On my desk in my office, I keep a small clay pot that I made in college. It's raku, which is a kind of pottery that began in Japan centuries ago as a way of making bowls for the Japanese tea ceremony. This one is more than 400 years old. Each one was pinched or carved out of a ball of clay, and it was the imperfections that people cherished.
Op het bureau in mijn kantoor heb ik een potje van aardewerk. Ik maakte het op de middelbare school. Het is raku, een eeuwenoude Japanse vorm van aardewerk. Men maakte er kommen mee voor de Japanse theeceremonie. Deze is meer dan 400 jaar oud. Iedere kom werd uit een homp klei gedrukt of gesneden. Juist de imperfectie ervan maakte het bij de mensen zo geliefd.
Everyday pots like this cup take eight to 10 hours to fire. I just took this out of the kiln last week, and the kiln itself takes another day or two to cool down, but raku is really fast. You do it outside, and you take the kiln up to temperature. In 15 minutes, it goes to 1,500 degrees, and as soon as you see that the glaze has melted inside, you can see that faint sheen, you turn the kiln off, and you reach in with these long metal tongs, you grab the pot, and in Japan, this red-hot pot would be immediately immersed in a solution of green tea, and you can imagine what that steam would smell like. But here in the United States, we ramp up the drama a little bit, and we drop our pots into sawdust, which catches on fire, and you take a garbage pail, and you put it on top, and smoke starts pouring out. I would come home with my clothes reeking of woodsmoke.
Dergelijke gebruikspotten hebben een baktijd van 8 tot 10 uur. Deze haalde ik vorige week nog uit de oven. De oven zelf moet nog een dag of 2 afkoelen, maar raku werkt erg snel. Je doet het buiten. Je brengt de oven op temperatuur. Die gaat binnen een kwartier naar 1500 graden. Zodra je ziet dat het glazuur binnenin is gesmolten - wat je ziet aan een vage glans - zet je de oven uit. Je haalt de pot eruit met lange metalen tangen. In Japan zou de gloeiendhete pot onmiddellijk worden ondergedompeld in een oplossing van groene thee. Je kunt je de geur van die stoom voorstellen. Maar hier in de V.S. voeren we het drama nog wat op. We zetten de potten in zaagsel, dat daardoor in brand vliegt. Dan neem je een vuilnisemmer en zet die er bovenop, waarna de rook aan alle kanten gaat ontsnappen. Ik kwam altijd thuis met kleren die naar houtrook stonken.
I love raku because it allows me to play with the elements. I can shape a pot out of clay and choose a glaze, but then I have to let it go to the fire and the smoke, and what's wonderful is the surprises that happen, like this crackle pattern, because it's really stressful on these pots. They go from 1,500 degrees to room temperature in the space of just a minute.
Ik hou van raku, omdat het me laat spelen met de elementen. Ik kan uit klei een pot maken en een glazuur kiezen, maar daarna moet ik het overlaten aan het vuur en de rook. Het mooie is dat er verrassingen ontstaan - zoals dit craquelépatroon - want die potten staan onder hoge druk. - zoals dit craquelépatroon - want die potten staan onder hoge druk. Binnen een minuut gaan ze van 1500 graden naar kamertemperatuur.
Raku is a wonderful metaphor for the process of creativity. I find in so many things that tension between what I can control and what I have to let go happens all the time, whether I'm creating a new radio show or just at home negotiating with my teenage sons.
Raku is een prachtige metafoor voor het proces van creativiteit. In zoveel dingen zie ik de spanning tussen wat ik kan beheersen en wat ik moet loslaten. In zoveel dingen zie ik de spanning tussen wat ik kan beheersen en wat ik moet loslaten. Het gebeurt steeds weer, of ik nu een nieuw radioprogramma maak of thuis onderhandel met mijn puberzonen.
When I sat down to write a book about creativity, I realized that the steps were reversed. I had to let go at the very beginning, and I had to immerse myself in the stories of hundreds of artists and writers and musicians and filmmakers, and as I listened to these stories, I realized that creativity grows out of everyday experiences more often than you might think, including letting go. It was supposed to break, but that's okay. (Laughter) (Laughs) That's part of the letting go, is sometimes it happens and sometimes it doesn't, because creativity also grows from the broken places.
