أحتفظ على طاولة مكتبي بآنية فخارية صنعتها في الجامعة. تدعى "راكو"، هو نوع من الفخار ظهر أول مرة باليابان منذ عصور، كطريقة لصنع أواني طقوس الشاي اليابانية. هذه عمرها أكثر من 400 سنة. كل قطعة نحتت و شُكلت من كرة طين، وعيوبها كانت سبب إعجاب الناس بها.
On my desk in my office, I keep a small clay pot that I made in college. It's raku, which is a kind of pottery that began in Japan centuries ago as a way of making bowls for the Japanese tea ceremony. This one is more than 400 years old. Each one was pinched or carved out of a ball of clay, and it was the imperfections that people cherished.
يتطلب فنجان الإستخدام اليومي من 8 إلى 10 ساعات بالفرن. لقد أخذت هذه من الفرن الأسبوع الماضي، والفرن يحتاج ليوم أو يومين آخرين ليبرد، لكن "راكو" سريع للغاية، تصنعه خارج الفرن الذي يسخن ل 1500 درجة خلال 15 دقيقة، وبمجرد أن تذوب الطبقة الزجاجية بالداخل وتلاحظون بريق خافت، أطفئوا الفرن، وأدخلوا هذه الملاقيط المعدنية الطويلة، التقطوا الآنية. في اليابان يغمر الإناء المشتعل حمرة مباشرة بمحلول من الشاي الأخضر، ويمكنكم تخيل رائحة البخار. أما هنا بالولايات المتحدة، نختصر الدراما نوعاً ما، فنقوم بتبريد الإناء بنشارة الخشب، والتي تشتعل بسبب الحرارة، فنقوم بتغطيته بدلو للنفايات، ليبدأ الدخان بالتصاعد. فآعود للمنزل بملابس تفوح برائحة الخشب المحروق.
Everyday pots like this cup take eight to 10 hours to fire. I just took this out of the kiln last week, and the kiln itself takes another day or two to cool down, but raku is really fast. You do it outside, and you take the kiln up to temperature. In 15 minutes, it goes to 1,500 degrees, and as soon as you see that the glaze has melted inside, you can see that faint sheen, you turn the kiln off, and you reach in with these long metal tongs, you grab the pot, and in Japan, this red-hot pot would be immediately immersed in a solution of green tea, and you can imagine what that steam would smell like. But here in the United States, we ramp up the drama a little bit, and we drop our pots into sawdust, which catches on fire, and you take a garbage pail, and you put it on top, and smoke starts pouring out. I would come home with my clothes reeking of woodsmoke.
أحب "راكو" لأنه يسمح لي باللعب بالعناصر. يمكنني تشكيل آنية من الطين واختيار الطلاء، ولكن بعدها علي تركها في النار والدخان، والرائع فيه، هي المفاجآت التي تحدث، كهذا النمط المتشقق، فهو مثير للتوتر في هذه الأواني. وحرارتها تنزل من 1500 درجة إلى حرارة محيطها خلال دقيقة تقريباً.
I love raku because it allows me to play with the elements. I can shape a pot out of clay and choose a glaze, but then I have to let it go to the fire and the smoke, and what's wonderful is the surprises that happen, like this crackle pattern, because it's really stressful on these pots. They go from 1,500 degrees to room temperature in the space of just a minute.
"راكو" هو تعبير رائع عن عملية الإبداع. وجدت في الكثير من المجالات ذلك التجاذب بين ما يمكنني التحكم به وما يجدر بي تركه يجري بحرية دائما، سواء عندما أبتكر برنامج إذاعي أو بالمنزل خلال نقاشي مع أبنائي المراهقين.
Raku is a wonderful metaphor for the process of creativity. I find in so many things that tension between what I can control and what I have to let go happens all the time, whether I'm creating a new radio show or just at home negotiating with my teenage sons.
