Well when I was asked to do this TEDTalk, I was really chuckled, because, you see, my father's name was Ted, and much of my life, especially my musical life, is really a talk that I'm still having with him, or the part of me that he continues to be.
טוב, כאשר התבקשתי להציג את השיחה הזו בטד, הייתי ממש משועשע מפני ששמו של אבי היה טד ורוב חיי, בעיקר חיי המוזיקליים הם למעשה שיחה שאני עדיין מנהל איתו או החלק שבי שהוא ממשיך להיות
Now Ted was a New Yorker, an all-around theater guy, and he was a self-taught illustrator and musician. He didn't read a note, and he was profoundly hearing impaired. Yet, he was my greatest teacher. Because even through the squeaks of his hearing aids, his understanding of music was profound.
עכשיו, טד היה מניו יורק, בחור שכולו תיאטרון והוא לימד את עצמו להיות מאייר ומוזיקאי הוא לא קרא תווים והיתה לו בעית שמיעה חמורה ועדיין, הוא היה המורה הכי טוב שלי כי על אף הצפצופים של מכשירי השמיעה שלו ההבנה המוזיקלית שלו היתה עמוקה
And for him, it wasn't so much the way the music goes as about what it witnesses and where it can take you. And he did a painting of this experience, which he called "In the Realm of Music." Now Ted entered this realm every day by improvising in a sort of Tin Pan Alley style like this. (Music)
ובשבילו, זה לא היה כל כך הדרך שבה מוזיקה מתנגנת אלא יותר למה היא עדה ולאן היא יכולה לקחת אותך והוא יצר ציור של החוויה הזו שקרא לו - בתוך ממלכת המוזיקה עכשיו, טד נכנס לתוך הממלכה הזו בכל יום על ידי אלתור במעין סגנון של טים פאן אלי כמו זה (מוזיקה)
But he was tough when it came to music. He said, "There are only two things that matter in music: what and how. And the thing about classical music, that what and how, it's inexhaustible."
אבל הוא היה קשוח בנוגע למוזיקה הוא אמר - ישנם רק שני דברים חשובים במוזיקה מה ואיך והנקודה לגבי מוזיקה קלאסית היא שהמה והאיך הם בלתי נדלים
That was his passion for the music. Both my parents really loved it. They didn't know all that much about it, but they gave me the opportunity to discover it together with them. And I think inspired by that memory, it's been my desire to try and bring it to as many other people as I can, sort of pass it on through whatever means. And how people get this music, how it comes into their lives, really fascinates me.
זו היתה התשוקה שלו למוזיקה גם אמי וגם אבי אהבו מאוד מוזיקה הם לא ידעו עליה מספיק אבל הם העניקו לי את ההזדמנות לגלות אותה יחד איתם ואני חושב שבהיותי מלא השראה מהזיכרון הזה היה לי רצון לנסות ולהביא את זה לכמה שיותר אנשים שאני יכול מעין "להעביר את זה הלאה" בכל אמצעי והדרך שבה אנשים תופשים את המוזיקה הזו, הדרך שבה היא נכנסת לחייהם מרתקת אותי ממש
One day in New York, I was on the street and I saw some kids playing baseball between stoops and cars and fire hydrants. And a tough, slouchy kid got up to bat, and he took a swing and really connected. And he watched the ball fly for a second, and then he went, "Dah dadaratatatah. Brah dada dadadadah." And he ran around the bases. And I thought, go figure. How did this piece of 18th century Austrian aristocratic entertainment turn into the victory crow of this New York kid? How was that passed on? How did he get to hear Mozart?
יום אחד בניו יורק, הייתי ברחוב וראיתי כמה ילדים משחקים כדור בסיס בין המרפסות והמכוניות וברזי כיבוי האש וילד קשוח, גמלוני, התרומם כדי לחבוט והוא הניף את המחבט וחבט יפה בכדור והוא הביט בכדור עף לרגע ואז הוא שר - דה, דהדהדהטהטהטהטה בראה דהדה דהדהדהדה והוא רץ בין הבסיסים ואני חשבתי, לך תבין איך יצירה של בידור אוסטרי אריסטוקרטי מהמאה השמונה עשרה הופכת להיות קריאת הניצחון של ילד ניו יורקי? כיצד זה עבר מאיש לאיש? כיצד קרה שהוא שמע מוצרט?
