On my desk in my office, I keep a small clay pot that I made in college. It's raku, which is a kind of pottery that began in Japan centuries ago as a way of making bowls for the Japanese tea ceremony. This one is more than 400 years old. Each one was pinched or carved out of a ball of clay, and it was the imperfections that people cherished.
על שולחני במשרד, מונח כד חימר קטן שעשיתי בקולג'. זה ראקו, שהוא סוג של כלי קדרות שהחל ביפן לפני מאות שנים כדרך ליצירת קערות עבור טכס תה יפני, כד זה הוא בן יותר מ-400 שנה. כל אחד נצבט או נחרט מכדור חימר והאנשים הוקירו את חוסר השלמות.
Everyday pots like this cup take eight to 10 hours to fire. I just took this out of the kiln last week, and the kiln itself takes another day or two to cool down, but raku is really fast. You do it outside, and you take the kiln up to temperature. In 15 minutes, it goes to 1,500 degrees, and as soon as you see that the glaze has melted inside, you can see that faint sheen, you turn the kiln off, and you reach in with these long metal tongs, you grab the pot, and in Japan, this red-hot pot would be immediately immersed in a solution of green tea, and you can imagine what that steam would smell like. But here in the United States, we ramp up the drama a little bit, and we drop our pots into sawdust, which catches on fire, and you take a garbage pail, and you put it on top, and smoke starts pouring out. I would come home with my clothes reeking of woodsmoke.
קדרות יומיומית כמו ספל זה נזקקת ל- 8 עד 10 שעות שריפה. אני הוצאתי את זה מהכבשן רק בשבוע שעבר ולכבשן עצמו לוקח עוד יום או יומיים להתקרר, אבל ראקו הוא באמת מהיר. יוצרים אותו בחוץ, ומחממים את הכבשן לטמפרטורה הנכונה. ב-15 דקות הוא מגיע ל-1,500 מעלות, וברגע שרואים שהזיגוג נמס בפנים, ניתן לראות את הברק הקלוש, מכבים את הכבשן, ובעזרת מלקחיים ארוכים אלה ממתכת, תופסים את הקדירה, וביפן, קדירה אדומה לוהטת זו מוטבלת מיד בתמיסה של תה ירוק, ואתם יכולים לתאר לעצמכם איזה ריח יש לאדים אלה. אבל כאן בארה"ב, אנחנו מגבירים מעט את הדרמה, וזורקים את הקדרות שלנו לתוך נסורת, שנשרפת, ולוקחים דלי אשפה ומניחים מעל ועשן מתחיל לצאת החוצה. הייתי מגיעה הביתה עם בגדים ספוגים בריח עשן עצים.
I love raku because it allows me to play with the elements. I can shape a pot out of clay and choose a glaze, but then I have to let it go to the fire and the smoke, and what's wonderful is the surprises that happen, like this crackle pattern, because it's really stressful on these pots. They go from 1,500 degrees to room temperature in the space of just a minute.
אני אוהבת ראקו כי הוא מאפשר לי לשחק עם האלמנטים. אני יכולה לעצב קדרה מחרס ולבחור זיגוג, אבל אז אני צריכה להכניס אותה לאש ולעשן, ומה שנפלא זו ההפתעה שקורית, כמו אופן הפצפוץ הזה, משום שזה באמת מלחיץ בקדירות אלו. הם עוברים מטמפרטורה של 1,500 מעלות לטמפרטורת החדר בטווח של דקה בלבד.
Raku is a wonderful metaphor for the process of creativity. I find in so many things that tension between what I can control and what I have to let go happens all the time, whether I'm creating a new radio show or just at home negotiating with my teenage sons.
ראקו הוא מטפורה נפלאה לתהליך היצירתי. אני מוצאת בכל כך הרבה דברים את המתח הזה בין מה שאני יכולה לשלוט בו ובין מה מה שעלי לשחרר קורה כל הזמן, בין אם אני יוצרת תכנית רדיו חדשה או פשוט נשארת בבית כשאני נושאת ונותנת עם הילדים המתבגרים שלי.