عندما جلست لكتابة كتاب عن الإبداع، تنبهت إلى أن المراحل كانت معكوسة. كان علي التخلي عن التحكم منذ البداية، وأن أغرق نفسي بقصص المئات من الفنانين والكتاب والموسيقيين والمخرجين، وباستماعي لتلك القصص، أدركت أن الإبداع يولد من التجارب اليومية أكثر مما نعتقد، بما في ذلك التخلي عن التحكم. كان من المفترض أن ينكسر، لكنه لم يفعل. (ضحك) (ضحك) هذا جزء من التخلي عن التحكم، فقد تحدث أحيانا وفي أخرى لا تحدث، لأن الإبداع يولد أيضا من الإنكسارات.
When I sat down to write a book about creativity, I realized that the steps were reversed. I had to let go at the very beginning, and I had to immerse myself in the stories of hundreds of artists and writers and musicians and filmmakers, and as I listened to these stories, I realized that creativity grows out of everyday experiences more often than you might think, including letting go. It was supposed to break, but that's okay. (Laughter) (Laughs) That's part of the letting go, is sometimes it happens and sometimes it doesn't, because creativity also grows from the broken places.
القصص هي أفضل طريقة لتعلم أي شيء، لذلك أود أن أحكي لكم قصة حول العمل واللعب وحول 4 جوانب للحياة نحن بحاجة لتبنيها حتى يزدهر إبداعنا. أول شئ يجعلنا نقول، "ما أسهل هذا،" ولكن إنه أصبح أصعب حالياً، وهذا هو الإنتباه للعالم من حولنا. الكثير من الفنانين يتحدثون عن الحاجة لأن نكون منفتحين، لعيش التجربة، والقيام بهذا صعب عندما يكون لديكم مستطيل مضيء في جيبكم لأنه سيستحوذ على كل تركيزكم.
The best way to learn about anything is through stories, and so I want to tell you a story about work and play and about four aspects of life that we need to embrace in order for our own creativity to flourish. The first embrace is something that we think, "Oh, this is very easy," but it's actually getting harder, and that's paying attention to the world around us. So many artists speak about needing to be open, to embrace experience, and that's hard to do when you have a lighted rectangle in your pocket that takes all of your focus.
تتحدث المخرجة ميرا نير عن نشأتها بمدينة صغيرة بالهند تدعى بوبانسوار وهذه صورة لأحد معابد مدينتها.
The filmmaker Mira Nair speaks about growing up in a small town in India. Its name is Bhubaneswar, and here's a picture of one of the temples in her town.
ميرا نير: كانت بهذه المدينة الصغيرة حوالي 2000 معبد. كنا نلعب الكريكت دائما. نحن نوعا ما كبرنا بين الأنقاض. أكبر شيء ألهمني، وقادني في هذا الطريق، وجعلني بالنهاية مخرجة، هو المسرح الشعبي المتجول الذي مر من المدينة فكنت أخرج وأشاهد تلك الملاحم بين الخير والشر يؤديها شخصين بساحة المدرسة دون أي أكسسوارات ولكن بشغف، ومخدر الحشيش أيضا، وكان ذلك رائعا. كالقصص الشعبية لماهابهاراتا ورامايانا، الكتابين المقدسين، الملاحم التي ينبع منها كل شيء بالهند، كما يقولون.بعد مشاهدة جاترا أو المسرح الشعبي، علمت أني أريد المشاركة والتمثيل.
Mira Nair: In this little town, there were like 2,000 temples. We played cricket all the time. We kind of grew up in the rubble. The major thing that inspired me, that led me on this path, that made me a filmmaker eventually, was traveling folk theater that would come through the town and I would go off and see these great battles of good and evil by two people in a school field with no props but with a lot of, you know, passion, and hashish as well, and it was amazing. You know, the folk tales of Mahabharata and Ramayana, the two holy books, the epics that everything comes out of in India, they say. After seeing that Jatra, the folk theater, I knew I wanted to get on, you know, and perform.