Toen ik begon aan mijn boek over creativiteit, realiseerde ik me dat de stappen waren omgedraaid. Ik moest beginnen met loslaten. Ik moest me onderdompelen in de verhalen van honderden kunstenaars, schrijvers, musici en filmmakers. Bij het luisteren naar de verhalen realiseerde ik me dat creativiteit voortkomt uit alledaagse ervaringen. Dat gebeurt vaker dan je zou denken, inclusief het loslaten. Het had moeten breken, maar dat geeft niet. (Gelach) (Lacht) Dat hoort bij loslaten. Soms gebeurt het en soms niet, want creativiteit groeit ook vanuit de brokstukken.
The best way to learn about anything is through stories, and so I want to tell you a story about work and play and about four aspects of life that we need to embrace in order for our own creativity to flourish. The first embrace is something that we think, "Oh, this is very easy," but it's actually getting harder, and that's paying attention to the world around us. So many artists speak about needing to be open, to embrace experience, and that's hard to do when you have a lighted rectangle in your pocket that takes all of your focus.
De beste manier om iets te leren is door verhalen. Daarom wil ik jullie een verhaal vertellen over werk en spel en over 4 aspecten van het leven die we moeten omarmen zodat onze creativiteit zich kan ontplooien. De eerste omarming is iets waarvan we denken: 'Oh, dat is makkelijk', maar het is iets wat juist steeds moeilijker wordt. Aandacht besteden aan de wereld om ons heen. Zoveel kunstenaars hebben het over de noodzaak van openheid, het omarmen van ervaringen. Dat is moeilijk wanneer je aandacht volledig wordt opgeëist door een opvallende rechthoek in je broekzak.
The filmmaker Mira Nair speaks about growing up in a small town in India. Its name is Bhubaneswar, and here's a picture of one of the temples in her town.
De filmmaakster Mira Nair vertelt over haar jeugd in een stadje in India, Bhubaneswar. Dit is een foto van een van de tempels daar.
Mira Nair: In this little town, there were like 2,000 temples. We played cricket all the time. We kind of grew up in the rubble. The major thing that inspired me, that led me on this path, that made me a filmmaker eventually, was traveling folk theater that would come through the town and I would go off and see these great battles of good and evil by two people in a school field with no props but with a lot of, you know, passion, and hashish as well, and it was amazing. You know, the folk tales of Mahabharata and Ramayana, the two holy books, the epics that everything comes out of in India, they say. After seeing that Jatra, the folk theater, I knew I wanted to get on, you know, and perform.
Mira Nair: in dit stadje waren zo'n 2000 tempels. We speelden altijd cricket. We groeiden min of meer op tussen het puin. Ik werd vooral geïnspireerd en op het pad van filmmaker gebracht door het volkstheater dat op doorreis was in onze stad. Ik ging er naartoe en zag 2 mensen op een schoolsportveld, die de grote strijd tussen goed en kwaad uitbeeldden. Zonder rekwisieten, maar met veel passie en hasj. Het was fantastisch. Zonder rekwisieten, maar met veel passie en hasj. Het was fantastisch. Het waren de volksverhalen uit de Mahabharata en de Ramayana, de 2 heilige boeken met verhalen waar alles uit voortkomt in India, naar men zegt. Door het zien van die Jatra, dat volkstheater wist ik dat ik daar bij wilde horen, wilde optreden.
Julie Burstein: Isn't that a wonderful story? You can see the sort of break in the everyday. There they are in the school fields, but it's good and evil, and passion and hashish. And Mira Nair was a young girl with thousands of other people watching this performance, but she was ready. She was ready to open up to what it sparked in her, and it led her, as she said, down this path to become an award-winning filmmaker. So being open for that experience that might change you is the first thing we need to embrace.
