Well when I was asked to do this TEDTalk, I was really chuckled, because, you see, my father's name was Ted, and much of my life, especially my musical life, is really a talk that I'm still having with him, or the part of me that he continues to be.
Toen ik de vraag kreeg om deze TEDTalk te doen, moest ik lachen, want mijn vader heette Ted. Een groot deel van mijn leven, vooral mijn muzikale leven, is eigenlijk een gesprek dat ik nog steeds heb met hem, of met het deel van mij dat hij nog steeds is.
Now Ted was a New Yorker, an all-around theater guy, and he was a self-taught illustrator and musician. He didn't read a note, and he was profoundly hearing impaired. Yet, he was my greatest teacher. Because even through the squeaks of his hearing aids, his understanding of music was profound.
Ted was een New Yorker, een allround theaterman. Hij was autodidactisch illustrator en muzikant. Hij kon geen noot lezen, en was diep gehoorgestoord. Toch was hij mijn beste leraar. Want zelfs door het gepiep van zijn hoorapparaten, had hij een diep begrip van de muziek.
And for him, it wasn't so much the way the music goes as about what it witnesses and where it can take you. And he did a painting of this experience, which he called "In the Realm of Music." Now Ted entered this realm every day by improvising in a sort of Tin Pan Alley style like this. (Music)
Voor hem ging het niet zozeer over hoe de muziek loopt, als over waar het van getuigt en waar het je heenbrengt. Hij maakte een schilderij over deze ervaring, dat hij "In het rijk van de muziek" noemde. Ted ging elke dag binnen in dit rijk door te improviseren, in een soort Tin Pan Alley-stijl, zoiets. (Muziek)
But he was tough when it came to music. He said, "There are only two things that matter in music: what and how. And the thing about classical music, that what and how, it's inexhaustible."
Maar hij was hard als het op muziek aankwam. Hij zei: "Er zijn maar twee dingen belangrijk in de muziek: wat en hoe." Bijzonder aan klassieke muziek is dat 'wat en hoe' onuitputtelijk zijn.
That was his passion for the music. Both my parents really loved it. They didn't know all that much about it, but they gave me the opportunity to discover it together with them. And I think inspired by that memory, it's been my desire to try and bring it to as many other people as I can, sort of pass it on through whatever means. And how people get this music, how it comes into their lives, really fascinates me.
Dat was zijn passie voor muziek. Mijn beide ouders waren er echt dol op. Ze wisten er niet zoveel over, maar ze gaven me de kans het te ontdekken samen met hen. Geïnspireerd door die herinnering leeft bij mij het verlangen om te proberen de muziek naar zoveel mogelijk mensen te brengen, om ze via alle mogelijke kanalen over te brengen. Hoe mensen muziek vatten, hoe ze in hun leven komt, dat fascineert me echt.
One day in New York, I was on the street and I saw some kids playing baseball between stoops and cars and fire hydrants. And a tough, slouchy kid got up to bat, and he took a swing and really connected. And he watched the ball fly for a second, and then he went, "Dah dadaratatatah. Brah dada dadadadah." And he ran around the bases. And I thought, go figure. How did this piece of 18th century Austrian aristocratic entertainment turn into the victory crow of this New York kid? How was that passed on? How did he get to hear Mozart?
Op zekere dag was ik op straat in New York en ik zag kinderen baseball spelen tussen de portieken en auto's en brandkranen. Een keiharde slungel moest batten. Hij voerde een zwaai uit en had echt verbinding. Hij keek een seconde naar de vliegende bal en barstte toen los: "Da dada daratatata. da dada daratatata." En hij rende langs de honken. Ik dacht: stel je voor. Hoe is dit stuk 18e-eeuws Oostenrijks aristocratenvertier verworden tot de overwinningskreet van een knul in New York? Hoe is dat doorgegeven? Hoe kreeg hij Mozart te horen?
Well when it comes to classical music, there's an awful lot to pass on, much more than Mozart, Beethoven or Tchiakovsky. Because classical music is an unbroken living tradition that goes back over 1,000 years. And every one of those years has had something unique and powerful to say to us about what it's like to be alive.
Als het over klassieke muziek gaat, dan is er zoveel om door te geven, veel meer dan Mozart, Beethoven of Tchaikovsky. Want klassieke muziek is een doorlopende levende traditie die meer dan 1000 jaar teruggaat. Elk van die jaren had ons iets unieks en krachtigs te vertellen over wat het betekent om te leven.