جولي بورستين: أليست قصة رائعة؟ قد تمرون بلحظات صدق مع النفس في أي يوم. جميعهم هنا بساحة المدرسة، ولكن الخير والشر، والشغف والحشيش. وميرا نير كانت ما تزال طفلة مع المئات من الأشخاص الآخرين يشاهدون تلك المسرحية، ولكنها كانت مستعدة. كانت مستعدة للانفتاح على الشرارة التي اتقدت داخلها والتي قادتها، كما تقول، للسير بهذا الطريق لتصبح مخرجة حائزة على جوائز. الانفتاح على التجربة التي قد تغيرك هو أول شيء يجب أن نتبناه.
Julie Burstein: Isn't that a wonderful story? You can see the sort of break in the everyday. There they are in the school fields, but it's good and evil, and passion and hashish. And Mira Nair was a young girl with thousands of other people watching this performance, but she was ready. She was ready to open up to what it sparked in her, and it led her, as she said, down this path to become an award-winning filmmaker. So being open for that experience that might change you is the first thing we need to embrace.
الفنانين أيضا يتحدثون كيف أن بعض أقوى أعمالهم استوحوها من نواحي الحياة الصعبة. يتحدث الروائي ريتشارد فورد عن واحدة من تحديات طفولته التي مازال يصارعها حتى اليوم. وهو عسر قراءة شديد.
Artists also speak about how some of their most powerful work comes out of the parts of life that are most difficult. The novelist Richard Ford speaks about a childhood challenge that continues to be something he wrestles with today. He's severely dyslexic.
ريتشارد فورد: كنت بطيء التعلم والقراءة، خلال مساري الدراسي لم أقرأ أكثر من الحد الأدنى، ومازلت حتى اليوم لا أستطيع القراءة صامتاً أسرع بكثير من قراءتي بالجهر، ولكن كوني مصاب بعسر القراءة كان شيئا مفيدا لي ففي النهاية عندما اعتادت نفسي البطء الذي كان علي القراءة به، أعتقد أني شيئا فشيئا بدأت أدرك كل مميزات اللغة والجمل التي لا تنحصر فقط بالجانب الإدراكي باللغة: الوتيرة أو أصوات الكلمات، شكل الكلمات وحيث تقف الفقرات، أين تنتهي السطور. أعني، لم أكن مصاب بعسر قراءة شديد لكي لا أتمكن من القراءة. كان فقط علي القيام بذلك ببطء شديد، وكما أفعل، بالانكباب المطول على الجمل بالشكل الكافي، بدأت أشعر أني أرث ميزات أخرى للغة، والتي أعتقد أنها ساعدتني على كتابة الجمل.
Richard Ford: I was slow to learn to read, went all the way through school not really reading more than the minimum, and still to this day can't read silently much faster than I can read aloud, but there were a lot of benefits to being dyslexic for me because when I finally did reconcile myself to how slow I was going to have to do it, then I think I came very slowly into an appreciation of all of those qualities of language and of sentences that are not just the cognitive aspects of language: the syncopations, the sounds of words, what words look like, where paragraphs break, where lines break. I mean, I wasn't so badly dyslexic that I was disabled from reading. I just had to do it really slowly, and as I did, lingering on those sentences as I had to linger, I fell heir to language's other qualities, which I think has helped me write sentences.
هذا مذهل. ريتشارد فورد، الفائز بجائزة بوليتزر، قال أن عسر القراءة ساعده على كتابة الجمل. كان عليه تبنى هذا التحدي، وأستخدم هذه الكلمة عن قصد. لم يكن عليه تخطي عسر القراءة. كان عليه التعلم منها. وأن يقرأ ويسمع الموسيقى في اللغة.
JB: It's so powerful. Richard Ford, who's won the Pulitzer Prize, says that dyslexia helped him write sentences. He had to embrace this challenge, and I use that word intentionally. He didn't have to overcome dyslexia. He had to learn from it. He had to learn to hear the music in language.
