These are sequences from a play called "The Lehman Trilogy," which traces the origins of Western capitalism in three hours, with three actors and a piano. And my role was to create a stage design to write a visual language for this work. The play describes Atlantic crossings, Alabama cotton fields, New York skylines, and we framed the whole thing within this single revolving cube, a kind of kinetic cinema through the centuries. It's like a musical instrument played by three performers. And as they step their way around and through the lives of the Lehman brothers, we, the audience, begin to connect with the simple, human origins at the root of the complex global financial systems that we're all still in thrall to today.
これは『リーマン・トリロジー』という 演劇作品のシーンです 西洋資本主義の起源をなぞるこの作品は 3時間にわたって 3人の役者とピアノで演じられます 私の役割は舞台美術を通じて この作品の視覚言語を 生み出すことでした この劇では大西洋の横断 アラバマの綿花畑 ニューヨークの摩天楼が描かれ そのすべてを この回転を続ける 直方体の中に切り取りました 何世紀にもわたる 動く大河ドラマとも言えるでしょう いわば3人の役者が奏でる― 楽器のようなものです 役者たちがリーマン兄弟の 人生を歩み 表現するうちに 観客の私たちは 今なお私たちが捕らわれている― 世界規模の複雑な金融システムの 根幹にある素朴で人間的な起源に 触れ始めるのです
I used to play musical instruments myself when I was younger. My favorite was the violin. It was this intimate transfer of energy. You held this organic sculpture up to your heart, and you poured the energy of your whole body into this little piece of wood, and heard it translated into music. And I was never particularly good at the violin, but I used to sit at the back of the second violin section in the Hastings Youth Orchestra, scratching away. We were all scratching and marveling at this symphonic sound that we were making that was so much more beautiful and powerful than anything we would ever have managed on our own.
私自身 若い頃には いくつか楽器を演奏したものです お気に入りはヴァイオリンでした 体と楽器をエネルギーが貫きます ヴァイオリンという 有機的な彫刻を胸元に携えて 全身のエネルギーを 小さな木製の楽器に流し込むと それが音楽に変換されて 耳に届きます ヴァイオリンが特に 上手かったわけではありませんが 私はヘイスティングス・ ユース・オーケストラの 第2ヴァイオリンの後ろのほうで 音を鳴らしていました 皆で弾いているときに 響き合う音は驚くべきものでした ひとりで奏でられるどんな音と比べても はるかに美しく力強いものだったからです
And now, as I create large-scale performances, I am always working with teams that are at least the size of a symphony orchestra. And whether we are creating these revolving giant chess piece time tunnels for an opera by Richard Wagner or shark tanks and mountains for Kanye West, we're always seeking to create the most articulate sculpture, the most poetic instrument of communication to an audience.
今 大規模なパフォーマンス作品を 生み出す中で 常に複数のチームと仕事をします 少なくとも交響楽団ほどの 規模のチームです 生み出しているものが リヒャルト・ワーグナーの オペラのための 巨大なチェスの駒の形をした 回転するタイムトンネルであろうと カニエ・ウェストのための サメの水槽や山であろうと 常に できる限り明瞭な造形を目指し 観客へのメッセージを伝える できる限り詩的な手段を目指すのです
When I say poetic, I just mean language at its most condensed, like a song lyric, a poetic puzzle to be unlocked and unpacked. And when we were preparing to design Beyoncé's "Formation" tour, we looked at all the lyrics, and we came across this poem that Beyoncé wrote. "I saw a TV preacher when I was scared, at four or five about bad dreams who promised he'd say a prayer if I put my hand to the TV. That's the first time I remember prayer, an electric current running through me."
「詩的」というのは 非常に凝縮された言語 という意味です 歌詞のように 解き明かされ 広がりを生む 詩的なパズルのことです ビヨンセのツアー「フォーメーション」の デザインを準備している時には すべての歌詞に目を通し ビヨンセ自身が書いた この詩に行き当たりました 「4歳か5歳で悪い夢を恐れていたときに テレビで伝道師を見た 祈りの言葉を伝えるから テレビに手をかざせと言う その時 生まれて初めて 祈りを知った 身体を流れる電流なのだ」
And this TV that transmitted prayer to Beyoncé as a child became this monolithic revolving sculpture that broadcast Beyoncé to the back of the stadium.
