Well when I was asked to do this TEDTalk, I was really chuckled, because, you see, my father's name was Ted, and much of my life, especially my musical life, is really a talk that I'm still having with him, or the part of me that he continues to be.
Det var lustigt att få frågan om ett TEDTalk, för, ni förstår, min fars namn var Ted, och mycket av mitt liv, särskilt mitt musikaliska liv, är en konversation mellan mig och honom eller den del av mig som han lever vidare i.
Now Ted was a New Yorker, an all-around theater guy, and he was a self-taught illustrator and musician. He didn't read a note, and he was profoundly hearing impaired. Yet, he was my greatest teacher. Because even through the squeaks of his hearing aids, his understanding of music was profound.
Ted var från New York, en mångsidig teatermänniska, han var en självlärd illustratör och musiker. Han kunde inte läsa noter och han var gravt hörselskadad. Trots det, var han min bäste lärare. För trots den gnissliga hörapparaten hade han en djup förståelse för musik.
And for him, it wasn't so much the way the music goes as about what it witnesses and where it can take you. And he did a painting of this experience, which he called "In the Realm of Music." Now Ted entered this realm every day by improvising in a sort of Tin Pan Alley style like this. (Music)
För honom var det inte så viktigt hur musiken går, som vad den vittnar om och vart den kan föra dig. Han målade en tavla av denna upplevelse, som han kallade för "I Musikens Rike". Ted trädde in i detta rike varje dag genom att improvisera med en slags "Tin Pan Alley"-stil: (Musik)
But he was tough when it came to music. He said, "There are only two things that matter in music: what and how. And the thing about classical music, that what and how, it's inexhaustible."
Han var allvarlig när det gällde musik. Han sa, "Det är bara två saker som är viktigt med musik: vad, och hur. Och saken med klassisk musik, är att dessa vad och hur är outtömliga."
That was his passion for the music. Both my parents really loved it. They didn't know all that much about it, but they gave me the opportunity to discover it together with them. And I think inspired by that memory, it's been my desire to try and bring it to as many other people as I can, sort of pass it on through whatever means. And how people get this music, how it comes into their lives, really fascinates me.
Det var hans passion för musiken. Båda mina föräldrar älskade den. De visste inte så mycket om den, men de gav mig möjligheten att upptäcka den tillsammans med dem. Jag tror detta minne inspirerade mig, och fick mig att vilja försöka sprida musiken till så många jag kan, att föra den vidare på alla sätt och vis. Hur musiken kommer till folk, hur de kommer i kontakt med den, är något som fascinerar mig.
One day in New York, I was on the street and I saw some kids playing baseball between stoops and cars and fire hydrants. And a tough, slouchy kid got up to bat, and he took a swing and really connected. And he watched the ball fly for a second, and then he went, "Dah dadaratatatah. Brah dada dadadadah." And he ran around the bases. And I thought, go figure. How did this piece of 18th century Austrian aristocratic entertainment turn into the victory crow of this New York kid? How was that passed on? How did he get to hear Mozart?
En dag i New York gick jag ned längs gatan. Några barn spelade baseboll på gatan Det var en tuff, slapp killes tur att slå, Han slog och fick in en bra träff. Han såg bollen flyga ett tag, sedan började han: "Daa, da daa..." (Introt till Eine Kleine Nachtmusik) Och han sprang runt baserna. Jag stod där och undrade, "Hur kunde detta stycke av 1700-tals österrikisk aristokratisk underhållning bli segergesten för en ung kille i New York? Hur gick det till? När fick han höra Mozart?"
Well when it comes to classical music, there's an awful lot to pass on, much more than Mozart, Beethoven or Tchiakovsky. Because classical music is an unbroken living tradition that goes back over 1,000 years. And every one of those years has had something unique and powerful to say to us about what it's like to be alive.
När det gäller klassisk musik finns det mycket att föra över, mer än Mozart, Beethoven eller Tjajkovskij. För klassisk musik är en kontinuerlig och levande tradition som sträcker sig mer än tusen år tillbaka. Och vartenda ett av dessa år har något unikt och kraftfullt att säga oss om vad det innebär att leva.