Julie Berstein: Is dat geen prachtig verhaal? Het is een onderbreking van het dagelijks patroon: het schoolsportveld als toneel voor goed en slecht, passie en hasj. Mira Nair was een jong meisje temidden van duizenden andere toeschouwers, maar ze was bereid om zich open te stellen voor wat het in haar losmaakte. Dat vergezelde haar op het pad dat ze zou afleggen om een bekroond filmmaker te worden. Voor alles moeten we dus open staan voor de ervaring die ons kan veranderen. Voor alles moeten we dus open staan voor de ervaring die ons kan veranderen.
Artists also speak about how some of their most powerful work comes out of the parts of life that are most difficult. The novelist Richard Ford speaks about a childhood challenge that continues to be something he wrestles with today. He's severely dyslexic.
Kunstenaars spreken er ook over hoe een deel van hun sterkste werk voortkomt uit de meest moeilijke tijden in het leven. De schrijver Richard Ford spreekt over een probleem uit zijn jeugd waar hij nog steeds mee worstelt. Hij is zwaar dyslectisch.
Richard Ford: I was slow to learn to read, went all the way through school not really reading more than the minimum, and still to this day can't read silently much faster than I can read aloud, but there were a lot of benefits to being dyslexic for me because when I finally did reconcile myself to how slow I was going to have to do it, then I think I came very slowly into an appreciation of all of those qualities of language and of sentences that are not just the cognitive aspects of language: the syncopations, the sounds of words, what words look like, where paragraphs break, where lines break. I mean, I wasn't so badly dyslexic that I was disabled from reading. I just had to do it really slowly, and as I did, lingering on those sentences as I had to linger, I fell heir to language's other qualities, which I think has helped me write sentences.
Richard Ford: Ik was langzaam met leren lezen. Ik las mijn hele schooltijd niet meer dan het minimum. Nog steeds lees ik in mijn hoofd niet veel sneller dan hardop. Nog steeds lees ik in mijn hoofd niet veel sneller dan hardop. Toch bracht dyslexie me veel voordelen. Toen ik me uiteindelijk met mijn traagheid verzoende begon ik langzaamaan waardering te krijgen voor al die kwaliteiten van taal en zinnen die niet alleen cognitief zijn: de syncopen, de woordklanken, hoe woorden eruitzien, waar paragrafen en regels worden afgebroken. Ik was niet zó dyslectisch dat ik niet kon lezen, ik moest het alleen heel langzaam doen. Doordat ik bij de zinnen moest blijven hangen vielen mij de andere kwaliteiten van de taal ten deel. Volgens mij heeft dat me geholpen om zinnen te schrijven.
JB: It's so powerful. Richard Ford, who's won the Pulitzer Prize, says that dyslexia helped him write sentences. He had to embrace this challenge, and I use that word intentionally. He didn't have to overcome dyslexia. He had to learn from it. He had to learn to hear the music in language.
JB: Er gaat zoveel kracht vanuit. Richard Ford, winnaar van de Pulitzer Prize, zegt dat dyslexie hem hielp bij het schrijven van zinnen. Hij moest deze uitdaging omarmen. Ik zeg het met opzet zo. Hij hoefde de dyslexie niet te overwinnen, hij moest ervan leren. Hij moest de muziek in de taal gaan horen. hij moest ervan leren. Hij moest de muziek in de taal gaan horen.
Artists also speak about how pushing up against the limits of what they can do, sometimes pushing into what they can't do, helps them focus on finding their own voice. The sculptor Richard Serra talks about how, as a young artist, he thought he was a painter, and he lived in Florence after graduate school. While he was there, he traveled to Madrid, where he went to the Prado to see this picture by the Spanish painter Diego Velázquez. It's from 1656, and it's called "Las Meninas," and it's the picture of a little princess and her ladies-in-waiting, and if you look over that little blonde princess's shoulder, you'll see a mirror, and reflected in it are her parents, the King and Queen of Spain, who would be standing where you might stand to look at the picture. As he often did, Velázquez put himself in this painting too. He's standing on the left with his paintbrush in one hand and his palette in the other.