Well when it comes to classical music, there's an awful lot to pass on, much more than Mozart, Beethoven or Tchiakovsky. Because classical music is an unbroken living tradition that goes back over 1,000 years. And every one of those years has had something unique and powerful to say to us about what it's like to be alive.
ובכן, כשמדובר במוזיקה קלאסית יש הרבה מאוד דברים להעביר הלאה הרבה יותר מאשר מוצרט, בטהובן או צ'ייקובסקי בגלל שמוזיקרה קלאסית היא מסורת חיה רציפה בת יותר מאלף שנים ולכל אחת משנים אלו היה משהו מיוחד ועוצמתי לומר לנו לגבי מה זה אומר לחיות
Now the raw material of it, of course, is just the music of everyday life. It's all the anthems and dance crazes and ballads and marches. But what classical music does is to distill all of these musics down, to condense them to their absolute essence, and from that essence create a new language, a language that speaks very lovingly and unflinchingly about who we really are. It's a language that's still evolving.
עכשיו, החומר הגולמי של זה, כמובן זה פשוט המוזיקה של היומיום זה כל ההימנונים ושיגעונות הריקוד ובאלדות ומצעדים אבל מה שמוזיקה קלאסית עושה זה לזקק את כל המוזיקות הללו לדחוס אותן אל תוך המהות הטהורה שלהן ומתוך המהות הזו ליצור שפה חדשה שפה המדברת בצורה מאוד אוהבת ואמיצה על מי אנחנו באמת זו שפה שעדיין מתפתחת
Now over the centuries it grew into the big pieces we always think of, like concertos and symphonies, but even the most ambitious masterpiece can have as its central mission to bring you back to a fragile and personal moment -- like this one from the Beethoven Violin Concerto. (Music) It's so simple, so evocative. So many emotions seem to be inside of it. Yet, of course, like all music, it's essentially not about anything. It's just a design of pitches and silence and time.
עכשיו, לאורך המאות זה גדל לתוך היצירות הגדולות שאנחנו תמיד חושבים עליהן כמו קונצרטים או סימפוניות אבל אפילו יצירת המופת השאפתנית ביותר יכולה להציב כמטרה המרכזית שלה את הרעיון של להביא אתכם חזרה לרגע אישי ושברירי כמו זה מתוך הקונצ'רטו לכינור של בטהובן (מוזיקה) זה כל כך פשוט, כל כך מעורר נדמה שכל כך הרבה רגשות נמצאים בתוך זה ועדיין, כמובן, כמו כל מוזיקה זה באופן מהותי לא על שום דבר זה רק תרשים של גבהי צלילים ודממה וזמן
And the pitches, the notes, as you know, are just vibrations. They're locations in the spectrum of sound. And whether we call them 440 per second, A, or 3,729, B flat -- trust me, that's right -- they're just phenomena. But the way we react to different combinations of these phenomena is complex and emotional and not totally understood. And the way we react to them has changed radically over the centuries, as have our preferences for them.
והצלילים, התווים, כמו שאתם יודעים, הם רק תנודות הם מיקומים בספקטרום של הקול ובין אם אנחנו קוראים להם 440 לשנייה, לה או 3,729, סי מינור - האמינו לי, זה נכון הם רק תופעות אבל הדרך שבה אנו מגיבים לשילובים שונים של התופעות הללו היא מורכבת ורגשית ולא לגמרי מובנת והדרך שבה אנו מגיבים להן השתנתה באופן קיצוני במהלך המאות יחד עם ההעדפות שלנו לגביהם
So for example, in the 11th century, people liked pieces that ended like this. (Music) And in the 17th century, it was more like this. (Music) And in the 21st century ... (Music)
אז, למשל, במאה האחת עשרה אנשים אהבו יצירות שנגמרו כך (מוזיקה) ובמאה השבע עשרה, זה היה יותר כך (מוזיקה) ובמאה העשרים ואחת (מוזיקה)
Now your 21st century ears are quite happy with this last chord, even though a while back it would have puzzled or annoyed you or sent some of you running from the room. And the reason you like it is because you've inherited, whether you knew it or not, centuries-worth of changes in musical theory, practice and fashion.