幼いビヨンセに 祈りを届けたテレビは 回転する巨岩のような造形となり ビヨンセの姿をスタジアムの後方にまで 送り届けました
And the stadium is a mass congregation. It's a temporary population of a hundred thousand people who have all come there to sing along with every word together, but they've also come there each seeking one-to-one intimacy with the performer. And we, as we conceive the show, we have to provide intimacy on a grand scale.
スタジアムは 巨大な集会のようなものです 10万人もの人々が その一時だけ集まって 一語一句逃さず 共に歌うのです でも それと同時に彼らは パフォーマーと一対一の触れ合いを 求めて集まっています このショーを企画する際には 私たちはとても大規模に 触れ合いを提供する必要があります
It usually starts with sketches. I was drawing this 60-foot-high, revolving, broadcast-quality portrait of the artist, and then I tore the piece of paper in half. I split the mask to try to access the human underneath it all. And it's one thing to do sketches, but of course translating from a sketch into a tourable revolving six-story building took some exceptional engineers working around the clock for three months, until finally we arrived in Miami and opened the show in April 2016.
始まりは たいていスケッチです 私が描いていたのは 高さ18メートルの回転する― ビヨンセの高画質な肖像でした それから 紙を半分に裂きました 顔面を2つに割ることで その内側にある人間性に 触れようとしました スケッチを描くのも重要ですが もちろん そのスケッチを元に ツアーと一緒に輸送できるような 6階建てに相当する回転物体を製作するには 数人の優秀なエンジニアが3か月間 寝る間も惜しんで働く必要がありました そうして とうとうマイアミで ツアーが開幕したのは 2016年4月
(Video: Cheers)
(ライブ映像)
(Music: "Formation," Beyoncé)
(ビヨンセ『フォーメーション』)
Beyoncé: Y'all haters corny with that Illuminati mess
Paparazzi, catch my fly, and my cocky fresh
パパラッチ 生意気な私を 捕まえてごらんなさい
I'm so reckless when I rock my Givenchy dress
ジバンシィのドレスを着ると 私は怖いものなし
I'm so possessive so I rock his Roc necklaces
独占欲が強い私は 彼のネックレスをつける
My daddy Alabama
パパはアラバマ
Momma Louisiana
ママはルイジアナ出身
You mix that negro with that Creole
黒人とクレオールを混ぜたら
make a Texas bama
テキサス娘の私が生まれた
(Music ends)
I call my work --
私は自分の作品を―
(Cheers, applause)
(歓声と拍手)
Thank you.
ありがとうございます
(Cheers, applause)
(歓声と拍手)
I call my work stage sculpture, but of course what's really being sculpted is the experience of the audience, and as directors and designers, we have to take responsibility for every minute that the audience spend with us. We're a bit like pilots navigating a flight path for a hundred thousand passengers.
私は自分の作品を 「舞台のための立体芸術」と呼びますが もちろん実際に 彫り出されていくのは観客の経験です 演出家やデザイナーは 観客が私たちと過ごす― 一分一秒に 責任を持たねばなりません いわば パイロットのように 何万人もの乗客を乗せて 飛行経路を辿ります
And in the case of the Canadian artist The Weeknd, we translated this flight path literally into an origami paper folding airplane that took off over the heads of the audience, broke apart in mid-flight, complications, and then rose out of the ashes restored at the end of the show. And like any flight, the most delicate part is the liftoff, the beginning, because when you design a pop concert, the prime material that you're working with is something that doesn't take trucks or crew to transport it. It doesn't cost anything, and yet it fills every atom of air in the arena, before the show starts. It's the audience's anticipation. Everyone brings with them the story of how they came to get there, the distances they traveled, the months they had to work to pay for the tickets. Sometimes they sleep overnight outside the arena, and our first task is to deliver for an audience on their anticipation, to deliver their first sight of the performer.