Kunstenaars vertellen ook, hoe het opzoeken van de grens van hun kunnen en soms van wat ze niet kunnen, ze helpt met het focussen op het vinden van een eigen geluid. De beeldhouwer Richard Serra vertelt hoe hij, als jonge kunstenaar, dacht dat hij een schilder was. Na zijn universitaire opleiding woonde hij in Florence. In die tijd reisde hij naar Madrid, waar hij het Prado bezocht, om een schilderij van de Spaanse schilder Diego Vélazquez te bekijken. Het is uit 1656 en het heet 'Las Meninas'. Het is een schilderij van een prinsesje en haar hofdames. Als je over de schouder kijkt van dat blonde prinsesje, zie je een spiegel. Daarin reflecteren zich haar ouders, de koning en koningin van Spanje. Ze staan daar waar jullie zouden staan om het schilderij te bekijken. Vélazquez schilderde zichzelf er ook in, zoals hij vaker deed. Hij staat aan de linkerkant, met zijn penseel in de ene hand en zijn palet in de andere.
Richard Serra: I was standing there looking at it, and I realized that Velázquez was looking at me, and I thought, "Oh. I'm the subject of the painting." And I thought, "I'm not going to be able to do that painting." I was to the point where I was using a stopwatch and painting squares out of randomness, and I wasn't getting anywhere. So I went back and dumped all my paintings in the Arno, and I thought, I'm going to just start playing around.
Richard Serra: Ik stond ernaar te kijken en ik realiseerde me dat Vélazquez naar mìj keek. Ik dacht: Oh... ìk ben het onderwerp van het schilderij. Zo'n schilderij zal ik nooit kunnen maken. Ik zat in een fase waarin ik een stopwatch gebruikte bij het schilderen van willekeurige rechthoeken. Het leidde nergens toe. Dus gooide ik al mijn schilderijen in de Arno en besloot om gewoon maar wat te gaan spelen. Dus gooide ik al mijn schilderijen in de Arno en besloot om gewoon maar wat te gaan spelen.
JB: Richard Serra says that so nonchalantly, you might have missed it. He went and saw this painting by a guy who'd been dead for 300 years, and realized, "I can't do that," and so Richard Serra went back to his studio in Florence, picked up all of his work up to that point, and threw it in a river. Richard Serra let go of painting at that moment, but he didn't let go of art. He moved to New York City, and he put together a list of verbs — to roll, to crease, to fold — more than a hundred of them, and as he said, he just started playing around. He did these things to all kinds of material. He would take a huge sheet of lead and roll it up and unroll it. He would do the same thing to rubber, and when he got to the direction "to lift," he created this, which is in the Museum of Modern Art. Richard Serra had to let go of painting in order to embark on this playful exploration that led him to the work that he's known for today: huge curves of steel that require our time and motion to experience. In sculpture, Richard Serra is able to do what he couldn't do in painting. He makes us the subject of his art. So experience and challenge and limitations are all things we need to embrace for creativity to flourish.
JB: Hij zegt dat zo nonchalant, dat het je misschien is ontgaan. Hij ging een schilderij bekijken JB: Hij zegt dat zo nonchalant, dat het je misschien is ontgaan. Hij ging een schilderij bekijken van een man die al 300 jaar dood was en hij realiseerde zich: dat kan ik niet. Dus ging Richard Serra terug naar zijn atelier in Florence. Hij nam al het werk dat hij tot dan toe had gemaakt en gooide het in een rivier. Richard Serra liet op dat moment wel het schilderen los, maar niet de kunst. Hij verhuisde naar New York City en hij stelde een lijst van werkwoorden samen - rollen, kreuken, vouwen - meer dan honderd werkwoorden. Hij ging er mee spelen. Dit deed hij met allerlei materialen. Hij nam een enorme plaat lood, rolde die op en weer terug. Hetzelfde deed hij met rubber. Toen hij zich met 'optillen' ging bezighouden maakte hij dit, dat in het Museum of Modern Art staat. Richard Serra moest het schilderen loslaten om de speelse ontdekkingsreis te gaan ondernemen die leidde tot het werk waar hij nu bekend om staat: reusachtige stalen bogen waarvoor je tijd en beweging nodig hebt om ze te ervaren. In zijn sculpturen kan Richard Serra doen wat hij in zijn schilderijen niet kon doen. Hij maakt ons tot onderwerp van zijn kunst. Ondervinding, uitdaging en beperking zijn allemaal zaken die we moeten omarmen om creativiteit tot bloei te laten komen.