When I sat down to write a book about creativity, I realized that the steps were reversed. I had to let go at the very beginning, and I had to immerse myself in the stories of hundreds of artists and writers and musicians and filmmakers, and as I listened to these stories, I realized that creativity grows out of everyday experiences more often than you might think, including letting go. It was supposed to break, but that's okay. (Laughter) (Laughs) That's part of the letting go, is sometimes it happens and sometimes it doesn't, because creativity also grows from the broken places.
כשהתישבתי לכתוב ספר על יצירתיות, הבנתי שהצעדים הם בכיוון הנגדי. הייתי צריכה לשחרר כבר בהתחלה, והייתי צריכה להשקיע את עצמי בסיפורים של מאות אמנים וסופרים ומוסיקאים וקולנוענים, ובעוד שהקשבתי לסיפורים אלה, הבנתי שיצירתיות צומחת הרבה יותר מתוך חוויות יומיומיות משהייתם חושבים, כולל להרפות. זה היה אמור להישבר. אבל זה בסדר, (צחוק) (צוחקת) חלק זה של להרפות, זה משהו שלעיתים קורה ולעיתים לא, משום שיצירתיות גם צומחת ממקומות שבורים.
The best way to learn about anything is through stories, and so I want to tell you a story about work and play and about four aspects of life that we need to embrace in order for our own creativity to flourish. The first embrace is something that we think, "Oh, this is very easy," but it's actually getting harder, and that's paying attention to the world around us. So many artists speak about needing to be open, to embrace experience, and that's hard to do when you have a lighted rectangle in your pocket that takes all of your focus.
הדרך הטובה ביותר ללמוד על משהו היא באמצעות סיפורים, ולכן אני רוצה לספר לכם סיפור על עבודה ומשחק ועל ארבעה הבטים של החיים שעלינו לאמץ כדי שהיצירתיות שלנו תפרח. הדבר הראשון שיש לאמץ הוא משהו שאנו חושבים, "הו, זה מאד קל," אבל זה למעשה נעשה יותר קשה, וזה לתת תשומת לב לעולם סביבנו. כל כך הרבה אמנים מדברים על הצורך להיות פתוח, לחבוק את החוויה, וזה קשה לעשות כאשר יש לך מלבן דולק בכיס שמוציא אותך מהפוקוס.
The filmmaker Mira Nair speaks about growing up in a small town in India. Its name is Bhubaneswar, and here's a picture of one of the temples in her town.
הקולנוענית מירה נאיר מדברת על לגדול בעיר קטנה בהודו, ששמה בובנשוואר, וכאן זהו צילום של אחד המקדשים בעיר.
Mira Nair: In this little town, there were like 2,000 temples. We played cricket all the time. We kind of grew up in the rubble. The major thing that inspired me, that led me on this path, that made me a filmmaker eventually, was traveling folk theater that would come through the town and I would go off and see these great battles of good and evil by two people in a school field with no props but with a lot of, you know, passion, and hashish as well, and it was amazing. You know, the folk tales of Mahabharata and Ramayana, the two holy books, the epics that everything comes out of in India, they say. After seeing that Jatra, the folk theater, I knew I wanted to get on, you know, and perform.
מירה נאיר: בעיר קטנה זו, היו כ-2000 מקדשים. שיחקנו קריקט כל הזמן. אנחנו גדלנו איכשהו בתוך חורבות. הדבר העיקרי שנתן לי השראה שהוביל אותי לדרך זו, שהפך אותי לקולנוענית בסופו של דבר, היה תיאטרון עממי נודד שהיה מגיע לעיר והייתי הולכת וצופה במלחמות גדולות אלו בין טוב לרע על ידי שני אנשים במגרש בית ספר ללא אביזרים אבל עם הרבה, אתם יודעים, להט, וחשיש גם כן, וזה היה מדהים. אתם יודעים סיפורי העם של מהבראטה ורמאיאנה, 2 ספרי הקודש, שירי העלילה שמהם מגיע הכל בהודו, כך אומרים. לאחר שראיתי את הג'אטרה, התיאטרון העממי, ידעתי שרציתי להמשיך הלאה, אתם יודעים ולהופיע.
Julie Burstein: Isn't that a wonderful story? You can see the sort of break in the everyday. There they are in the school fields, but it's good and evil, and passion and hashish. And Mira Nair was a young girl with thousands of other people watching this performance, but she was ready. She was ready to open up to what it sparked in her, and it led her, as she said, down this path to become an award-winning filmmaker. So being open for that experience that might change you is the first thing we need to embrace.