カナダのアーティスト The Weekndの場合は この「飛行経路」を文字通り解釈して 紙飛行機で表現しました 観客の頭上を飛ぶ紙飛行機は 途中で分解し 変形して ばらばらになった紙飛行機の破片が ショーの最後に 再び組み立てられるのです あらゆる飛行と同じく 最も繊細な部分は 最初の離陸です ポップ・コンサートの デザインで 最良の素材となるもの― それはトラックやスタッフを使って 運搬する必要のないものです お金もかかりません でも ショーが始まる前のアリーナを 空気の隅々まで残らず満たすもの 観客の期待感です 誰もがそこにたどり着くまでの 物語を携えています どれほど遠くから来たか チケットを買うために どれだけ働いたか アリーナの外で ひと晩を過ごす人さえいます 私たちの最初の課題は 観客の期待感に応えること パフォーマーを 初めて目にする瞬間の演出です
When I work with men, they're quite happy to have their music transformed into metaphor -- spaceflights, mountains. But with women, we work a lot with masks and with three-dimensional portraiture, because the fans of the female artist crave her face.
男性アーティストは 喜んでもらえるのは 音楽を比喩で表現すること― 宇宙船だったり 山脈だったり 女性アーティストには 仮面や立体的な肖像を多用します 女性アーティストのファンたちは 顔を見たがるからです
And when the audience arrived to see Adele's first live concert in five years, they were met with this image of her eyes asleep. If they listened carefully, they would hear her sleeping breath echoing around the arena, waiting to wake up. Here's how the show began.
アデルの5年ぶりのコンサートに やって来た観客が目にしたのはこれです 眠っているアデルの目元です よく耳を澄ませば 目覚めの時を待つ彼女の寝息が アリーナ中に響き渡るのが 聞こえたはずです ライブはこんな風に始まります
(Video: Cheers, applause)
(ライブ映像)
(Music)
(音楽)
Adele: Hello.
ハロー
(Cheers, applause)
(歓声と拍手)
Es Devlin: With U2, we're navigating the audience over a terrain that spans three decades of politics, poetry and music. And over many months, meeting with the band and their creative teams, this is the sketch that kept recurring, this line, this street, the street that connects the band's past with their present, the tightrope that they walk as activists and artists, a walk through cinema that allows the band to become protagonists in their own poetry.
U2のコンサートでは 30年にわたる政治や詩や音楽の経歴を マップとして描き観客を誘いました バンドやクリエイティブ・チームと 何か月も準備にあたる中で このスケッチが 何度も現れました 長く延びる線と道です バンドの過去と現在を結ぶ道であり 活動家やアーティストとして 彼らが体験した綱渡りを表すものです 映像の中を歩む姿を示すことで バンド自身が彼らの歌詞の 主人公となることができたのです
(Music: U2's "Where the Streets Have No Name")
(音楽:U2『約束の地』)
Bono: I wanna run
(ボノ)僕は逃げたい
I want to hide
僕は隠れたい
I wanna tear down the walls
僕を閉じ込めるような
That hold me inside
壁を打ち破りたい
Es Devlin: The end of the show is like the end of a flight. It's an arrival. It's a transfer from the stage out to the audience.
ショーの最後は フライトの終わりに似ています 目的地への到着です ステージから観客へと エネルギーを送り出します
For the British band Take That, we ended the show by sending an 80-foot high mechanical human figure out to the center of the crowd.
イギリスのバンド Take That のコンサートでは ショーの最後に 高さ24メートルの機械仕掛けの人物を 観客席の中央に登場させました
(Music)
(ライブ映像)
Like many translations from music to mechanics, this one was initially deemed entirely technically impossible. The first three engineers we took it to said no, and eventually, the way that it was achieved was by keeping the entire control system together while it toured around the country, so we had to fold it up onto a flatbed truck so it could tour around without coming apart. And of course, what this meant was that the dimension of its head was entirely determined by the lowest motorway bridge that it had to travel under on its tour. And I have to tell you that it turns out there is an unavoidable and annoyingly low bridge low bridge just outside Hamburg.