Now the raw material of it, of course, is just the music of everyday life. It's all the anthems and dance crazes and ballads and marches. But what classical music does is to distill all of these musics down, to condense them to their absolute essence, and from that essence create a new language, a language that speaks very lovingly and unflinchingly about who we really are. It's a language that's still evolving.
Råmaterialet för detta är, såklart, musiken från vardagslivet. Det är alla sångerna, danstrenderna, balladerna och marscherna. Men vad klassisk musik gör är att den destillerar denna musik, kondenserar den till sin absoluta essens, från denna essens skapas ett nytt språk, ett språk som talar kärleksfullt och ståndaktigt om vilka vi verkligen är. Det är ett språk som ständigt utvecklas.
Now over the centuries it grew into the big pieces we always think of, like concertos and symphonies, but even the most ambitious masterpiece can have as its central mission to bring you back to a fragile and personal moment -- like this one from the Beethoven Violin Concerto. (Music) It's so simple, so evocative. So many emotions seem to be inside of it. Yet, of course, like all music, it's essentially not about anything. It's just a design of pitches and silence and time.
Över århundradena växte det till de stora styckena som vi känner till, som konserter och symfonier. Men även de mest ambitiösa mästerverken kan ha som sitt huvudsakliga syfte att föra dig tillbaka till ett ömtåligt och personligt ögonblick, som detta, från Beethovens violinkonsert. (Musik) Den är så enkel och uttrycksfull. Den verkar bära på så många känslor. Så klart, som all musik, så handlar den egentligen inte om någonting. Det är bara en konstruktion av toner, tystnader och tid.
And the pitches, the notes, as you know, are just vibrations. They're locations in the spectrum of sound. And whether we call them 440 per second, A, or 3,729, B flat -- trust me, that's right -- they're just phenomena. But the way we react to different combinations of these phenomena is complex and emotional and not totally understood. And the way we react to them has changed radically over the centuries, as have our preferences for them.
Tonerna är, som ni vet, bara vibrationer. De är frekvenser på ljudspektrumet. Och huruvida vi kallar det för 440 per sekund, A, (Pianoton) eller 3729, Bess... tro mig, det stämmer... (Pianoton) är de bara fenomen. Men hur vi reagerar på olika kombinationer av dessa fenomen är komplicerat och känslosamt, och inte helt förstått. Hur vi har reagerat på dem har förändrats drastiskt över århundradena, liksom våra preferenser för dem.
So for example, in the 11th century, people liked pieces that ended like this. (Music) And in the 17th century, it was more like this. (Music) And in the 21st century ... (Music)
På 1000-talet, till exempel, gillade folk stycken som slutade så här: (Musik) På 1600-talet lät det så här: (Musik) Och på 2000-talet... (Musik)
Now your 21st century ears are quite happy with this last chord, even though a while back it would have puzzled or annoyed you or sent some of you running from the room. And the reason you like it is because you've inherited, whether you knew it or not, centuries-worth of changes in musical theory, practice and fashion.
Med era 2000-talsöron föredrar ni det sista ackordet, men förr i tiden skulle ni ha varit förbryllade, irriterade, och några av er skulle ha flytt rummet. Orsaken till att ni gillar det är ert arv, vare sig ni vet om det eller inte, av århundraden av förändringar i musikteori, utövande och mode.