עכשיו, האוזניים שלכם בנות המאה העשרים ואחת די מרוצות מהאקורד האחרון על אף שלא מזמן הוא היה מבלבל או מעצבן אתכם או גורם לחלק מכם לברוח מהחדר והסיבה שאתם אוהבים זאת היא בגלל שירשתם, בין אם ידעתם זאת או לא שינויים בני מאות שנים בתיאוריות מוזיקליות, פרקטיקות ואופנות
And in classical music we can follow these changes very, very accurately because of the music's powerful silent partner, the way it's been passed on: notation. Now the impulse to notate, or, more exactly I should say, encode music has been with us for a very long time. In 200 B.C., a man named Sekulos wrote this song for his departed wife and inscribed it on her gravestone in the notational system of the Greeks. (Music)
ובמוזיקה קלאסית אנחנו יכולים לעקוב אחר שינויים אלו מאוד מאוד במדוייק בגלל השותף העוצמתי האילם של המוזיקה הדרך שבה היא עברה מאיש לאיש: תיווי - כתב התווים עכשיו, הדחף לכתוב תווים או, אם אדייק, לקדד מוזיקה נמצא איתנו כבר הרבה מאוד זמן במאה השנייה לפני הספירה, איש בשם סקולוס כתב את השיר הזה לאשתו המתה וחרט אותו על המצבה שלה בשיטת התיווי של היוונים (מוזיקה)
And a thousand years later, this impulse to notate took an entirely different form. And you can see how this happened in these excerpts from the Christmas mass "Puer Natus est nobis," "For Us is Born." (Music) In the 10th century, little squiggles were used just to indicate the general shape of the tune. And in the 12th century, a line was drawn, like a musical horizon line, to better pinpoint the pitch's location.
ואלף שנים מאוחר יותר הדחף הזה לכתוב תווים שינה את צורתו לדבר מה אחר בתכלית ואתם יכולים לראות כיצד זה קרה בציטוטים אלו מתוך המיסה הנוצרית - puer Natus est nobis לנו נולד (מוזיקה) במאה העשירית שרבוטים קטנים שימשו רק לציון הצורה הכללית של הלחן ובמאה השתיים עשרה, צוייר קו, כמו קו מוזיקלי אופקי כדי לציין בצורה טובה יותר את המיקום של הצליל
And then in the 13th century, more lines and new shapes of notes locked in the concept of the tune exactly, and that led to the kind of notation we have today. Well notation not only passed the music on, notating and encoding the music changed its priorities entirely, because it enabled the musicians to imagine music on a much vaster scale.
ואז במאה השלוש עשרה, עוד קווים וצורות חדשות של תווים קיבעו את הרעיון של הלחן בצורה מדוייקת וזה הוביל לסוג התיווי שיש לנו היום ובכן התיוויי לא רק תרם להעברת המוזיקה הלאה תיווי וקידוד המוזיקה שינו את סדרי העדיפויות שלה לחלוטין מאחר וזה איפשר למוזיקאים לדמיין מוזיקה באופן רחב הרבה יותר
Now inspired moves of improvisation could be recorded, saved, considered, prioritized, made into intricate designs. And from this moment, classical music became what it most essentially is, a dialogue between the two powerful sides of our nature: instinct and intelligence.
עכשיו תנועות אלתור בעלות השראה יכלו להיות מוקלטות, שמורות, מוערכות, מסודרות על פי סדר עדיפות להיהפך לעיצובים מורכבים ומאותו הרגע, מוזיקה קלאסית נהייתה מה שהיא באופן מהותי דיאלוג בין שני החלקים העוצמתיים של הטבע שלנו אינסטינקט ואינטיליגנציה
And there began to be a real difference at this point between the art of improvisation and the art of composition. Now an improviser senses and plays the next cool move, but a composer is considering all possible moves, testing them out, prioritizing them out, until he sees how they can form a powerful and coherent design of ultimate and enduring coolness. Now some of the greatest composers, like Bach, were combinations of these two things. Bach was like a great improviser with a mind of a chess master. Mozart was the same way.