音楽を何かの機構で表現しようとすると よくあることですが これも当初は技術的に まったく無理だと思われました 最初に依頼した3人の エンジニアに断られ 最終的にこれを実現した方法は ツアーの最初から最後まで 制御機構は分解せずに 丸ごと運ぶというものでした 平床型のトラックに 折りたたんで乗せることで 分解せずにツアーの移動をするのです もちろん これはつまり 頭部の大きさは ツアーの経路に含まれる高速道路に 掛かっている橋の桁下高さの 最低値に合わせて決めたわけです そして 調べてみると くぐらざるを得ない 嫌になるくらい低い道路橋が ハンブルク郊外に見つかりました
(Laughter)
(笑)
(Music)
(音楽)
Another of the most technically complex pieces that we've worked on is the opera "Carmen" at Bregenz Festival in Austria. We envisaged Carmen's hands rising out of Lake Constance, and throwing this deck of cards in the air and leaving them suspended between sky and sea. But this transient gesture, this flick of the wrists had to become a structure that would be strong enough to withstand two Austrian winters. So there's an awful lot that you don't see in this photograph that's working really hard. It's a lot of ballast and structure and support around the back, and I'm going to show you the photos that aren't on my website. They're photos of the back of a set, the part that's not designed for the audience to see, however much work it's doing.
これまでに取り組んだ中で 技術的に非常に複雑なもうひとつの作品は オペラ『カルメン』です オーストリアの ブレゲンツ音楽祭でした カルメンの両手が ボーデン湖から出現し 空中に投げ出したトランプの札が 空と湖の間に 浮かんでいる様を表現しました でもこの一瞬の身振りを捉えた ひねられた手首の形は 2シーズンにわたる オーストリアの冬に耐えられる 十分な強度のある構造とする必要がありました ですから 写真では見えない部分に 多くの労力が注がれています 背面には基礎や構造体や支柱が たくさんあります 私のウェブサイトに載っていない 写真をお見せしましょう セットの背面部です 多くの労力を注いでも 観客に見せるようには作られていません 多くの労力を注いでも 観客に見せるようには作られていません
And you know, this is actually the dilemma for an artist who is working as a stage designer, because so much of what I make is fake, it's an illusion. And yet every artist works in pursuit of communicating something that's true. But we are always asking ourselves: "Can we communicate truth using things that are false?" And now when I attend the shows that I've worked on, I often find I'm the only one who is not looking at the stage. I'm looking at something that I find equally fascinating, and it's the audience.
実はこれはジレンマなのです 舞台美術をデザインする者が 直面するジレンマです 私が生みだすものの多くは 本物ではなく 演出なのです それでもアーティストは皆 何らかの真実を伝えようと作品を作るものです 私たちは常に自問しています 「本物ではないものを使って 真実を伝えられるだろうか」 自分が携わったショーを 観に行くと 私だけがステージを見ていない ということがよくあります 私が見ているのはステージ同様に 惹きつけられるもの― 観客です
(Cheers)
(歓声)
I mean, where else do you witness this:
こんなものが他に どこで見られるでしょう?
(Cheers)
(歓声)
this many humans, connected, focused, undistracted and unfragmented? And lately, I've begun to make work that originates here, in the collective voice of the audience.
これほど多くの人々が つながり 集中して 妨げられることなく 一体となっているのを? 最近 これに想を得た作品を 作り始めました 観客が声を共にする様です
"Poem Portraits" is a collective poem. It began at the Serpentine Gallery in London, and everybody is invited to donate one word to a collective poem. And instead of that large single LED portrait that was broadcasting to the back of the stadium, in this case, every member of the audience gets to take their own portrait home with them, and it's woven in with the words that they've contributed to the collective poem. So they keep a fragment of an ever-evolving collective work. And next year, the collective poem will take architectural form.
『Poem Portraits(詩の肖像)』は 共作の詩です ロンドンのサーペンタイン・ ギャラリーで始まり 人々は共作の詩のために 単語を1つ提供することができます スタジアムの後方へと届けられる― 1人の巨大なLEDの肖像の代わりに 観客一人一人が 自分のポートレートを 持ち帰ることができます そしてそのポートレートは 自分が詩のために提供した言葉によって 編まれているのです 観客は常に進化を続ける作品の 一端を持ち帰れるのです 来年には共作の詩は 建築物になる予定です
This is the design for the UK Pavilion at the World Expo 2020. The UK ... In my lifetime, it's never felt this divided. It's never felt this noisy with divergent voices. And it's never felt this much in need of places where voices might connect and converge. And it's my hope that this wooden sculpture, this wooden instrument, a bit like that violin I used to play, might be a place where people can play and enter their word at one end of the cone, emerge at the other end of the building, and find that their word has joined a collective poem, a collective voice.