Now the raw material of it, of course, is just the music of everyday life. It's all the anthems and dance crazes and ballads and marches. But what classical music does is to distill all of these musics down, to condense them to their absolute essence, and from that essence create a new language, a language that speaks very lovingly and unflinchingly about who we really are. It's a language that's still evolving.
Het ruwe materiaal is gewoon de muziek van elke dag. Het zijn alle hymnes en gekke dansen en ballades en marsen. Wat klassieke muziek doet, is deze muziekstukken distilleren, ze condenseren tot hun absolute essentie, en uit die essentie een nieuwe taal creëren, een taal die liefdevol en zonder verpinken spreekt over wie we echt zijn. Het is een taal die nog steeds evolueert.
Now over the centuries it grew into the big pieces we always think of, like concertos and symphonies, but even the most ambitious masterpiece can have as its central mission to bring you back to a fragile and personal moment -- like this one from the Beethoven Violin Concerto. (Music) It's so simple, so evocative. So many emotions seem to be inside of it. Yet, of course, like all music, it's essentially not about anything. It's just a design of pitches and silence and time.
Door de eeuwen heen groeide ze uit tot de grote stukken waar we steeds aan denken, concerto's en symfonieën, maar zelfs het meest ambitieuze meesterwerk kan als centrale missie hebben dat het je naar een fragiel en persoonlijk moment terugbrengt - zoals dit moment uit het Vioolconcerto van Beethoven. (Muziek) Het is zo eenvoudig, het roept zoveel op. Er lijken zoveel emoties in te zitten. Maar uiteraard gaat het, zoals alle muziek, in essentie nergens over. Het is een ontwerp van toonhoogtes en stilte en tijd.
And the pitches, the notes, as you know, are just vibrations. They're locations in the spectrum of sound. And whether we call them 440 per second, A, or 3,729, B flat -- trust me, that's right -- they're just phenomena. But the way we react to different combinations of these phenomena is complex and emotional and not totally understood. And the way we react to them has changed radically over the centuries, as have our preferences for them.
En de toonhoogtes, de noten, zijn zoals je weet slechts trillingen. Ze zijn plaatsen in het geluidsspectrum. Of we ze nu 440 per seconde, la, noemen, of 3.729, si mol -- geloof me, dat klopt -- het zijn maar fenomenen. Maar de manier waarop we op verschillende combinaties van fenomenen reageren, is complex en emotioneel en slecht begrepen. De manier waarop we erop reageren, is door de eeuwen heen radicaal veranderd, net als onze voorkeuren.
So for example, in the 11th century, people liked pieces that ended like this. (Music) And in the 17th century, it was more like this. (Music) And in the 21st century ... (Music)
In de 11e eeuw hielden mensen bijvoorbeeld van stukken die zo eindigden. (Muziek) In de 17e eeuw was het meer zo. (Muziek) En in de 21e eeuw ... (Muziek)
Now your 21st century ears are quite happy with this last chord, even though a while back it would have puzzled or annoyed you or sent some of you running from the room. And the reason you like it is because you've inherited, whether you knew it or not, centuries-worth of changes in musical theory, practice and fashion.
Jullie 21ste-eeuwse oren zijn blij met dit laatste akkoord, zelfs als het jullie in vroegere tijden zou hebben verward of geïrriteerd, of sommigen van jullie uit de zaal hebben doen vluchten. De reden waarom je het leuk vindt, is omdat je, of je dat wist of niet, eeuwen van verandering hebt geërfd aan de theorie, de praktijk en de mode van de muziek.
And in classical music we can follow these changes very, very accurately because of the music's powerful silent partner, the way it's been passed on: notation. Now the impulse to notate, or, more exactly I should say, encode music has been with us for a very long time. In 200 B.C., a man named Sekulos wrote this song for his departed wife and inscribed it on her gravestone in the notational system of the Greeks. (Music)
In de klassieke muziek kunnen we deze wijzigingen zeer accuraat opvolgen dankzij de machtige stille vennoot van de muziek, de manier waarop ze is overgedragen: notenschrift. De drang om muziek te noteren, of, preciezer uitgedrukt, te coderen, bestaat al heel lang. In 200 v.C. heeft een man genaamd Seikilos dit lied geschreven voor zijn overleden vrouw en het gegrift op haar grafsteen in het notatiesysteem van de Grieken. Schitter zolang je leeft. Lijd niet. Het leven is kort. De tijd eist toch het laatste woord.