ג'ולי בורשטיין:האם זה לא סיפור נפלא? אתם יכולים לראות את סוג ההפסקה באמצע היומיום שם הם במגרשי בית הספר, אבל זה טוב ורע, ולהט וחשיש. ומירה נאיר היתה ילדה צעירה עם אלפי אנשים אחרים צופים בהופעה, אבל היא היתה מוכנה. היא היתה מוכנה להיפתח למה שהתעורר בקרבה, וזה הוביל אותה כפי שהיא אמרה לנתיב שהוליך אותה להיות קולנוענית עטורת פרסים. אז להיפתח לחוויה שעשויה לשנות אותך הוא הדבר הראשון שעלינו לאמץ.
Artists also speak about how some of their most powerful work comes out of the parts of life that are most difficult. The novelist Richard Ford speaks about a childhood challenge that continues to be something he wrestles with today. He's severely dyslexic.
אמנים מדברים גם על כך שאחדות מעבודותיהם העוצמתיות ביותר מגיעות מהארועים הקשים ביותר בחייהם. הסופר ריצא'רד פורד מדבר על אתגר ילדות שממשיך להיות משהו שאיתו הוא נאבק היום. הוא דיסלקטי באופן חמור.
Richard Ford: I was slow to learn to read, went all the way through school not really reading more than the minimum, and still to this day can't read silently much faster than I can read aloud, but there were a lot of benefits to being dyslexic for me because when I finally did reconcile myself to how slow I was going to have to do it, then I think I came very slowly into an appreciation of all of those qualities of language and of sentences that are not just the cognitive aspects of language: the syncopations, the sounds of words, what words look like, where paragraphs break, where lines break. I mean, I wasn't so badly dyslexic that I was disabled from reading. I just had to do it really slowly, and as I did, lingering on those sentences as I had to linger, I fell heir to language's other qualities, which I think has helped me write sentences.
ריצא'רד פורד: הייתי מאד איטי ביכולת הקריאה, עברתי את כל המסלול בבית הספר כשאינני קורא אלא את המינימום, ועד היום עדיין איני יכול לקרוא בשקט הרבה יותר מהר משאני יכול לקרוא בקול רם, אבל היו הרבה יתרונות עבורי בלהיות דיסלקטי כי כאשר סוף סוף קיבלתי את עובדת היותי כה איטי הייתי חייב לעשות זאת, ואז אני חושב שמאוד לאט התחלתי להעריך את כל התכונות האלה של השפה ושל משפטים שאינם רק הבטים קוגניטיביים של השפה: את הסינקופות, את הצלילים של המילים, כיצד מילים נראות, היכן הפסקאות מתנתקות, היכן שורות מתנתקות . זאת אומרת, שלא הייתי עד כדי כך דיסלקטי שהייתי לקויי קריאה. הייתי חייב פשוט לעשות את זה ממש לאט, וכשעשיתי זאת, כשאני מתעכב על משפטים אלה ככל שהצטרכתי להתעכב, הרגשתי שאני נוחל איכויות אחרות של השפה, מה שעזר לי, לדעתי לכתוב משפטים.
JB: It's so powerful. Richard Ford, who's won the Pulitzer Prize, says that dyslexia helped him write sentences. He had to embrace this challenge, and I use that word intentionally. He didn't have to overcome dyslexia. He had to learn from it. He had to learn to hear the music in language.
ג'.ב.: זה כל כך חזק. ריצ'רד פורד, שזכה בפרס פוליצר, אומר שהדיסלקציה עזרה לו לכתוב משפטים. הוא נאלץ לאמץ את האתגר הזה, ואני משתמשת במילה בכוונה. הוא לא היה צריך להתגבר על דיסלקציה. הוא היה צריך ללמוד ממנה. הוא נאלץ ללמוד לשמוע את המוסיקה שבשפה.
Artists also speak about how pushing up against the limits of what they can do, sometimes pushing into what they can't do, helps them focus on finding their own voice. The sculptor Richard Serra talks about how, as a young artist, he thought he was a painter, and he lived in Florence after graduate school. While he was there, he traveled to Madrid, where he went to the Prado to see this picture by the Spanish painter Diego Velázquez. It's from 1656, and it's called "Las Meninas," and it's the picture of a little princess and her ladies-in-waiting, and if you look over that little blonde princess's shoulder, you'll see a mirror, and reflected in it are her parents, the King and Queen of Spain, who would be standing where you might stand to look at the picture. As he often did, Velázquez put himself in this painting too. He's standing on the left with his paintbrush in one hand and his palette in the other.