ובנקודה זו התחיל להיות שוני משמעותי בין אמנות האלתור ואמנות ההלחנה עכשיו, המאלתר חש ומנגן את התנועה המגניבה הבאה אבל מלחין שוקל את כל התנועות האפשריות מנסה אותן, מסדר אותן לפי סדרי עדיפויות עד שהוא רואה איך הן יוצרות תרשים עוצמתי ומובן של מגניבות מוחלטת ונמשכת עכשיו, חלק מהמלחינים הגדולים ביותר, כמו באך היו שילוב של שני הדברים הללו באך היה מאלתר נפלא עם ראש של אמן שח מוצרט היה בדיוק אותו דבר
But every musician strikes a different balance between faith and reason, instinct and intelligence. And every musical era had different priorities of these things, different things to pass on, different 'whats' and 'hows'. So in the first eight centuries or so of this tradition the big 'what' was to praise God. And by the 1400s, music was being written that tried to mirror God's mind as could be seen in the design of the night sky. The 'how' was a style called polyphony, music of many independently moving voices that suggested the way the planets seemed to move in Ptolemy's geocentric universe. This was truly the music of the spheres. (Music)
אבל כל מוזיקאי מגיע לאיזון אחר בין אמונה להגיון, אינסטינקט ואינטילגנציה ולכל תקופה מוזיקלית היו סדרי עדיפויות שונים לגבי דברים אלו דברים שונים להעביר הלאה, "מה" ו"איך" שונים כך שבשמונה המאות הראשונות בערך של מסורת זו ה"מה" הגדול היה להלל את אלוהים ובערך במאה החמש עשרה, נכתבה מוזיקה שניסתה לשקף את התודעה של אלוהים כמו שאפשר לראות בעיצוב של שמי הלילה ה"איך" היה סגנון שנקרא רב-קולי, פוליפוני מוזיקה של הרבה קולות שזזים באופן עצמאי שרמזו לדרך שבה הכוכבים אמורים לזוז ביקום הגיאוצנטרי של תלמי זו היתה באמת המוזיקה של הספירות (מוזיקה)
This is the kind of music that Leonardo DaVinci would have known. And perhaps its tremendous intellectual perfection and serenity meant that something new had to happen -- a radical new move, which in 1600 is what did happen. (Music) Singer: Ah, bitter blow! Ah, wicked, cruel fate! Ah, baleful stars! Ah, avaricious heaven!
זה סוג המוזיקה שליאונרדו דה וינצ'י הכיר ואולי השלמות והרצינות האינטלקטואלית הכבירה של זה משמעו היה שמשהו חדש צריך לקרות תנועה חדשה קיצונית, שאכן התרחשה במאה השבע עשרה מוזיקה - זמר: אה, מכה מרירה אה, גורל רשע, אכזר! אה, כוכבים מלאי שנאה אה, גן עדן רודף בצע
MTT: This, of course, was the birth of opera, and its development put music on a radical new course. The what now was not to mirror the mind of God, but to follow the emotion turbulence of man. And the how was harmony, stacking up the pitches to form chords.
זוהי, כמובן, היתה התחלתה של אופרה וההתפחות שלה מציבה את המוזיקה במסלול חדש וקיצוני ה"מה" עכשיו לא היה לשקף את התודעה של אלוהים אלא לעקוב אחר הסערות הרגשיות של האדם וה"איך" היה הרמוניה לערום את הצלילים כדי ליצור אקורדים
And the chords, it turned out, were capable of representing incredible varieties of emotions. And the basic chords were the ones we still have with us, the triads, either the major one, which we think is happy, or the minor one, which we perceive as sad. But what's the actual difference between these two chords? It's just these two notes in the middle. It's either E natural, and 659 vibrations per second, or E flat, at 622. So the big difference between human happiness and sadness? 37 freakin' vibrations.