يتحدث الفنانون أيضا عن الوصول لحدود ما يمكنهم فعله، بل أحيانا إلى حد ما لا يستطيعون فعله، ما يساعدهم على التركيز لإيجاد صوتهم الخاص. يتحدث النحات ريتشارد سييرا مبيناً، أنه عندما كان فنانا شابا، كان يرى نفسه رساما، وعاش في فلورنسا بعد تخرجه من الجامعة. خلال تلك الفترة سافر إلى مدريد، حيث ذهب لمتحف ديل برادو لرؤية لوحة للرسام الإسباني دييغو فيلاثكيث. رسمها في 1656 وتدعى "لاس مينيناس،" وهي صورة لأميرات صغيرات ووصيفاتهن، وإن تمعنتم خلف كتف الأميرة الصغيرة الشقراء، يمكنكم رؤية مرآة تعكس والديها، ملك وملكة إسبانيا، الذين ربما يقفان حيث تقفون أنتم للنظر إلى الصورة. كما كان يفعل غالبا، وضع فيلاثكيث نفسه أيضا بالصورة. إنه يقف في اليسار مع ريشته في يد ولوحة الألوان بالأخرى
Artists also speak about how pushing up against the limits of what they can do, sometimes pushing into what they can't do, helps them focus on finding their own voice. The sculptor Richard Serra talks about how, as a young artist, he thought he was a painter, and he lived in Florence after graduate school. While he was there, he traveled to Madrid, where he went to the Prado to see this picture by the Spanish painter Diego Velázquez. It's from 1656, and it's called "Las Meninas," and it's the picture of a little princess and her ladies-in-waiting, and if you look over that little blonde princess's shoulder, you'll see a mirror, and reflected in it are her parents, the King and Queen of Spain, who would be standing where you might stand to look at the picture. As he often did, Velázquez put himself in this painting too. He's standing on the left with his paintbrush in one hand and his palette in the other.
ريتشارد سيرا: كنت أقف هناك أنظر إليها، وأدركت أن فيلاثكيث كان ينظر إلي، فقلت لنفسي، "أنا موضوع الصورة!" وفكرت،"لن أكون قادرا على رسم مثل هذه الصورة." وصلت إلى درجة أني استخدمت ساعة التوقيف ورسمت مربعات بشكل عشوائي، لم استطع انجاز شئ ، لذا عدت ورميت كل لوحاتي بنهر أرنو، فقلت لنفسي، سأبدأ باللعب فقط.
Richard Serra: I was standing there looking at it, and I realized that Velázquez was looking at me, and I thought, "Oh. I'm the subject of the painting." And I thought, "I'm not going to be able to do that painting." I was to the point where I was using a stopwatch and painting squares out of randomness, and I wasn't getting anywhere. So I went back and dumped all my paintings in the Arno, and I thought, I'm going to just start playing around.
قالها رتشارد سيرا بلا مبالاة، قد تكون مرت عليكم مرور الكرام. ذهب وشاهد هذه اللوحة لشخص توفي منذ 300 سنة، وأدرك، "لا أستطيع القيام بذلك،" وعاد ريتشارد سيرا إلى مرسمه بفلورنسا، جمع كل أعماله التي رسمها حتى ذلك الوقت، ورماها بنهر. في ذلك الوقت ترك ريتشارد سيرا الرسم ولكن لم يترك الفن. ورحل إلى نيويورك، ووضع قائمة أفعال -- لفَّ، جَعَّدَ، ثَنْي -- أكثر من مائة فعل، وكما قال، لقد بدء فقط باللعب. فبدأ يطبق هذ الأفعال على كل أنواع المواد. أخذ صفيحة من الرصاص ولفها ثم فكها. وقام بنفس الشيء بالمطاط، وعندما وصل إلى "رفع،" ابتكر التالي، والموجود بمتحف الفنون المعاصر. كان على ريتشارد سيرا أن يترك الرسم ليبدأ في هذا الاستكشاف الممتع والذي قاده إلى العمل الذي جعله مشهورا اليوم: تلك المنحنيات الضخمة من الصلب التي تتطلب وقتنا ومشاعرنا للتجربة. في النحت، ريتشارد قادر على فعل ما لا يستطيعه في الرسم. إنه يجعل منا نحن موضوعا لفنه. إذا التجربة والتحدي والحدود هي كل ما نحتاج تبنيه ليزدهر الإبداع.