これは2020年万博での イギリスのパビリオンのデザインです イギリスで... これまでの人生でこれほどに 分断を感じたことはありません 相違する意見でこれほどに 騒がしかったことはありません 人々の声が結びつき まとまる場の 必要性がこれほどに 感じられたことはありません 私の望みは この木の造形作品が かつて弾いていた木製の楽器 ヴァイオリンのように 人々が遊び心を持って 一方の端で言葉を入力し もう一方の端から出てきたときには その言葉が 共作の詩 ひとつの声になっているのを 目にする場になってほしいのです
(Music)
(音楽)
These are simple experiments in machine learning. The algorithm that generates the collective poem is pretty simple. It's like predictive text, only it's trained on millions of words written by poets in the 19th century. So it's a sort of convergence of intelligence, past and present, organic and inorganic.
これは機械学習を使った 簡単な試みです 共作の詩を生み出すアルゴリズムは かなりシンプルなものです 予測変換のようなもので 違いは19世紀の詩人が書いた 何千万もの言葉を学習していることです ですから 過去と現在 そして有機的知性と無機的知性の 融合だと言えるでしょう
And we were inspired by the words of Stephen Hawking. Towards the end of his life, he asked quite a simple question: If we as a species were ever to come across another advanced life-form, an advanced civilization, how would we speak to them? What collective language would we speak as a planet?
スティーブン・ホーキングの言葉に 想を得ました 晩年 彼はシンプルな問いを 立てました 我々人類がいつの日か 進んだ知的生命体や 進んだ文明に遭遇したら どうやって語りかけるのだろう? 惑星として我々が語る 集合的言語は何だろうか?
The language of light reaches every audience. All of us are touched by it. None of us can hold it. And in the theater, we begin each work in a dark place, devoid of light. We stay up all night focusing the lights, programming the lights, trying to find new ways to sculpt and carve light.
光という言語は あらゆる観客に届きます 皆 心を動かされますが 手に取ることはできません 劇場では どの作品も暗転― 光のない状態から始まります 夜通し 照明を調整し プログラムしては 光を形作り 切り出す 新しい方法を探ります
(Music)
(音楽)
This is a portrait of our practice, always seeking new ways to shape and reshape light, always finding words for things that we no longer need to say. And I want to say that this, and everything that I've just shown you, no longer exists in physical form.
これは私たちの仕事を 描いたポートレートです 光を形作り再構成する 新しい方法を常に探り 口に出す必要のなくなった事柄を 言い表す言葉を常に探します お伝えしておきたいのは これも 今日お見せしたものもすべて 物理的には存在しないということです
(Music)
(音楽)
In fact, most of what I've made over the last 25 years doesn't exist anymore. But our work endures in memories, in synaptic sculptures, in the minds of those who were once present in the audience.
実際に この25年間に 私が作ってきたほとんどのものは もう存在しません でも 私たちの作品は かつて観客として そこに確かに存在した人々の 記憶の中に シナプス結合の内に 留まり続けます
(Music)
I once read that a poem learnt by heart is what you have left, what can't be lost, even if your house burns down and you've lost all your possessions. I want to end with some lines that I learnt by heart a long time ago.
いつか読んだことがあります そらんじて覚えている詩だけは ずっとその人と共にあり 失うことができないものだと たとえ家が焼けて 持ち物を全て失ったとしても ずっと昔に覚えた詩の言葉で 締めくくりたいと思います
(Music)
They're written by the English novelist E.M. Forster, in 1910, just a few years before Europe, my continent,
イギリスの小説家 E・M・フォースターが 1910年に書き残した言葉です
(Music)
私の愛する欧州は
began tearing itself apart.
その数年後に内側から崩壊し始めます
(Music)
And his call to convergence still resonates through most of what we're trying to make now.
まとまりを呼びかける 彼の声は今でも 私たちが生み出そうとしているものに 通じるところがあります
(Music)
"Only connect! That was the whole of her sermon. Only connect the prose and the passion, and both will be exalted, And human love will be seen at its height. Only connect! And live in fragments no longer."
「ひたすら繋がるのだ それだけが彼女の教えであった 散文と情熱が ひたすら繋がれば 互いに高めあうだろう すると人類の愛は いよいよ高めあうのだ ひたすら繋がるのだ 断片となることなかれ」
Thank you.
ありがとうございました
(Applause)
(拍手)