There's a fourth embrace, and it's the hardest. It's the embrace of loss, the oldest and most constant of human experiences. In order to create, we have to stand in that space between what we see in the world and what we hope for, looking squarely at rejection, at heartbreak, at war, at death. That's a tough space to stand in. The educator Parker Palmer calls it "the tragic gap," tragic not because it's sad but because it's inevitable, and my friend Dick Nodel likes to say, "You can hold that tension like a violin string and make something beautiful."
Er is nog een vierde omarming en dat is de moeilijkste. Dat is de omarming van het verlies, de oudste en meest constante van menselijke ervaringen. Om te kunnen creëren moeten we ergens gaan staan tussen dat wat we in de wereld zien en dat waar we op hopen. We moeten afwijzing, liefdesverdriet, oorlog en dood recht in het gezicht kijken. Dat is niet gemakkelijk. De onderwijskundige Parker Palmer noemt het 'de tragische kloof'. Niet omdat het treurig is, maar omdat het onvermijdelijk is. Mijn vriend Dick Nodel zegt altijd: 'Je kunt de spanning vasthouden als een vioolsnaar en er iets moois mee maken.'
That tension resonates in the work of the photographer Joel Meyerowitz, who at the beginning of his career was known for his street photography, for capturing a moment on the street, and also for his beautiful photographs of landscapes -- of Tuscany, of Cape Cod, of light. Joel is a New Yorker, and his studio for many years was in Chelsea, with a straight view downtown to the World Trade Center, and he photographed those buildings in every sort of light. You know where this story goes. On 9/11, Joel wasn't in New York. He was out of town, but he raced back to the city, and raced down to the site of the destruction.
Die spanning resoneert in het werk van fotograaf Joel Meyerowitz. Hij kreeg bekendheid met zijn straatfotografie, het vastleggen van momenten en met zijn prachtige landschapsfoto's; Toscane, Cape Cod, foto's van licht. Joel komt uit New York. Hij had jarenlang een studio in Chelsea, met rechtstreeks uitzicht op het World Trade Center. Hij fotografeerde die gebouwen in alle soorten licht. Je snapt al waar dit verhaal naartoe gaat. Op 11 september was Joel niet in New York, maar hij haastte zich terug naar de stad en naar de plaats van de verwoesting.
Joel Meyerowitz: And like all the other passersby, I stood outside the chain link fence on Chambers and Greenwich, and all I could see was the smoke and a little bit of rubble, and I raised my camera to take a peek, just to see if there was something to see, and some cop, a lady cop, hit me on my shoulder, and said, "Hey, no pictures!" And it was such a blow that it woke me up, in the way that it was meant to be, I guess. And when I asked her why no pictures, she said, "It's a crime scene. No photographs allowed." And I asked her, "What would happen if I was a member of the press?" And she told me, "Oh, look back there," and back a block was the press corps tied up in a little penned-in area, and I said, "Well, when do they go in?" and she said, "Probably never." And as I walked away from that, I had this crystallization, probably from the blow, because it was an insult in a way. I thought, "Oh, if there's no pictures, then there'll be no record. We need a record." And I thought, "I'm gonna make that record. I'll find a way to get in, because I don't want to see this history disappear."