JB: Richard Serra says that so nonchalantly, you might have missed it. He went and saw this painting by a guy who'd been dead for 300 years, and realized, "I can't do that," and so Richard Serra went back to his studio in Florence, picked up all of his work up to that point, and threw it in a river. Richard Serra let go of painting at that moment, but he didn't let go of art. He moved to New York City, and he put together a list of verbs — to roll, to crease, to fold — more than a hundred of them, and as he said, he just started playing around. He did these things to all kinds of material. He would take a huge sheet of lead and roll it up and unroll it. He would do the same thing to rubber, and when he got to the direction "to lift," he created this, which is in the Museum of Modern Art. Richard Serra had to let go of painting in order to embark on this playful exploration that led him to the work that he's known for today: huge curves of steel that require our time and motion to experience. In sculpture, Richard Serra is able to do what he couldn't do in painting. He makes us the subject of his art. So experience and challenge and limitations are all things we need to embrace for creativity to flourish.
وهناك متبنى رابع ،وهو الأصعب. هو تبني الخسارة، المرافق الأقدم و الدائم لتجارب الإنسان. في الطريق للإبداع، يجب أن نقف في تلك المساحة بين ما نراه في العالم وما نأمله، مواجهة الرفض، والحسرة، في الحرب، وفي الموت. وهذا مكان من الصعب الوقوف به. يسميه المربي باركر بالمر "الفجوة المأساوية،" هي مأساوية ليس لأنها محزنة بل لأنها حتمية، ويحب صديقي ديك نودل أن يقول، "يمكنك التحكم بهذا التوتر كما توزن أوتار الكمان لتعطي شيئا جميلا."
There's a fourth embrace, and it's the hardest. It's the embrace of loss, the oldest and most constant of human experiences. In order to create, we have to stand in that space between what we see in the world and what we hope for, looking squarely at rejection, at heartbreak, at war, at death. That's a tough space to stand in. The educator Parker Palmer calls it "the tragic gap," tragic not because it's sad but because it's inevitable, and my friend Dick Nodel likes to say, "You can hold that tension like a violin string and make something beautiful."
وأصداء هذا التوتر تتجلى في عمل المصور جويل مايروتز، الذي عرف منذ بداية مسيرته بتصوير الشارع، و التقاط اللحظات في الشارع، وكذا لصوره الرائعة للمناظر الطبيعية -- لتوسكانا، وكيب كود، وللضوء. جويل من نيويورك، وكان له استوديو بحي تشيلسي لسنوات، بإطلالة مباشرة على مركز التجارة العالمي بوسط المدينة، وقد صور تلك المباني تحت كل أنواع الإضاءة. وتعلمون إلى أين ستأخذنا هذه القصة. في 11/9 لم يكن جويل بنيويورك. كان خارجها. لكنه عاد بسرعة إلى المدينة، وأسرع نحو موقع الدمار.
That tension resonates in the work of the photographer Joel Meyerowitz, who at the beginning of his career was known for his street photography, for capturing a moment on the street, and also for his beautiful photographs of landscapes -- of Tuscany, of Cape Cod, of light. Joel is a New Yorker, and his studio for many years was in Chelsea, with a straight view downtown to the World Trade Center, and he photographed those buildings in every sort of light. You know where this story goes. On 9/11, Joel wasn't in New York. He was out of town, but he raced back to the city, and raced down to the site of the destruction.
جويل مايروتز: وككل المارة وقفت خلف حاجز الحماية بشارع تشامبر وغرينتش، وكل ما استطعت رؤيته هو دخان وبعض الأنقاض، فرفعت مصورتي لإلقاء نظرة، فقط لرؤية إن كان هناك شيء، فضربتني شرطية على كتفي، قائلة: "لا صور!" وكانت ضربة جعلتني أستيقظ، وأعتقد، أنه كان هدفها. وعندما سألتها لم لا أصور، قالت، "هذه ساحة جريمة. التصوير ممنوع." وسألتها: "وماذا إن كنت مصورا صحفيا؟" فردت قائلة، "إذا أنظر هناك،" بالخلف كانت هناك مجموعة من الصحفيين مجتمعين بمكان مخصص لهم، فقلت: "متى سيدخلون إلى هناك؟" فردت: "على الأرجح لن يفعلوا." وبينما أنا أبتعد من هناك إذا بشيء يلمع بذهني ربما بسبب الضربة، لأنها نوعا ما كانت إهانة. ففكرت، "إن لم يكن هناك صور، فلن يكون هناك ذاكرة. ونحن بحاجة لذاكرة." وفكرت، "أنا سأترك تلك الذاكرة. سأجد طريقة لأدخل لهناك، لأنني لا أريد أن أشاهد هذا التاريخ يختفي."