אמנים מדברים לעיתים קרובות גם על האופן בו הם נדחקים מעלה אל מעבר לגבולות של מה שהם יכולים לעשות, לפעמים לדחוף לכיוון של מה שאינם יכולים לעשות, מסייעת להם להתמקד על מציאת קול משלהם. הפסל ריצ'רד סרה מספר איך הוא כאמן צעיר, חשב שהוא צייר, והתגורר בפירנצה לאחר סיום לימודיו.. בזמן שהוא היה שם, הוא נסע למדריד, והלך לפראדו כדי לראות ציור זה מאת הצייר הספרדי דייגו ולאסקז. הוא מ-1656, ונקראת "לאס מנינאס" (הילדות) וזה ציור של נסיכה קטנה והמשרתות האישיות שלה, ואם תתבוננו על הכתף של הנסיכה הבלונדינית הקטנה, תראו מראה, והמשתקפים בה הם הוריה, המלך והמלכה של ספרד,שהיו עומדים במקום שבו אתם עשויים לעמוד כדי להסתכל בציור. כפי שעשה לעתים קרובות, ולאסקז שם את עצמו בציור זה גם. הוא עומד בצד שמאל עם מברשת הצבע שלו ביד אחת ולוח הצבעים בשניה.
Richard Serra: I was standing there looking at it, and I realized that Velázquez was looking at me, and I thought, "Oh. I'm the subject of the painting." And I thought, "I'm not going to be able to do that painting." I was to the point where I was using a stopwatch and painting squares out of randomness, and I wasn't getting anywhere. So I went back and dumped all my paintings in the Arno, and I thought, I'm going to just start playing around.
ריצ'רד סרה: עמדתי שם והסתכלתי עליה, והבנתי שולאסקז מסתכל עליי, וחשבתי, "הו אני הוא הנושא של הציור." וחשבתי: "אני לא אהיה מסוגל לצייר ציור זה." הייתי בנקודה שבה הייתי משתמש בשעון עצר וציירתי ריבועים באקראיות, ולא הגעתי לשום מקום. אז חזרתי, וזרקתי את כל הציורים שלי לארנו, וחשבתי, ואני הולך פשוט רק להתחיל להשתעשע.
JB: Richard Serra says that so nonchalantly, you might have missed it. He went and saw this painting by a guy who'd been dead for 300 years, and realized, "I can't do that," and so Richard Serra went back to his studio in Florence, picked up all of his work up to that point, and threw it in a river. Richard Serra let go of painting at that moment, but he didn't let go of art. He moved to New York City, and he put together a list of verbs — to roll, to crease, to fold — more than a hundred of them, and as he said, he just started playing around. He did these things to all kinds of material. He would take a huge sheet of lead and roll it up and unroll it. He would do the same thing to rubber, and when he got to the direction "to lift," he created this, which is in the Museum of Modern Art. Richard Serra had to let go of painting in order to embark on this playful exploration that led him to the work that he's known for today: huge curves of steel that require our time and motion to experience. In sculpture, Richard Serra is able to do what he couldn't do in painting. He makes us the subject of his art. So experience and challenge and limitations are all things we need to embrace for creativity to flourish.