Joel Meyerowitz: 'Ik stond in de menigte achter de afzetting op Chambers en Greenwich. Joel Meyerowitz: 'Ik stond in de menigte achter de afzetting op Chambers en Greenwich. Alles wat ik zag was rook en wat puin. Ik stak mijn camera omhoog om te kijken of er iets te zien was. Een vrouwelijke agent sloeg me op de schouder en zei: 'Hé, geen foto's!' Het was zo'n harde klap dat ik werd wakkergeschud. Waarschijnlijk moest het zo zijn. Toen ik vroeg waarom het niet mocht, zei ze: 'Het is een plaats delict. Verboden te fotograferen.' Ik vroeg: 'En als ik van de pers was?' Waarop ze zei: Ik vroeg: 'En als ik van de pers was?' Waarop ze zei: 'Oh, kijk maar eens achter je.' Een blok verder stond de verzamelde pers, op elkaar gepakt in een klein afgezet gebied. Ik zei: 'Wanneer mogen ze erin?' en zij zei: 'Waarschijnlijk nooit.' Terwijl ik wegliep werd het me ineens duidelijk. Waarschijnlijk door de klap, want dat was een soort aanval. Ik dacht: Oh, als er geen foto's zijn, dan wordt het niet vastgelegd. We mòeten dit vastleggen. En dat ga ìk doen. Ik ga er iets op vinden, want dit mogen we niet vergeten. Ik ga er iets op vinden, want dit mogen we niet vergeten.
JB: He did. He pulled in every favor he could, and got a pass into the World Trade Center site, where he photographed for nine months almost every day. Looking at these photographs today brings back the smell of smoke that lingered on my clothes when I went home to my family at night. My office was just a few blocks away. But some of these photographs are beautiful, and we wondered, was it difficult for Joel Meyerowitz to make such beauty out of such devastation?
JB: En zo gebeurde het. Hij klopte overal aan om hulp en kreeg een pas voor het WTC-terrein. 9 maanden lang fotografeerde hij er bijna iedere dag. Als ik nu naar deze foto's kijk ruik ik weer de rook die nog in mijn kleren hing als ik 's avonds thuiskwam. Mijn kantoor was maar een paar straten verder. Maar sommige foto's zijn prachtig. Was het voor Joel Meyerowitz eigenlijk moeilijk om uit iets wat zo verwoestend is, zoiets moois te maken?
JM: Well, you know, ugly, I mean, powerful and tragic and horrific and everything, but it was also as, in nature, an enormous event that was transformed after the fact into this residue, and like many other ruins — you go to the ruins of the Colosseum or the ruins of a cathedral someplace — and they take on a new meaning when you watch the weather. I mean, there were afternoons I was down there, and the light goes pink and there's a mist in the air and you're standing in the rubble, and I found myself recognizing both the inherent beauty of nature and the fact that nature, as time, is erasing this wound. Time is unstoppable, and it transforms the event. It gets further and further away from the day, and light and seasons temper it in some way, and it's not that I'm a romantic. I'm really a realist. The reality is, there's the Woolworth Building in a veil of smoke from the site, but it's now like a scrim across a theater, and it's turning pink, you know, and down below there are hoses spraying, and the lights have come on for the evening, and the water is turning acid green because the sodium lamps are on, and I'm thinking, "My God, who could dream this up?" But the fact is, I'm there, it looks like that, you have to take a picture.
JM: Nou, het was lelijk, ik bedoel... krachtig en tragisch en weerzinwekkend enzovoort, maar het was ook, net als in de natuur, een enorm gebeuren, waar naderhand dit restant van overbleef. Zoals zoveel andere ruïnes, die van het Colosseum of van een willekeurige kathedraal, krijgen ze een nieuwe betekenis wanneer je op het weer let. Op sommige middagen dat ik daar was, werd het licht roze en in de lucht hing een nevel. Terwijl ik daar stond temidden van het puin zag ik zowel de inherente schoonheid van de natuur als het feit dat de natuur, samen met de tijd, deze wond heelt. als het feit dat de natuur, samen met de tijd, deze wond heelt. De tijd staat niet stil en transformeert de gebeurtenis. We laten die dag steeds verder achter ons. Het licht en de seizoenen verzachten het iets. Toch ben ik geen romanticus, maar eigenlijk een realist. In realiteit staat het Woolworth Gebouw in een rooksluier van de rampplek, maar het lijkt op een transparant theaterdoek, dat roze verkleurt. In de diepte zijn brandspuiten aan het sproeien. De avondverlichting is aangegaan en het water wordt gifgroen door het licht van de sodiumlampen. En ik denk: mijn God, dit verzin je toch niet! Maar het is een feit, dat ik ter plekke zie hoe het eruit ziet. Dan móet je een foto maken.