And in classical music we can follow these changes very, very accurately because of the music's powerful silent partner, the way it's been passed on: notation. Now the impulse to notate, or, more exactly I should say, encode music has been with us for a very long time. In 200 B.C., a man named Sekulos wrote this song for his departed wife and inscribed it on her gravestone in the notational system of the Greeks. (Music)
I klassisk musik kan vi följa dessa förändringar med stor precision tack vare musikens tyste kollega, genom vilken musiken lever vidare: noterna. Impulsen att skriva noter, eller rättare sagt, att koda musiken har följt med oss en väldigt lång tid. År 200 f.Kr. skrev en man vid namn Seikilos en sång till sin bortgångna hustru, sången ristades in i hennes gravsten i grekernas notationssystem. (Musik)
And a thousand years later, this impulse to notate took an entirely different form. And you can see how this happened in these excerpts from the Christmas mass "Puer Natus est nobis," "For Us is Born." (Music) In the 10th century, little squiggles were used just to indicate the general shape of the tune. And in the 12th century, a line was drawn, like a musical horizon line, to better pinpoint the pitch's location.
Tusen år senare tog denna impuls att skriva noter en ny form. Ni kan se hur detta skedde i dessa utdrag från julens högmässa "Puer Natus est nobis" "Ett barn är oss fött" (Musik) På 900-talet användes dessa markeringar för att indikera den generella formen på tonen. På 1100-talet drogs en linje, som en musikalisk horisont, för att mer tydligt visa tonhöjden.
And then in the 13th century, more lines and new shapes of notes locked in the concept of the tune exactly, and that led to the kind of notation we have today. Well notation not only passed the music on, notating and encoding the music changed its priorities entirely, because it enabled the musicians to imagine music on a much vaster scale.
På 1200-talet blev fler linjer och former dragna för att tydliggöra koncepten bakom tonerna, detta ledde till den slags notation som vi har idag. Notationen förde inte bara vidare musiken, notationen och kodningen av musiken ändrade dess prioriteringar, för det tillät musiker att föreställa sig musik i en mycket större skala.
Now inspired moves of improvisation could be recorded, saved, considered, prioritized, made into intricate designs. And from this moment, classical music became what it most essentially is, a dialogue between the two powerful sides of our nature: instinct and intelligence.
Nu kunde inspirerade improvisationer registreras, sparas, övervägas, prioriteras och användas i komplicerade verk. Från denna stund blev den klassiska musiken vad den är i sin essens, en dialog mellan de två krafterna i människans natur: instinkt och intelligens.
And there began to be a real difference at this point between the art of improvisation and the art of composition. Now an improviser senses and plays the next cool move, but a composer is considering all possible moves, testing them out, prioritizing them out, until he sees how they can form a powerful and coherent design of ultimate and enduring coolness. Now some of the greatest composers, like Bach, were combinations of these two things. Bach was like a great improviser with a mind of a chess master. Mozart was the same way.
Här började en skillnad att uppstå mellan konsten att improvisera och konsten att komponera. En improvisatör känner och spelar nästa bra drag, men en kompositör överväger alla möjliga drag, testar dem, prioriterar dem, för att sedan sätta ihop dem och skapa ett mäktigt och enhetligt verk som behåller sin överlägsna coolhet under lång tid. Några av de största, som Bach, var en kombination av dessa två saker. Bach var en begåvad improvisatör med ett sinne som en schackmästare. Mozart var likadan.
But every musician strikes a different balance between faith and reason, instinct and intelligence. And every musical era had different priorities of these things, different things to pass on, different 'whats' and 'hows'. So in the first eight centuries or so of this tradition the big 'what' was to praise God. And by the 1400s, music was being written that tried to mirror God's mind as could be seen in the design of the night sky. The 'how' was a style called polyphony, music of many independently moving voices that suggested the way the planets seemed to move in Ptolemy's geocentric universe. This was truly the music of the spheres. (Music)
Varje musiker hittar sin egen balans mellan sin tro och sitt resonemang, sin instinkt och intelligens. Varje musikalisk era har olika prioriteringar, olika saker att föra vidare, olika "vad" och "hur". Under de första åtta århundradena i denna tradition var det stora "vad":et att prisa Gud. På 1400-talet skrevs musik som försökte återspegla Guds väsen som den kunde ses i natthimlen. "Hur" var en stil som kallades för polyfoni, musik bestående av flera enskilda röster som antydde hur planeterna rörde sig i Ptolemaios' geocentriska universum. Detta var sfärernas musik. (Musik)
This is the kind of music that Leonardo DaVinci would have known. And perhaps its tremendous intellectual perfection and serenity meant that something new had to happen -- a radical new move, which in 1600 is what did happen. (Music) Singer: Ah, bitter blow! Ah, wicked, cruel fate! Ah, baleful stars! Ah, avaricious heaven!