And a thousand years later, this impulse to notate took an entirely different form. And you can see how this happened in these excerpts from the Christmas mass "Puer Natus est nobis," "For Us is Born." (Music) In the 10th century, little squiggles were used just to indicate the general shape of the tune. And in the 12th century, a line was drawn, like a musical horizon line, to better pinpoint the pitch's location.
Duizend jaar later kreeg deze drang tot noteren een geheel andere vorm. Je kan zien hoe dit gebeurde in deze uittreksels uit de kerst-mis "Puer natus est nobis", "Een kind is ons geboren". (Muziek) In de 10e eeuw werden kleine krulletjes gebruikt om de algemene lijn van de melodie aan te geven. In de 12e eeuw werd een lijn getrokken, als een muzikale horizonlijn, om de toon beter te kunnen plaatsen.
And then in the 13th century, more lines and new shapes of notes locked in the concept of the tune exactly, and that led to the kind of notation we have today. Well notation not only passed the music on, notating and encoding the music changed its priorities entirely, because it enabled the musicians to imagine music on a much vaster scale.
In de 13 eeuw legden nog meer lijnen en nieuwe notenvormen het idee van de melodie exact vast, en dat leidde tot het soort notatie dat we vandaag hebben. De notatie heeft de muziek niet alleen doorgegeven, muziek noteren en coderen heeft de prioriteiten door elkaar geschud, want daardoor konden de muzikanten zich muziek voorstellen op veel grotere schaal.
Now inspired moves of improvisation could be recorded, saved, considered, prioritized, made into intricate designs. And from this moment, classical music became what it most essentially is, a dialogue between the two powerful sides of our nature: instinct and intelligence.
Geïnspireerde improvisatiebewegingen konden opgenomen, bewaard, overwogen, geprioriteerd, in ingewikkelde patronen weergegeven worden. Vanaf dat moment werd de klassieke muziek wat ze in essentie is: een dialoog tussen de twee machtige kanten van onze aard, het instinct en de intelligentie.
And there began to be a real difference at this point between the art of improvisation and the art of composition. Now an improviser senses and plays the next cool move, but a composer is considering all possible moves, testing them out, prioritizing them out, until he sees how they can form a powerful and coherent design of ultimate and enduring coolness. Now some of the greatest composers, like Bach, were combinations of these two things. Bach was like a great improviser with a mind of a chess master. Mozart was the same way.
Vanaf dit moment ontstond een echt onderscheid tussen de kunst van de improvisatie en de kunst van de compositie. Een improvisator voelt en speelt de volgende coole beweging, maar een componist bekijkt alle mogelijke bewegingen, test ze, prioriteert ze, tot hij ziet hoe ze een krachtig en samenhangend ontwerp kunnen worden van ultieme en blijvende coolheid. Enkele van de grootste componisten, zoals Bach, waren van beide markten thuis. Bach was een groot improvisator met de geest van een schaakgrootmeester. Mozart was ook zo.
But every musician strikes a different balance between faith and reason, instinct and intelligence. And every musical era had different priorities of these things, different things to pass on, different 'whats' and 'hows'. So in the first eight centuries or so of this tradition the big 'what' was to praise God. And by the 1400s, music was being written that tried to mirror God's mind as could be seen in the design of the night sky. The 'how' was a style called polyphony, music of many independently moving voices that suggested the way the planets seemed to move in Ptolemy's geocentric universe. This was truly the music of the spheres. (Music)
Maar elke muzikant zoekt zijn eigen evenwicht tussen geloof en rede, instinct en intelligentie. Elke muzikale periode heeft andere prioriteiten voor die dingen, andere dingen om door te geven, een ander 'wat' en een ander 'hoe'. In de eerste 8 eeuwen van deze traditie was het grote 'wat' God te loven. Rond 1400 werd muziek geschreven die de geest van God probeerde te weerspiegelen zoals die kon worden gezien in het ontwerp van de sterrenhemel. Het 'hoe' was een stijl die polyfonie heet, muziek van vele stemmen die onafhankelijk bewegen en suggereren hoe de planeten leken te bewegen in het geocentrische universum van Ptolemaeus. Dit was echt de muziek der sferen. (Kyrie eleison)
This is the kind of music that Leonardo DaVinci would have known. And perhaps its tremendous intellectual perfection and serenity meant that something new had to happen -- a radical new move, which in 1600 is what did happen. (Music) Singer: Ah, bitter blow! Ah, wicked, cruel fate! Ah, baleful stars! Ah, avaricious heaven!