JB: You have to take a picture. That sense of urgency, of the need to get to work, is so powerful in Joel's story. When I saw Joel Meyerowitz recently, I told him how much I admired his passionate obstinacy, his determination to push through all the bureaucratic red tape to get to work, and he laughed, and he said, "I'm stubborn, but I think what's more important is my passionate optimism."
JB: Dan móet je een foto maken Dat gevoel om hier en nu aan het werk te moeten is zo krachtig in Joels verhaal. Toen ik Joel Meyerowitz onlangs ontmoette, vertelde ik hem hoezeer ik zijn gepassioneerde koppigheid bewonderde, zijn vastbeslotenheid om de bureaucratie te doorbreken en aan het werk te gaan. Hij lachte en zei: 'Ik ben hardnekkig, maar mijn gepassioneerde optimisme is volgens mij belangrijker.' maar mijn gepassioneerde optimisme is volgens mij belangrijker.'
The first time I told these stories, a man in the audience raised his hand and said, "All these artists talk about their work, not their art, which has got me thinking about my work and where the creativity is there, and I'm not an artist." He's right. We all wrestle with experience and challenge, limits and loss. Creativity is essential to all of us, whether we're scientists or teachers, parents or entrepreneurs.
Toen ik dit voor het eerst vertelde, zei een man in het publiek: 'Al die kunstenaars praten over hun werk, niet over hun kunst. Dat zette me aan het denken over mìjn werk. Waar zit daar de creativiteit in en ik ben geen kunstenaar.' Hij heeft gelijk, we worstelen allemaal met ondervinding en uitdaging, beperkingen en verlies. Creativiteit is voor iedereen essentieel, of we nu wetenschappers, leerkrachten, ouders of ondernemers zijn. of we nu wetenschappers, leerkrachten, ouders of ondernemers zijn.
I want to leave you with another image of a Japanese tea bowl. This one is at the Freer Gallery in Washington, D.C. It's more than a hundred years old and you can still see the fingermarks where the potter pinched it. But as you can also see, this one did break at some point in its hundred years. But the person who put it back together, instead of hiding the cracks, decided to emphasize them, using gold lacquer to repair it. This bowl is more beautiful now, having been broken, than it was when it was first made, and we can look at those cracks, because they tell the story that we all live, of the cycle of creation and destruction, of control and letting go, of picking up the pieces and making something new. Thank you. (Applause)
Tot slot wil ik jullie nog een afbeelding van een Japanse theekom laten zien. Tot slot wil ik jullie nog een afbeelding van een Japanse theekom laten zien. Deze bevindt zich in de Freer Gallery in Washington D.C. Hij is meer dan 100 jaar oud en de vingerafdrukken van de pottenbakker zijn nog steeds zichtbaar. Maar je ziet ook, dat hij ergens in die 100 jaar een keer gebroken is geweest. Maar je ziet ook, dat hij ergens in die 100 jaar een keer gebroken is geweest. Degene die hem weer gerepareerd heeft, besloot echter om de barsten niet weg te werken, maar ze juist te benadrukken met behulp van goudlak. Deze kom is, nu hij gebroken is geweest, mooier dan toen hij nieuw was. Deze kom is, nu hij gebroken is geweest, mooier dan toen hij nieuw was. We kunnen de barsten zien, want zij vertellen ons dat we allemaal leven, We kunnen de barsten zien, want zij vertellen ons dat we allemaal leven, dat er een cirkel van creatie en vernietiging is, dat er controle en verlies is, dat je de brokstukken kunt oprapen en er iets nieuws uit maken. Dankjewel. (Applaus)