Joel Meyerowitz: And like all the other passersby, I stood outside the chain link fence on Chambers and Greenwich, and all I could see was the smoke and a little bit of rubble, and I raised my camera to take a peek, just to see if there was something to see, and some cop, a lady cop, hit me on my shoulder, and said, "Hey, no pictures!" And it was such a blow that it woke me up, in the way that it was meant to be, I guess. And when I asked her why no pictures, she said, "It's a crime scene. No photographs allowed." And I asked her, "What would happen if I was a member of the press?" And she told me, "Oh, look back there," and back a block was the press corps tied up in a little penned-in area, and I said, "Well, when do they go in?" and she said, "Probably never." And as I walked away from that, I had this crystallization, probably from the blow, because it was an insult in a way. I thought, "Oh, if there's no pictures, then there'll be no record. We need a record." And I thought, "I'm gonna make that record. I'll find a way to get in, because I don't want to see this history disappear."
لقد فعل. استخدم كل علاقاته، وحصل على إذن بالدخول لمركز التجارة العالمي، حيث صوره لمدة تسعة أشهر وبشكل يومي تقريبا. النظر إلى تلك الصور اليوم يذكرني برائحة الدخان العالقة بملابسي عندما عدت إلى منزلي وأسرتي ليلا. كان مكتبي قريبا. ولكن بعض هذه الصور رائعة. فنتساءل، هل كان من الصعب على جويل مايروتز لاستخراج كل هذا الجمال من كل هذا الدمار؟
JB: He did. He pulled in every favor he could, and got a pass into the World Trade Center site, where he photographed for nine months almost every day. Looking at these photographs today brings back the smell of smoke that lingered on my clothes when I went home to my family at night. My office was just a few blocks away. But some of these photographs are beautiful, and we wondered, was it difficult for Joel Meyerowitz to make such beauty out of such devastation?
كان ذلك قبيحا، أقصد قويا ومأساويا ومروعا وما إلى ذلك، لكن كان أيضا كما في الطبيعة، حدث ضخم تحول في نهاية الحدث إلى هذه الأنقاض. وكالعديد من الأنقاض - تذهبون إلى أنقاض الكولوسيوم أو كنيسة في مكان ما- لكنها تكتسي معنى جديا بحسب الطقس الذي تشاهدونها فيه. أقصد كنت أذهب هناك كل ظهيرة، حيث يصبح الأفق ورديا مع القليل من الضباب وأنا واقف بين الأنقاض، أجد نفسي أمام الجمال الخلاب للطبيعة وحقيقة أن الطبيعة بمساعدة الوقت، ستشفي هذا الجرح. لا يمكن إيقاف الوقت، وهو يغير الأحداث. فهو يحملنا أبعد فأبعد عن ذلك اليوم، والضوء والفصول تيسر ذلك نوعا ما. وليس ذلك لأني رومنسي. بل أنا واقعي. فالحقيقة هي، هذا هو مبنى وولوورث مغطى بستار من دخان الموقع، ولكنه الآن كشاش فوق مسرح وهو يتحول للون وردي، وأسفله هناك خراطيم ترش المياه ، وتضاء الأنوار مساء، والماء يكتسي لونا أخضر بسبب مصابيح الصوديوم، ففكرت، "ياإلهي، من كان ليتخيل هذا؟" ولكن الواقع أني هناك وهذا ما بدا عليه الموقع ومن الواجب التقاط صورة له.