והאקורדים, מסתבר היו מסוגלים לייצג קשת רחבה מאוד של רגשות והאקורדים הבסיסיים הם אלה שנשארו איתנו עד היום השלשה בין אם זו המאזו'רית שאנחנו חושבים שהיא שמחה או המינורית שאנו תופשים כעצובה אבל מה בעצם ההבדל בין שני האקורדים הללו? אלו רק שני התווים הללו באמצע זה או התו מי ו-659 תנודות לשנייה או מי מינור, ו-622 אז מהו ההבדל הגדול בין שמחה או עצבות אנושית? שלושים ושבע תנודות מסריחות
So you can see in a system like this there was enormous subtle potential of representing human emotions. And in fact, as man began to understand more his complex and ambivalent nature, harmony grew more complex to reflect it. Turns out it was capable of expressing emotions beyond the ability of words.
אז אתם יכולים לראות שבמערכת כזו היה המון פוטנציאל מעודן בייצוג רגשות אנושיים ולמעשה, ככל שהאדם התחיל להבין יותר את הטבע המורכב והדו ערכי שלו ההרמוניה הפכה מורכבת יותר כדי לייצג זאת מסתבר שהיא מסוגלת לבטא רגשות מעבר ליכולת של המילים
Now with all this possibility, classical music really took off. It's the time in which the big forms began to arise. And the effects of technology began to be felt also, because printing put music, the scores, the codebooks of music, into the hands of performers everywhere. And new and improved instruments made the age of the virtuoso possible. This is when those big forms arose -- the symphonies, the sonatas, the concertos.
עכשיו, עם כל היכולת הזו מוזיקה קלאסית באמת המריאה זה הזמן שבו תבניות גדולות החלו להיווצר וההשפעה של טכנולוגיה התחילה גם להיות מורגשת מאחר והדפוס מפיץ את המוזיקה, את התווים, הספר המקודד של המוזיקה לידי מבצעים בכל מקום וכלים חדשים ומשופרים איפשרו את קיומה של תקופת המבצע-העילוי זה הזמן שבו התבניות הגדולות הופיעו הסימפוניות, הסונאטות, הקונצ'רטואים
And in these big architectures of time, composers like Beethoven could share the insights of a lifetime. A piece like Beethoven's Fifth basically witnessing how it was possible for him to go from sorrow and anger, over the course of a half an hour, step by exacting step of his route, to the moment when he could make it across to joy. (Music)
ובתוך ארכיטקטורות גדולות אלו של הזמן יכלו מלחינים כמו בטהובן לשתף אותנו בתובנות חד פעמיות יצירה כמו החמישית של בטהובן בעצם מתעדת איך היה זה אפשרי בשבילו לנוע מעצב לכעס בתוך חצי שעה מתעדת צעד אחר צעד את המסלול שלו אל הרגע שבו הוא יכול לעבור לשמחה (מוזיקה)
And it turned out the symphony could be used for more complex issues, like gripping ones of culture, such as nationalism or quest for freedom or the frontiers of sensuality. But whatever direction the music took, one thing until recently was always the same, and that was when the musicians stopped playing, the music stopped.
והתברר שהסימפוניה יכולה לשמש לנושאים הרבה יותר מורכבים כמו נושאים מרתקים בתרבות למשל לאומניות או כמיהה לחופש או הגבול של החושניות אך לא משנה לאיזה כיוון המוזיקה פנתה דבר אחד נשאר אותו הדבר עד לאחרונה והוא: כשהמוזיקאים הפסיקו לנגן המוזיקה פסקה
Now this moment so fascinates me. I find it such a profound one. What happens when the music stops? Where does it go? What's left? What sticks with people in the audience at the end of a performance? Is it a melody or a rhythm or a mood or an attitude? And how might that change their lives?
הרגע הזה כל כך מרתק אותי אני מוצא שהוא רגע מכונן ממש מה קורה כאשר המוזיקה נגמרת? לאן היא הולכת? מה נשאר? מה נשאר לאנשים בקהל בסיומה של הופעה? האם זו מלודיה או קצב? או מצב רוח או סגנון התנהגות? ואיך זה יכול לשנות את חייהם?
To me this is the intimate, personal side of music. It's the passing on part. It's the 'why' part of it. And to me that's the most essential of all. Mostly it's been a person-to-person thing, a teacher-student, performer-audience thing, and then around 1880 came this new technology that first mechanically then through analogs then digitally created a new and miraculous way of passing things on, albeit an impersonal one. People could now hear music all the time, even though it wasn't necessary for them to play an instrument, read music or even go to concerts.