Dit is het soort muziek dat Leonardo Da Vinci zou gekend hebben. De onwaarschijnlijke intellectuele perfectie en sereniteit betekende misschien dat iets nieuws moest gebeuren -- een radicale nieuwe beweging, en dat gebeurde in 1600. (Muziek): Zanger: Ah, bitter lot! Ah, doorslecht, wreed lot! Ah, ellendige sterren! Ah, gierige hemel!
MTT: This, of course, was the birth of opera, and its development put music on a radical new course. The what now was not to mirror the mind of God, but to follow the emotion turbulence of man. And the how was harmony, stacking up the pitches to form chords.
MTT: Dit was natuurlijk de geboorte van de opera. Die zette de muziek op een radicale nieuwe koers. Nu was het 'wat' niet het weerspiegelen van de geest van God, maar het volgen van de emotionele turbulentie van de mens. Het 'hoe' was harmonie, de tonen opstapelen om akkoorden te vormen.
And the chords, it turned out, were capable of representing incredible varieties of emotions. And the basic chords were the ones we still have with us, the triads, either the major one, which we think is happy, or the minor one, which we perceive as sad. But what's the actual difference between these two chords? It's just these two notes in the middle. It's either E natural, and 659 vibrations per second, or E flat, at 622. So the big difference between human happiness and sadness? 37 freakin' vibrations.
Bleek dat de akkoorden ongelooflijke variaties van emoties konden voorstellen. De basisakkoorden hebben we nog steeds: de tertsen, de grote terts, die we als vrolijk beschouwen, of de kleine terts, die we als droevig beschouwen. Maar wat is eigenlijk het verschil tussen deze twee akkoorden? Alleen deze twee middelste noten. Het is ofwel mi hersteld, en 659 trillingen per seconde, ofwel mi bemol, 622 trillingen. Wat is het grote verschil tussen menselijk geluk en verdriet? 37 verdomde trillingen.
So you can see in a system like this there was enormous subtle potential of representing human emotions. And in fact, as man began to understand more his complex and ambivalent nature, harmony grew more complex to reflect it. Turns out it was capable of expressing emotions beyond the ability of words.
Je ziet dat er in dit soort systeem geweldig veel subtiel potentieel zat om menselijke emoties voor te stellen. Naarmate de mens een beter begrip kreeg van zijn complexe en ambivalente aard, werd de harmonie complexer, om dat weer te geven. Bleek dat het in staat was om emoties weer te geven die niet in woorden te vatten waren.
Now with all this possibility, classical music really took off. It's the time in which the big forms began to arise. And the effects of technology began to be felt also, because printing put music, the scores, the codebooks of music, into the hands of performers everywhere. And new and improved instruments made the age of the virtuoso possible. This is when those big forms arose -- the symphonies, the sonatas, the concertos.
Met al die mogelijkheden begon de echte opmars van de klassieke muziek. In die tijd kwamen de grote vormen op. Ook de gevolgen van de technologie lieten zich voelen, want dankzij de drukkunst kwam muziek, partituren, de sleutels tot de muziek, in de handen van uitvoerders overal te lande. Nieuwe en verbeterde instrumenten maakten het tijdperk van de virtuoos mogelijk. Toen ontstonden die grote vormen -- symfonieën, sonates, concerto's.
And in these big architectures of time, composers like Beethoven could share the insights of a lifetime. A piece like Beethoven's Fifth basically witnessing how it was possible for him to go from sorrow and anger, over the course of a half an hour, step by exacting step of his route, to the moment when he could make it across to joy. (Music)
In die grote architectuur van de tijd konden componisten als Beethoven de inzichten van een leven delen. Een stuk als de vijfde van Beethoven getuigt van de mogelijkheid om van verdriet naar woede over te gaan, op een half uur tijd, stap na veeleisende stap op zijn tocht, tot op het moment dat hij uitkwam bij de vreugde. (Muziek)
And it turned out the symphony could be used for more complex issues, like gripping ones of culture, such as nationalism or quest for freedom or the frontiers of sensuality. But whatever direction the music took, one thing until recently was always the same, and that was when the musicians stopped playing, the music stopped.
