri kullanarak sanatçıların ve seyircilerin imkanlarının ötesinde
At the same time technology, by taking over the role that notation had always played, shifted the balance within music between instinct and intelligence way over to the instinctive side. The culture in which we live now is awash with music of improvisation that's been sliced, diced, layered and, God knows, distributed and sold. What's the long-term effect of this on us or on music? Nobody knows.
akıl ile anlaşılamaz zorluktaki eserleri yapmaları için. Aynı zamanda teknoloji, notaların her zaman oynadığı rolü ele geçirerek içgüdü ile akıl arasındaki dengenin yönünü olduğu gibi içgüdüsel tarafa değiştirdi. Şu an içinde yaşadığımız kültür, doğaçlamanın müziği ile dolu dilimlenen, küp küp doğranılan, kat kat kesilen ve kim bilir dağıtılan ve satılan. Bunun bizim ya da müziğin üzerindeki uzun vadeli etkisi nedir?
The question remains: What happens when the music stops? What sticks with people? Now that we have unlimited access to music, what does stick with us?
Kimse bilmiyor. Geriye şu soru kalıyor: Müzik durduğu zaman ne olur? İnsanlarla beraber kalan şey nedir?
Well let me show you a story of what I mean by "really sticking with us." I was visiting a cousin of mine in an old age home, and I spied a very shaky old man making his way across the room on a walker. He came over to a piano that was there, and he balanced himself and began playing something like this. (Music)
Müziğe sınırsızca erişebiliyorsak, bizi bırakmayan şey ne? Pekala, size bir hikaye ile "bizi bırakmayan" derken ne kastettiğimi göstereyim. Bir huzurevindeki kuzenimi ziyaret ediyordum. Yürüme cihazı üzerinde odanın bir tarafından diğerine ilerleyen zayıf, çok yaşlı bir adamı gözetledim. Orada bulunan piyanonun başına geldi, dengesini kurdu ve şöyle bir şey çalmaya başladı.
And he said something like, "Me ... boy ... symphony ... Beethoven." And I suddenly got it, and I said, "Friend, by any chance are you trying to play this?" (Music) And he said, "Yes, yes. I was a little boy. The symphony: Isaac Stern, the concerto, I heard it." And I thought, my God, how much must this music mean to this man that he would get himself out of his bed, across the room to recover the memory of this music that, after everything else in his life is sloughing away, still means so much to him?
(Müzik) Ve şöyle bir şeyler söyledi, "Ben...delikanlı...senfoni...Beethoven." Ve birden anladım, dedim ki: "Dostum, bunu çalmaya çalışıyor olabilir misin?" (Müzik) Ve o da dedi ki, "Evet, evet. Küçük bir çocuktum. Senfoni: Isaac Stern, konçerto, duymuştum." Ve düşündüm, Tanrım bu müzik bu adama ne kadar çok şey ifade ediyor olmalı ki hafızasında müziği tekrar yakalamak için yatağından fırlayıp, odayı aşabiliyor hayatındaki başka her şey kaybolup giderken bile
Well, that's why I take every performance so seriously, why it matters to me so much. I never know who might be there, who might be absorbing it and what will happen to it in their life.
müzik hala ona çok şey mi ifade ediyor? İşte bu nedenle, her gösterimi oldukça ciddiye alırım bu benim için çok önemlidir. Kimin orada olacağını, kimin anlayacağını
But now I'm excited that there's more chance than ever before possible of sharing this music. That's what drives my interest in projects like the TV series "Keeping Score" with the San Francisco Symphony that looks at the backstories of music, and working with the young musicians at the New World Symphony on projects that explore the potential of the new performing arts centers for both entertainment and education.
ve hayatlarında onlara ne olacağını asla bilemem. Fakat, artık bu müziği paylaşmanın her zamankinden daha fazla imkanı olduğu için heyecanlıyım. Projelere ilgimin olmasını sağlayan şey bu; örneğin, San Francisco Senfoni ile gerçekleşen müziğin arka planlarına değinen TV dizisi "Keeping Score" ve New World Senfoni'deki genç müzisyenlerle çalıştığım eğlence ve eğitim amaçlı, yeni gösteri merkezleri oluşturma fırsatlarını araştıran projeler gibi.
And of course, the New World Symphony led to the YouTube Symphony and projects on the internet that reach out to musicians and audiences all over the world. And the exciting thing is all this is just a prototype. There's just a role here for so many people -- teachers, parents, performers -- to be explorers together. Sure, the big events attract a lot of attention, but what really matters is what goes on every single day. We need your perspectives, your curiosity, your voices.
Ve tabii ki de, New World Senfoni tüm dünyadan müzisyenlere ve seyircilere ulaşmamı sağlayan Youtube Senfoni'nin ve internet projelerinin oluşmasını sağladı. Asıl heyecan verici şey ise tüm bunların bir ilk model olması. Burada pek çok insan için bir rol var -- öğretmenler, ebeveynler, sanatçılar -- birlikte keşfeden olmak için. Tabii ki büyük etkinlikler dikkati çok çeker fakat asıl önemli olan şey, günbegün ilerleyen şeydir. Bakış açınıza, merakınıza, düşüncelerinize ihtiyacımız var.
And it excites me now to meet people who are hikers, chefs, code writers, taxi drivers, people I never would have guessed who loved the music and who are passing it on. You don't need to worry about knowing anything. If you're curious, if you have a capacity for wonder, if you're alive, you know all that you need to know. You can start anywhere. Ramble a bit. Follow traces. Get lost. Be surprised, amused inspired. All that 'what', all that 'how' is out there waiting for you to discover its 'why', to dive in and pass it on.
Yürüyüşe çıkanlar, aşçılar, kod yazanlar, taksi şoförleri gibi müziği sevdiklerini ve bunu başkalarına aktardıklarını asla tahmin edemeyeceğim insanlarla karşılaşmak beni heyecanlandırır. Bir şey bilmek konusunda endişelenmenize gerek yok. Eğer meraklıysanız, merak etme kapasiteniz varsa, eğer yaşıyorsanız işte o zaman bilmeniz gereken her şeyi biliyorsunuzdur. Her yerde başlayabilirsiniz. Biraz gezinin. İzleri takip edin. Kaybolun. Şaşırın, eğlenin, esinlenin. Tüm bu 'ne' ve 'nasıl' işte oralarda kendi 'niçin'ini keşfetmeniz, hemen başlamanız ve onu aktarmanız için sizleri bekliyor.
Thank you.
Teşekkürler.
(Applause)
(Alkış)