Det här var musiken som Leonardo da Vinci kände till. Dess oerhörda intellektuella perfektion och stillhet innebar att något nytt behövde hända. En helomvändning, vilket var vad som hände på 1600-talet. (Musik ur Orfeus och Eurydike) Sångare: [Åh, bittra slag!] [Åh, hemska, grymma öde!] [Åh, fördärvliga stjärnor!] [Åh, giriga himmel!]
MTT: This, of course, was the birth of opera, and its development put music on a radical new course. The what now was not to mirror the mind of God, but to follow the emotion turbulence of man. And the how was harmony, stacking up the pitches to form chords.
MTT: Detta var, så klart, operans födelse. Dess förekomst tvingade in musiken på ett nytt spår. "Vad" var inte längre att återspegla Gud, utan att visa människans känslomässiga turbulens. "Hur" var harmoni, att stapla toner för att skapa ackord.
And the chords, it turned out, were capable of representing incredible varieties of emotions. And the basic chords were the ones we still have with us, the triads, either the major one, which we think is happy, or the minor one, which we perceive as sad. But what's the actual difference between these two chords? It's just these two notes in the middle. It's either E natural, and 659 vibrations per second, or E flat, at 622. So the big difference between human happiness and sadness? 37 freakin' vibrations.
Det visade sig att ackorden hade förmågan att representera en mängd olika känslor. De enkla ackorden är de som vi fortfarande har, treklangerna. Antingen durtreklangen, som vi tycker är glad, eller molltreklangen, som vi upplever som sorgsen. Vad är skillnaden mellan dessa två ackord? Det är bara de två tonerna i mitten. Det är antingen E, 659 vibrationer per sekund, eller Ess, som är 622. Så vad är skillnaden mellan människans lycka och misär? 37 jäkla vibrationer!
So you can see in a system like this there was enormous subtle potential of representing human emotions. And in fact, as man began to understand more his complex and ambivalent nature, harmony grew more complex to reflect it. Turns out it was capable of expressing emotions beyond the ability of words.
(Skratt) Ni kan se att detta system hade en otrolig och subtil potential att representera människans känslor. När människan fick en djupare förståelse för sin komplicerade och kluvna natur, blev harmonin mer komplicerad för att återspegla den. Den hade förmågan att uttrycka känslor
Now with all this possibility, classical music really took off. It's the time in which the big forms began to arise. And the effects of technology began to be felt also, because printing put music, the scores, the codebooks of music, into the hands of performers everywhere. And new and improved instruments made the age of the virtuoso possible. This is when those big forms arose -- the symphonies, the sonatas, the concertos.
som knappt kan beskrivas med ord. Från alla dessa möjligheter fick den klassiska musiken sitt lyft. De större formerna började uppstå, och den nya tekniken började också ge konsekvenser; för tryckpressen lade musiken, noterna, musikens kodböcker, i händerna på artister världen över, Nya, bättre instrument banade vägen för virtuoserna. Det var nu som de stora verken uppstod:
And in these big architectures of time, composers like Beethoven could share the insights of a lifetime. A piece like Beethoven's Fifth basically witnessing how it was possible for him to go from sorrow and anger, over the course of a half an hour, step by exacting step of his route, to the moment when he could make it across to joy. (Music)
symfonierna, sonaterna och konserterna. I dessa tiders stora verk kunde kompositörer som Beethoven dela med sig av livets insikter. Verk som Beethovens femte symfoni vittnar om hur det var möjligt för honom att gå från sorg och ilska, (Musik) under loppet av en halvtimme, steg för steg genom sin resa för att nå fram till punkten där han når glädjen. (Musik)
And it turned out the symphony could be used for more complex issues, like gripping ones of culture, such as nationalism or quest for freedom or the frontiers of sensuality. But whatever direction the music took, one thing until recently was always the same, and that was when the musicians stopped playing, the music stopped.