Bleek dat de symfonie voor complexere toepassingen geschikt was, aangrijpende, culturele, zoals nationalisme of de zoektocht naar vrijheid of de grenzen van de sensualiteit. Welke richting de muziek ook uitging, tot recent was één ding altijd hetzelfde: als de muzikanten stopten met spelen, dan stopte de muziek.
Now this moment so fascinates me. I find it such a profound one. What happens when the music stops? Where does it go? What's left? What sticks with people in the audience at the end of a performance? Is it a melody or a rhythm or a mood or an attitude? And how might that change their lives?
Dat moment vind ik zo fascinerend. Ik vind het zo diepgaand. Wat gebeurt er als de muziek stopt? Waar gaat ze heen? Wat blijft er over? Wat blijft er hangen bij het publiek op het einde van een uitvoering? Is het een melodie of een ritme of een gemoedstoestand of een houding? Hoe kan dat hun leven veranderen?
To me this is the intimate, personal side of music. It's the passing on part. It's the 'why' part of it. And to me that's the most essential of all. Mostly it's been a person-to-person thing, a teacher-student, performer-audience thing, and then around 1880 came this new technology that first mechanically then through analogs then digitally created a new and miraculous way of passing things on, albeit an impersonal one. People could now hear music all the time, even though it wasn't necessary for them to play an instrument, read music or even go to concerts.
Voor mij is dat de intieme, persoonlijke kant van de muziek. Het is het doorgeven, het 'waarom' van de zaak. Voor mij is dat het meest essentiële. Het gaat meestal van persoon tot persoon, van leraar tot student, van uitvoerder tot publiek, tot er in 1880 nieuwe technologie kwam. Eerst mechanisch, dan analoog, dan digitaal creëerde dit een nieuwe, miraculeuze manier van dingen doorgeven, zij het dan een onpersoonlijke manier. Mensen konden nu de hele tijd muziek beluisteren, ook al was het niet nodig dat ze een instrument bespeelden, muziek lazen of zelfs naar concerten gingen.
And technology democratized music by making everything available. It spearheaded a cultural revolution in which artists like Caruso and Bessie Smith were on the same footing. And technology pushed composers to tremendous extremes, using computers and synthesizers to create works of intellectually impenetrable complexity beyond the means of performers and audiences.
De technologie heeft de muziek gedemocratiseerd door alles beschikbaar te maken. Het leidde tot een culturele revolutie waarin artiesten als Caruso en Bessie Smith op dezelfde hoogte stonden. De technologie heeft componisten tot geweldige extremen gebracht, met gebruik van computers en synthesizers, om werken te maken van intellectueel ondoordringbare complexiteit die de middelen van uitvoerders en publiek te boven gaan.
At the same time technology, by taking over the role that notation had always played, shifted the balance within music between instinct and intelligence way over to the instinctive side. The culture in which we live now is awash with music of improvisation that's been sliced, diced, layered and, God knows, distributed and sold. What's the long-term effect of this on us or on music? Nobody knows.
Tegelijk heeft de technologie, door de rol over te nemen die notatie altijd heeft gespeeld, de balans in de muziek tussen instinct en intelligentie doen overhellen naar de instinctieve kant. De cultuur waarin we vandaag leven, is overspoeld met improvisatiemuziek die in stukjes gesneden, gelaagd, en, God weet, gedistribueerd en verkocht is. Wat is het langetermijneffect daarvan op ons of op de muziek? Dat weet niemand.
The question remains: What happens when the music stops? What sticks with people? Now that we have unlimited access to music, what does stick with us?
De vraag blijft: wat gebeurt er als de muziek stopt? Wat blijft hangen bij mensen? Nu we onbeperkte toegang tot de muziek hebben, wat blijft hangen bij ons?