ג'.ב: ריצ'רד סרה אומר זאת בשוויון נפש גמור, ייתכן שהחמצתם את זה. הוא הלך וראה את הציור הזה של מישהו שמת כבר לפני 300 שנה, והבין, "אני לא יכול לעשות את זה", וכך ריצ'רד סרה חזר לסטודיו שלו בפירנצה, לקח את כל העבודות שעשה עד עכשיו, וזרק אותם לנהר. ריצ'רד סרה הירפה מהציור באותו רגע, אבל הוא לא הירפה מהאמנות. הוא עבר לניו יורק, והרכיב רשימה של פעלים — לגלגל, לקמט, לקפל — יותר ממאה מהם, וכפי שהוא אמר, הוא פשוט התחיל להשתעשע לתומו. הוא עשה את הדברים האלה על כל סוגי חומר. הוא היה לוקח גיליון עופרת ענק מגלגל אותו, פורש אותו. ועשה את אותו דבר על גומי, וכאשר הגיע להוראה "הרם," הוא יצר את זה, שמוצג במוזיאון לאמנות מודרנית. ריצ'רד סרה נאלץ לוותר על הציור כדי לצאת למסע תגליות שובבני זה שהוביל אותו לעבודה שבזכותה הוא ידוע היום: עקומות ענק של פלדה שדורשות מאיתנו זמן ותנועה כדי לזכות בחוויה. בפיסול ריצ'רד סרה מסוגל לעשות את מה שהוא לא יכול היה לעשות בציור. הוא הופך אותנו לנושא של האמנות שלו. לכן חוויה ואתגר ומגבלות הם כולם דברים שאנחנו צריכים לאמץ כדי לאפשר ליצירתיות לפרוח.
There's a fourth embrace, and it's the hardest. It's the embrace of loss, the oldest and most constant of human experiences. In order to create, we have to stand in that space between what we see in the world and what we hope for, looking squarely at rejection, at heartbreak, at war, at death. That's a tough space to stand in. The educator Parker Palmer calls it "the tragic gap," tragic not because it's sad but because it's inevitable, and my friend Dick Nodel likes to say, "You can hold that tension like a violin string and make something beautiful."
ישנו דבר רביעי שיש לאמץ, וזה הכי קשה. זהו אימוץ של אובדן, העתיקה והרצופה ביותר של החוויות האנושיות. כדי ליצור, עלינו לעמוד במרווח שבין מה שאנחנו רואים בעולם לבין מה שאנחנו מקווים לו להתבונן בכנות בדחייה, בשברון לב, במלחמה, במוות. זהו מרחב שקשה לעמוד בו. המחנך פרקר פאלמר מכנה זאת "הפער הטראגי" טראגי לא מפני שזה עצוב, אלא מפני שהוא בלתי נמנע, וידידי דיק נודל אוהב לומר, "אתה יכול להחזיק במתח זה כמו במיתר של כינור ולעשות משהו יפה."
That tension resonates in the work of the photographer Joel Meyerowitz, who at the beginning of his career was known for his street photography, for capturing a moment on the street, and also for his beautiful photographs of landscapes -- of Tuscany, of Cape Cod, of light. Joel is a New Yorker, and his studio for many years was in Chelsea, with a straight view downtown to the World Trade Center, and he photographed those buildings in every sort of light. You know where this story goes. On 9/11, Joel wasn't in New York. He was out of town, but he raced back to the city, and raced down to the site of the destruction.
מתח זה מהדהד בעבודתו של הצלם ג'ואל מיירוביץ, שבתחילת הקריירה שלו היה ידוע בשל צילומי הרחוב שלו, עבור לכידת רגע ברחוב, וגם בשל צילומיו היפים של נופי - טוסקנה, של קייפ קוד, של אור. ג'ואל הוא ניו יורקי, והסטודיו שלו במשך שנים רבות היה בצ'לסי, עם מראה של דאונטאון למרכז הסחר העולמי, והוא צילם מבנים אלה בכל סוג של אור. אתם יודעים לאן הסיפור הזה הולך. ב- 9/11,ג'ואל לא היה בניו יורק. הוא היה מחוץ לעיר, אבל הוא טס חזרה לעיר, דהר לאתר של ההרס.
Joel Meyerowitz: And like all the other passersby, I stood outside the chain link fence on Chambers and Greenwich, and all I could see was the smoke and a little bit of rubble, and I raised my camera to take a peek, just to see if there was something to see, and some cop, a lady cop, hit me on my shoulder, and said, "Hey, no pictures!" And it was such a blow that it woke me up, in the way that it was meant to be, I guess. And when I asked her why no pictures, she said, "It's a crime scene. No photographs allowed." And I asked her, "What would happen if I was a member of the press?" And she told me, "Oh, look back there," and back a block was the press corps tied up in a little penned-in area, and I said, "Well, when do they go in?" and she said, "Probably never." And as I walked away from that, I had this crystallization, probably from the blow, because it was an insult in a way. I thought, "Oh, if there's no pictures, then there'll be no record. We need a record." And I thought, "I'm gonna make that record. I'll find a way to get in, because I don't want to see this history disappear."