Symfonin kunde tillämpas för mer komplicerade ämnen, gripande frågor om kultur: som nationalism, sökandet efter frihet eller sensualismens gränser. Vilken riktning musiken än tog var det alltid en sak som förblev densamma: när musikerna slutade spela, så tog musiken slut.
Now this moment so fascinates me. I find it such a profound one. What happens when the music stops? Where does it go? What's left? What sticks with people in the audience at the end of a performance? Is it a melody or a rhythm or a mood or an attitude? And how might that change their lives?
Det är något som fascinerar mig. Det går så djupt. Vad händer då den tystnar? Vart tar den vägen? Vad finns kvar? Vad stannar kvar hos publiken efter ett framträdande? Är det en melodi, en rytm, är det en känsla, eller en attityd? Hur kan det förändra deras liv?
To me this is the intimate, personal side of music. It's the passing on part. It's the 'why' part of it. And to me that's the most essential of all. Mostly it's been a person-to-person thing, a teacher-student, performer-audience thing, and then around 1880 came this new technology that first mechanically then through analogs then digitally created a new and miraculous way of passing things on, albeit an impersonal one. People could now hear music all the time, even though it wasn't necessary for them to play an instrument, read music or even go to concerts.
För mig är det musikens intima och personliga sida. Det är delen som förs vidare. Det är "varför". För mig är det essensen av det hela Oftast har det varit något som sker personer emellan, lärare och elev, artist och publik, men runt 1880 kom en ny teknik som först mekaniskt, därefter analogt, sedan digitalt gjorde det möjligt att föra saker vidare, om än på ett opersonligt sätt. Folk kunde nu höra musik när de ville, de behövde inte ens kunna spela ett instrument, läsa noter eller gå på konserter.
And technology democratized music by making everything available. It spearheaded a cultural revolution in which artists like Caruso and Bessie Smith were on the same footing. And technology pushed composers to tremendous extremes, using computers and synthesizers to create works of intellectually impenetrable complexity beyond the means of performers and audiences.
Tekniken demokratiserade musiken genom att göra den tillgänglig. Den påbörjade en kulturell revolution där artister som Caruso och Bessie Smith hamnade på samma nivå. Tekniken pressade kompositörer till nya gränser, att använda datorer och synthesizers för att skapa verk av intellektuellt ogenomtränglig komplexitet som varken artister eller åskådare kan hantera.
At the same time technology, by taking over the role that notation had always played, shifted the balance within music between instinct and intelligence way over to the instinctive side. The culture in which we live now is awash with music of improvisation that's been sliced, diced, layered and, God knows, distributed and sold. What's the long-term effect of this on us or on music? Nobody knows.
Samtidigt orsakade tekniken, genom att ta över den roll som notationen tidigare spelat, en skiftning i balansen i musiken mellan instinkt och intelligens över till instinkten. Kulturen vi lever i nu är översköljd med improviserad musik som skurits, hackats, lagts i lager och, Gud vet, distribuerats och sålts. Vad kommer detta att få för långtidseffekt på oss eller på musiken? Ingen vet.
The question remains: What happens when the music stops? What sticks with people? Now that we have unlimited access to music, what does stick with us?
Frågan återstår: Vad händer när musiken tar slut? Vad fastnar hos folk? Nu när vi har en oändlig åtkomst till musik, vad stannar hos oss?