בשבילי זהו הצד האינטימי, האישי של מוזיקה זה החלק של להעביר את זה הלאה. ה"למה" של זה ובשבילי זה החלק המשמעותי ביותר זה בעיקר היה דבר בין אדם לאדם בין מורה לתלמיד או בין מבצע לקהל ואז בסביבות 1880 הגיעה טכנולוגיה חדשה שבהתחלה באופן מכני ואחר כך אנלוגי ואז דיגיטלי יצרה דרך פלאית וחדשה להעביר דברים הלאה על אף שהיתה זו דרך לא אישית אנשים כעת יכלו לשמוע מוזיקה כל הזמן על אף שזה לא היה נחוץ בשבילם לנגן על כלי, לקרוא מוזיקה או אפילו ללכת לקונצרטים
And technology democratized music by making everything available. It spearheaded a cultural revolution in which artists like Caruso and Bessie Smith were on the same footing. And technology pushed composers to tremendous extremes, using computers and synthesizers to create works of intellectually impenetrable complexity beyond the means of performers and audiences.
והטכנולוגיה הפכה את המוזיקה לדמוקרטית בכך שהפכה הכל לנגיש זה הוביל למהפכה תרבותית שבה אמנים כמו קארוסו ובסי סמית עמדו על בסיס שווה וטכנולוגיה דחפה מלחינים לקיצוניות מדהימות על ידי שימוש במחשבים וסינתיסייזרים ליצור עבודות בעלות מורכבות אינטקלטואלית בלתי חדירה מעבר לאמצעים של מבצעים וקהלים
At the same time technology, by taking over the role that notation had always played, shifted the balance within music between instinct and intelligence way over to the instinctive side. The culture in which we live now is awash with music of improvisation that's been sliced, diced, layered and, God knows, distributed and sold. What's the long-term effect of this on us or on music? Nobody knows.
ובאותו זמן הטכנולוגיה על ידי כך שלקחה לעצמה את התפקיד שהיה שייך תמיד לתיווי שינתה את האיזון במוזיקה בין אינסטינקט לאינטיליגנציה עמוק לתוך הצד של האינסטינקט התרבות שבה אנו חיים כעת שטופה במוזיקה של אילתור שנחתכה, נקצצה וכוסתה בשכבות וגם, אלוהים יודע, הופצה ונמכרה מהי ההשפעה ארוכת הטווח של זה עלינו ועל המוזיקה? אף אחד לא יודע
The question remains: What happens when the music stops? What sticks with people? Now that we have unlimited access to music, what does stick with us?
השאלה נותרת: מה קורה כאשר המוזיקה מפסיקה? מה נשאר עם אנשים? עכשיו שיש לנו גישה בלתי מוגבלת למוזיקה, מה נשאר איתנו?
Well let me show you a story of what I mean by "really sticking with us." I was visiting a cousin of mine in an old age home, and I spied a very shaky old man making his way across the room on a walker. He came over to a piano that was there, and he balanced himself and began playing something like this. (Music)
ובכן, הרשו לי לספר להם סיפור שימחיש למה אני מתכוון כשאני אומר שמוזיקה באמת נשארת איתנו ביקרתי בן-דוד שלי בבית זקנים וראיתי איש זקן רועד שעשה את דרכו מצד אחד של החדר אל הצד השני על הליכון הוא ניגש אל הפסנתר שהיה שם והוא איזן את עצמו והחל לנגן משהו כמו זה (מוזיקה)
And he said something like, "Me ... boy ... symphony ... Beethoven." And I suddenly got it, and I said, "Friend, by any chance are you trying to play this?" (Music) And he said, "Yes, yes. I was a little boy. The symphony: Isaac Stern, the concerto, I heard it." And I thought, my God, how much must this music mean to this man that he would get himself out of his bed, across the room to recover the memory of this music that, after everything else in his life is sloughing away, still means so much to him?