ג'ואל מיירוביץ:, וכמו כל עוברי האורח האחרים, עמדתי מחוץ לגדר השלשלאות בצ'יימברס וגריניץ, וכל שיכולתי לראות היה העשן ומעט הריסות, והרמתי את המצלמה שלי כדי להעיף מבט, רק כדי לראות אם היה משהו לראות, ושוטרת אחת , הכתה אותי בכתף, ואמרה, "היי, שום צילומים!" וזו היתה מכה כזאת שהעירה אותי, כפי שזה היה אמור להיות, אני חושב. כששאלתי אותה למה לא לצלם, היא אמרה, "זוהי זירת הפשע. הצילום אסור." שאלתי אותה, "מה היה קורה אם הייתי נציג עיתונות?" והיא אמרה לי, "הו, תסתכל שם", ובלוק אחד אחורה היו כל אנשי העיתונות כלואים באזור סגור קטן, ואמרתי, "טוב, מתי הם נכנסים?" והיא אמרה: " כנראה לעולם לא." וכשהתרחקתי משם, התגבשה בי החלטה. כנראה מהמכה, כי זה היה סוג של עלבון . חשבתי, "הו, אם אסור לצלם , ן לא יהיו עדויות לאחר מכן. אנחנו צריכים עדויות". וחשבתי, "אני הולך להביא את העדויות. אני אמצא את הדרך להיכנס, כי אני לא רוצה לראות שהיסטוריה זו נעלמת".
JB: He did. He pulled in every favor he could, and got a pass into the World Trade Center site, where he photographed for nine months almost every day. Looking at these photographs today brings back the smell of smoke that lingered on my clothes when I went home to my family at night. My office was just a few blocks away. But some of these photographs are beautiful, and we wondered, was it difficult for Joel Meyerowitz to make such beauty out of such devastation?
ג'.ב: הוא עשה זאת. הוא משך בכל החוטים שהיה באפשרותו וקיבל אישור מעבר לתוך אתר מרכז הסחר העולמי, וצילם שם במשך תשעה חודשים כמעט כל יום. התבוננות בצילומים אלה היום מחזיר את ריח העשן שנספג בבגדים שלי כשחזרתי הביתה למשפחה שלי בלילה. המשרד שלי היה רק במרחק של כמה רחובות משם. אבל אחדים מהתצלומים האלה הם יפים, והתפלאנו, האם זה היה קשה עבור ג'ואל מיירוביץ ליצור יופי כזה מחורבן שכזה?
JM: Well, you know, ugly, I mean, powerful and tragic and horrific and everything, but it was also as, in nature, an enormous event that was transformed after the fact into this residue, and like many other ruins — you go to the ruins of the Colosseum or the ruins of a cathedral someplace — and they take on a new meaning when you watch the weather. I mean, there were afternoons I was down there, and the light goes pink and there's a mist in the air and you're standing in the rubble, and I found myself recognizing both the inherent beauty of nature and the fact that nature, as time, is erasing this wound. Time is unstoppable, and it transforms the event. It gets further and further away from the day, and light and seasons temper it in some way, and it's not that I'm a romantic. I'm really a realist. The reality is, there's the Woolworth Building in a veil of smoke from the site, but it's now like a scrim across a theater, and it's turning pink, you know, and down below there are hoses spraying, and the lights have come on for the evening, and the water is turning acid green because the sodium lamps are on, and I'm thinking, "My God, who could dream this up?" But the fact is, I'm there, it looks like that, you have to take a picture.