Well let me show you a story of what I mean by "really sticking with us." I was visiting a cousin of mine in an old age home, and I spied a very shaky old man making his way across the room on a walker. He came over to a piano that was there, and he balanced himself and began playing something like this. (Music)
Jag vill berätta om vad jag menar när jag säger "stannar hos oss." Jag besökte en av mina kusiner på ett ålderdomshem, och jag såg en darrig gammal man ta sig genom rummet med en gåstol. Han tog sig fram till ett piano. Han hittade balansen och började spela något som gick så här... (Musik)
And he said something like, "Me ... boy ... symphony ... Beethoven." And I suddenly got it, and I said, "Friend, by any chance are you trying to play this?" (Music) And he said, "Yes, yes. I was a little boy. The symphony: Isaac Stern, the concerto, I heard it." And I thought, my God, how much must this music mean to this man that he would get himself out of his bed, across the room to recover the memory of this music that, after everything else in his life is sloughing away, still means so much to him?
Och han sa något i stil med, "Jag... pojke... symfoni... Beethoven" Plötsligt förstod jag honom, och sa: "Min vän, försöker ni spela det här?" (Musik) Han sa, "Ja, ja. Jag var en liten pojke. Symfonin: Isaac Stern, konserten, jag hörde den." Och jag tänkte, herregud, hur mycket måste denna musik inte betyda för honom då han tar sig upp ur sin säng och genom rummet bara för att återkalla minnet av denna musik som, efter att allt annat i hans liv runnit bort, fortfarande betyder så mycket för honom?
Well, that's why I take every performance so seriously, why it matters to me so much. I never know who might be there, who might be absorbing it and what will happen to it in their life.
Det är därför jag tar varje uppträdande på allvar, varför det betyder så mycket. Jag kan aldrig veta vem som är där, som absorberar det och vad som kommer att hända i deras liv.
But now I'm excited that there's more chance than ever before possible of sharing this music. That's what drives my interest in projects like the TV series "Keeping Score" with the San Francisco Symphony that looks at the backstories of music, and working with the young musicians at the New World Symphony on projects that explore the potential of the new performing arts centers for both entertainment and education.
Det är spännande att det nu är möjligt, mer än någonsin, att sprida denna musik. Det är vad som driver mig i projekt som TV-serien "Keeping Score" med San Fransisco-symfonikerna som ser på musikens bakgrundshistoria och arbetar med unga musiker vid New World-symfoniorkestern på projekt som utforskar potentialen för de nya centren för scenkonster för både underhållning och undervisning.
And of course, the New World Symphony led to the YouTube Symphony and projects on the internet that reach out to musicians and audiences all over the world. And the exciting thing is all this is just a prototype. There's just a role here for so many people -- teachers, parents, performers -- to be explorers together. Sure, the big events attract a lot of attention, but what really matters is what goes on every single day. We need your perspectives, your curiosity, your voices.
Och New World-symfonin, som ledde till YouTube-symfonin och projekt över Internet som når ut till musiker och publiker över hela världen. Det som är så spännande är att det bara är en prototyp. Det finns en roll här för så många människor, lärare, föräldrar, artister, att utforska musiken tillsammans. De stora evenemangen får mycket uppmärksamhet, men vad som är viktigt är det som händer varje dag. Vi behöver era perspektiv, er nyfikenhet, era röster.
And it excites me now to meet people who are hikers, chefs, code writers, taxi drivers, people I never would have guessed who loved the music and who are passing it on. You don't need to worry about knowing anything. If you're curious, if you have a capacity for wonder, if you're alive, you know all that you need to know. You can start anywhere. Ramble a bit. Follow traces. Get lost. Be surprised, amused inspired. All that 'what', all that 'how' is out there waiting for you to discover its 'why', to dive in and pass it on.
Det är spännande att träffa nytt folk, som är vandrare, kockar, programmerare, taxichaufförer, folk som jag aldrig hade gissat på, som älskar musiken och för den vidare. Du behöver inte oroa dig för att inte veta någonting. Om du är nyfiken, har förundran och lever, då vet du allt du behöver veta. Du kan börja var som helst. Stappla omkring. Följ spår. Gå vilse. Bli överraskad, underhållen, och inspirerad. Alla dessa "vad" och "hur" väntar där ute på att du ska upptäcka deras "varför", dyka ner och föra det vidare.
Thank you.
Tack.
(Applause)
(Applåder)