Well let me show you a story of what I mean by "really sticking with us." I was visiting a cousin of mine in an old age home, and I spied a very shaky old man making his way across the room on a walker. He came over to a piano that was there, and he balanced himself and began playing something like this. (Music)
Laat me jullie een verhaal vertellen over wat ik bedoel met "echt blijven hangen". Ik was op bezoek bij een neef van mij in een rusthuis. Ik hield een krakkemikkige oude man in de gaten, die zijn weg zocht door de kamer met een rollator. Hij ging naar een piano die daar stond, zocht zijn evenwicht en begon iets dergelijks te spelen. (Muziek)
And he said something like, "Me ... boy ... symphony ... Beethoven." And I suddenly got it, and I said, "Friend, by any chance are you trying to play this?" (Music) And he said, "Yes, yes. I was a little boy. The symphony: Isaac Stern, the concerto, I heard it." And I thought, my God, how much must this music mean to this man that he would get himself out of his bed, across the room to recover the memory of this music that, after everything else in his life is sloughing away, still means so much to him?
Hij zei iets als "Ik ... jongen ... symfonie ... Beethoven." Plots snapte ik het, en ik zei: "Vriend, probeer je misschien dit te spelen?" (Muziek) Hij zei: "Ja, ja. Ik was een kleine jongen. De symfonie: Isaac Stern, het concerto, ik hoorde het." Ik dacht: mijn God, hoeveel moet die muziek betekenen voor die man dat hij zichzelf uit bed sleept, door de kamer, om de herinnering aan deze muziek op te halen die, nadat al de rest in zijn leven in het moeras verzinkt, nog zoveel voor hem betekent?
Well, that's why I take every performance so seriously, why it matters to me so much. I never know who might be there, who might be absorbing it and what will happen to it in their life.
Daarom neem ik elke uitvoering zo ernstig. Daarom betekent het zoveel voor mij. Ik weet nooit wie er misschien zit, wie het absorbeert, en wat er in hun leven mee zal gebeuren.
But now I'm excited that there's more chance than ever before possible of sharing this music. That's what drives my interest in projects like the TV series "Keeping Score" with the San Francisco Symphony that looks at the backstories of music, and working with the young musicians at the New World Symphony on projects that explore the potential of the new performing arts centers for both entertainment and education.
Ik vind het spannend dat er meer kans dan ooit is om deze muziek te delen. Dat is de motor van mijn belangstelling voor projecten zoals de tv-serie "Keeping Score" met het San Francisco Symphony, die de achtergrondverhalen van muziek bekijkt, of het werk met jonge muzikanten in de New World Symphony, aan projecten die het potentieel verkennen van nieuwe uitvoerende kunstencentra voor entertainment en onderwijs.
And of course, the New World Symphony led to the YouTube Symphony and projects on the internet that reach out to musicians and audiences all over the world. And the exciting thing is all this is just a prototype. There's just a role here for so many people -- teachers, parents, performers -- to be explorers together. Sure, the big events attract a lot of attention, but what really matters is what goes on every single day. We need your perspectives, your curiosity, your voices.
De New World Symphony leidde tot de YouTube Symphony en projecten op het internet die de brug maken naar muzikanten en toehoorders over de hele wereld. Het spannende is dat dit maar een prototype is. Er is hier een rol voor zovele mensen -- leerkrachten, ouders, uitvoerders -- om samen op verkenning te gaan. De grote evenementen krijgen natuurlijk veel aandacht, maar wat echt belangrijk is, is wat elke dag gebeurt. We hebben jullie perspectief, jullie nieuwsgierigheid, jullie stemmen nodig.
And it excites me now to meet people who are hikers, chefs, code writers, taxi drivers, people I never would have guessed who loved the music and who are passing it on. You don't need to worry about knowing anything. If you're curious, if you have a capacity for wonder, if you're alive, you know all that you need to know. You can start anywhere. Ramble a bit. Follow traces. Get lost. Be surprised, amused inspired. All that 'what', all that 'how' is out there waiting for you to discover its 'why', to dive in and pass it on.
Ik vind het spannend om mensen te ontmoeten die rondtrekken, chef zijn, software-auteur, taxichauffeur, mensen van wie ik nooit zou hebben geraden dat ze van de muziek hielden en die de muziek doorgeven. Maak je geen zorgen over wat je moet weten. Als je nieuwsgierig bent, als je een vermogen tot verwondering hebt, als je leeft, dan weet je alles wat je moet weten. Je kan overal starten. Zwerf maar wat rond. Volg sporen. Verdwaal. Wees verrast, geamuseerd, geïnspireerd. Al het 'wat', al het 'hoe' ligt daar op jou te wachten tot je zijn 'waarom' ontdekt, tot je erin duikt en het doorgeeft.
Thank you.
Dankuwel.
(Applause)
(Applaus)