ג'.מ: ובכן, אתם יודעים, מכוער, אני מתכוון, רב-עוצמה טראגי, זוועתי והכל, אבל זה היה גם כמו, בטבע, אירוע ענק שנהפך לאחר המעשה לשרידים אלה, וכמו חורבות רבות אחרות — אתם הולכים לשרידי הקולוסיאום או לחורבות קתדרלה במקום כלשהו — והם מקבלים משמעות חדשה כאשר אתה צופה במזג האוויר. זאת אומרת, היו ימים אחר הצהריים שהייתי שם למטה, והאור נעשה ורוד ויש ערפל באוויר ואתה ניצב בהריסות ומצאתי את עצמי מזהה גם את היופי הגלום בטבע ואת העובדה שהטבע, כמו הזמן, מוחק את הפצע הזה. לא ניתן לעצור את הזמן, והוא משנה את האירוע הוא מתרחק יותר ויותר מהיום, והאור ועונות השנה ממתנים אותו בדרך כלשהי, וזה לא כי אני רומנטי. אני באמת ריאליסט. המציאות היא, ישנו בניין וולוורת במסך עשן מהאתר, אבל הוא כולל כעת כמו מסך סקרים בתיאטרון והוא משתנה לורוד, אתם יודעים, ושם למטה נמצאים צינורות הריסוס, והאורות שנדלקים לקראת הערב, והמים הופכים לירוק חד בגלל שמנורות הנתרן דולקות, ואני חושב, "אלוהים, מי היה יכול לדמיין את זה?" אבל העובדה היא, אני שם, זה נראה ככה, צריך לצלם תמונה.
JB: You have to take a picture. That sense of urgency, of the need to get to work, is so powerful in Joel's story. When I saw Joel Meyerowitz recently, I told him how much I admired his passionate obstinacy, his determination to push through all the bureaucratic red tape to get to work, and he laughed, and he said, "I'm stubborn, but I think what's more important is my passionate optimism."
ג'.ב. אתה צריך לצלם תמונה. יש תחושה של דחיפות, של הצורך להגיע לעבודה, הוא כל כך חזק בסיפור של ג'ואל. כאשר פגשתי את ג'ואל מיירוביץ לאחרונה, אמרתי לו כמה הערצתי את עקשנותו הנלהבת, את הנחישות שלו לפלס דרך מבעד לכל הסחבת הבירוקרטית כדי לעבוד, והוא צחק ואמר, "אני עקשן, אבל מה שיותר חשוב לדעתי היא האופטימיות הנלהבת שלי."
The first time I told these stories, a man in the audience raised his hand and said, "All these artists talk about their work, not their art, which has got me thinking about my work and where the creativity is there, and I'm not an artist." He's right. We all wrestle with experience and challenge, limits and loss. Creativity is essential to all of us, whether we're scientists or teachers, parents or entrepreneurs.
בפעם הראשונה שסיפרתי סיפורים אלה, אדם אחד בקהל הרים את ידו ואמר "כל האמנים האלה מדברים על עבודתם, לא על האמנות שלהם, מה שגרם לי לחשוב על העבודה שלי, והיכן נמצאת בה היצירתיות , ואני לא אמנית." הוא צודק. כולנו נאבקים עם חוויות ואתגרים, מוגבלויות ואובדן. יצירתיות חיונית לכולנו, בין אם אנחנו מדענים או מורים, הורים או יזמים.
I want to leave you with another image of a Japanese tea bowl. This one is at the Freer Gallery in Washington, D.C. It's more than a hundred years old and you can still see the fingermarks where the potter pinched it. But as you can also see, this one did break at some point in its hundred years. But the person who put it back together, instead of hiding the cracks, decided to emphasize them, using gold lacquer to repair it. This bowl is more beautiful now, having been broken, than it was when it was first made, and we can look at those cracks, because they tell the story that we all live, of the cycle of creation and destruction, of control and letting go, of picking up the pieces and making something new. Thank you. (Applause)
אני רוצה להשאיר אתכם עם תמונה אחרת של קערה תה יפנית. היא מוצגת בגלרית פרייר בוושינגטון די.סי. היא בת יותר ממאה שנה, ועדיין ניתן לראות את סימני האצבעות של הקדר שעיצב אותה.. אבל כפי שאתם יכולים גם לראות , היא נשברה בשלב כלשהו במהלך מאת השנים. אבל מי שהדביק אותה חזרה, במקום להסתיר את הסדקים, החליט להדגיש אותם, בהשתמשו בלכת זהב כדי לתקן אותה. קערה זו היא יותר יפה עכשיו, לאחר שנשברה, מאשר היתה כאשר יוצרה לראשונה, ואפשר להתבונן בסדקים אלה, מכיוון שהם מספרים את הסיפור שכולנו חיים, של מחזור יצירה והרס, של שליטה, ושל שחרור, של לאסוף את השברים וליצור משהו חדש. תודה. (מחיאות כפיים)