והוא אמר משהו כמו - אני... ילד... סימפוניה.... בטהובן ואז לפתע הבנתי את זה ואמרתי - חבר, האם במקרה אתה מנסה לנגן את זה? (מוזיקה) והוא אמר - כן, כן. הייתי ילד קטן הסימפוניה: יצחק שטרן, הקונצ'רטו, שמעתי את זה ואני חשבתי, אלוהים כמה משמעותית בוודאי המוזיקה הזו לאיש הזה כך שהוא יוציא את עצמו מהמיטה, אל הצד השני של החדר כדי לשחזר את הזיכרון של המוזיקה הזו שאחרי שכל שאר הדברים בחייו הולכים ונמוגים עדיין משמעותי כל כך עבורו?
Well, that's why I take every performance so seriously, why it matters to me so much. I never know who might be there, who might be absorbing it and what will happen to it in their life.
ובכן, זו הסיבה מדוע אני מייחס חשיבות גדולה לכל הופעה מדוע זה חשוב לי כל כך אני לעולם לא יודע מי יכול להיות שם, מי סופג את זה ומה יקרה לזה בחייהם
But now I'm excited that there's more chance than ever before possible of sharing this music. That's what drives my interest in projects like the TV series "Keeping Score" with the San Francisco Symphony that looks at the backstories of music, and working with the young musicians at the New World Symphony on projects that explore the potential of the new performing arts centers for both entertainment and education.
אבל עכשיו אני נרגש מכך שיש סיכוי רב יותר מכל מה שהיה אפשרי בעבר לחלוק את המוזיקה הזו זה מה שמניע את העניין שלי בפרוייקטים כמו סדרת הטלוויזיה "שומרים ניקוד" עם התזמורת של סאן פרנסיסקו שמסתכלת על סיפורי הרקע של מוזיקה ועובדת עם מוזיקאים צעירים בתזמורת ניו וורלד על פרוייקטים שבוחנים את הפוטנציאל של מרכזי אמנות חדשים בשביל אמנות ובידור
And of course, the New World Symphony led to the YouTube Symphony and projects on the internet that reach out to musicians and audiences all over the world. And the exciting thing is all this is just a prototype. There's just a role here for so many people -- teachers, parents, performers -- to be explorers together. Sure, the big events attract a lot of attention, but what really matters is what goes on every single day. We need your perspectives, your curiosity, your voices.
וכמובן, התזמורת ניו וורלד הובילה לתזמורת יוטיוב ופרוייקטים באינטרנט שיוצרים קשר עם מוזיקאים וקהלים בכל העולם ומה שמרגש במיוחד זה שכל זה הוא רק אב טיפוס יש כאן הזדמנות לכל כך הרבה אנשים מורים, הורים, מבצעים להיות חוקרים יחד כמובן, האירועים הגדולים מושכים הרבה תשומת לב אבל מה שבאמת חשוב הוא מה שקורה בכל יום אנו זקוקים לנקודות המבט שלכם, לסקרנות שלכם, לקולות שלכם
And it excites me now to meet people who are hikers, chefs, code writers, taxi drivers, people I never would have guessed who loved the music and who are passing it on. You don't need to worry about knowing anything. If you're curious, if you have a capacity for wonder, if you're alive, you know all that you need to know. You can start anywhere. Ramble a bit. Follow traces. Get lost. Be surprised, amused inspired. All that 'what', all that 'how' is out there waiting for you to discover its 'why', to dive in and pass it on.
וזה מרגש אותי עכשיו לפגוש אנשים שהם טיילנים, שפים, כותבי צפנים, נהגי מוניות אנשים שלעולם לא הייתי מנחש שיאהבו את המוזיקה ושמעבירים אותה הלאה אתם לא צריכים לדאוג אם אתם לא יודעים כלום אם אתם סקרנים, אם יש לכם את היכולת לתהות, אם אתם חיים אתם יודעים כל מה שאתם צריכים לדעת אתם יכולים להתחיל בכל מקום. שוטטו קצת עקבו אחר עקבות. לכו לאיבוד. היו מופתעים, היו משועשעים, היו מלאי השראה כל ה"מה" הזה, כל ה"איך" נמצאים שם מחכים שתגלו את ה"למה" שלהם שתצללו פנימה ותעבירו הלאה
Thank you.
תודה
(Applause)
(מחיאות כפיים)