JM: Well, you know, ugly, I mean, powerful and tragic and horrific and everything, but it was also as, in nature, an enormous event that was transformed after the fact into this residue, and like many other ruins — you go to the ruins of the Colosseum or the ruins of a cathedral someplace — and they take on a new meaning when you watch the weather. I mean, there were afternoons I was down there, and the light goes pink and there's a mist in the air and you're standing in the rubble, and I found myself recognizing both the inherent beauty of nature and the fact that nature, as time, is erasing this wound. Time is unstoppable, and it transforms the event. It gets further and further away from the day, and light and seasons temper it in some way, and it's not that I'm a romantic. I'm really a realist. The reality is, there's the Woolworth Building in a veil of smoke from the site, but it's now like a scrim across a theater, and it's turning pink, you know, and down below there are hoses spraying, and the lights have come on for the evening, and the water is turning acid green because the sodium lamps are on, and I'm thinking, "My God, who could dream this up?" But the fact is, I'm there, it looks like that, you have to take a picture.
عليك التقاط صورة. هذا معنى الضرورة، الحاجة للقيام بالعمل، هي قوية في قصة جويل. عندما التقيت مؤخرا جويل مايروتز، أخبرته كم أعجبت بعناده القوي وتصميمه على تخطي كل عوائق البيروقراطية للقيام بعمله، وقد ضحك وقال: "أنا عنيد، ولكن أعتقد أن الأهم هو تفاؤلي الشديد."
JB: You have to take a picture. That sense of urgency, of the need to get to work, is so powerful in Joel's story. When I saw Joel Meyerowitz recently, I told him how much I admired his passionate obstinacy, his determination to push through all the bureaucratic red tape to get to work, and he laughed, and he said, "I'm stubborn, but I think what's more important is my passionate optimism."
في أول مرة أخبرت بهذه القصص، رفع رجل من الحضور يده وقال: "كل هؤلاء الفنانين تحدثوا عن عملهم وليس فنهم ما جعلني أفكر بعملي وعن مكان الإبداع المتواجد به، وأنا لست فنانا." إنه محق. كلنا نكافح بتجاربنا وتحدياتنا وحدود قدراتنا وأحزاننا. الإبداع شيء أساسي لكل واحد منا سواء كنا علماء أو مدرسين أو آباء أو رجال أعمال.
The first time I told these stories, a man in the audience raised his hand and said, "All these artists talk about their work, not their art, which has got me thinking about my work and where the creativity is there, and I'm not an artist." He's right. We all wrestle with experience and challenge, limits and loss. Creativity is essential to all of us, whether we're scientists or teachers, parents or entrepreneurs.
أود أن أترككم مع صورة أخرى لآنية تستخدم بطقس الشاي الياباني وتوجد بمعرض فرير بوشنطن العاصمة، عمرها أكثر من مائة عام ويمكنكم مشاهدة بصمات الصانع حيث ضغطها. لكن كما تشاهدون فهذه قد انكسرت خلال وقت ما في المائة عام من عمرها. لكن الشخص الذي رممها، عوضاً أن يخفي الشقوق، قرر أن يبرزها ، باستخدام صمغ ذهبي لترميمها. أصبحت هذه الآنية أكثر جمالا عندما انكسرت مما كانت عليه عند صنعها، ويمكننا مشاهدة شقوقها، لأنها تخبرنا عن القصة التي نحياها جميعا، عن دورة الخلق والتدمير، عن التحكم وترك الأمور تجري بحرية، عن تجميع الشظايا لخلق شيء ما جديد. شكر لكم. (تصفيق)
I want to leave you with another image of a Japanese tea bowl. This one is at the Freer Gallery in Washington, D.C. It's more than a hundred years old and you can still see the fingermarks where the potter pinched it. But as you can also see, this one did break at some point in its hundred years. But the person who put it back together, instead of hiding the cracks, decided to emphasize them, using gold lacquer to repair it. This bowl is more beautiful now, having been broken, than it was when it was first made, and we can look at those cracks, because they tell the story that we all live, of the cycle of creation and destruction, of control and letting go, of picking up the pieces and making something new. Thank you. (Applause)