These are sequences from a play called "The Lehman Trilogy," which traces the origins of Western capitalism in three hours, with three actors and a piano. And my role was to create a stage design to write a visual language for this work. The play describes Atlantic crossings, Alabama cotton fields, New York skylines, and we framed the whole thing within this single revolving cube, a kind of kinetic cinema through the centuries. It's like a musical instrument played by three performers. And as they step their way around and through the lives of the Lehman brothers, we, the audience, begin to connect with the simple, human origins at the root of the complex global financial systems that we're all still in thrall to today.
Jeleneteket láthatunk a Lehman-trilógia című darabból, mely a nyugati kapitalizmus eredetét követi nyomon három órában, három színésszel és egy zongorával. Az én szerepem volt a díszlet megtervezése és a mű lefordítása vizuális nyelvre. A darab bemutatja az atlanti-óceáni átkelést, az alabamai gyapotföldeket, New York sziluettjét és mindezt egyetlen forgó kockába helyeztük el, évszázadokon átívelő egyfajta kinetikus moziba. Olyan, mint egy hangszer, melyen három előadó játszik. Amint lépésről lépésre bemutatják a Lehman-testvérek életét, mi, a közönség, közelebb kerülünk az összetett pénzügyi világrendszerek egyszerű emberi eredetéhez, melyek hatalmukban tartanak még ma is.
I used to play musical instruments myself when I was younger. My favorite was the violin. It was this intimate transfer of energy. You held this organic sculpture up to your heart, and you poured the energy of your whole body into this little piece of wood, and heard it translated into music. And I was never particularly good at the violin, but I used to sit at the back of the second violin section in the Hastings Youth Orchestra, scratching away. We were all scratching and marveling at this symphonic sound that we were making that was so much more beautiful and powerful than anything we would ever have managed on our own.
Fiatalkoromban én is játszottam hangszeren. Kedvencem volt a hegedű. Az energia meghitt áramlását jelentette. A szívünkhöz emeljük ezt az organikus szobrot, és egész testünk energiáját adjuk át ennek a kis fadarabnak, és halljuk, ahogy zenévé formálja. Sosem voltam kifejezetten ügyes hegedűs, de régen a második hegedűsök hátsó sorában ülhettem a Hasting Youth Zenekarban, cincogva a kottát. Mind cincogtunk, és csodáltuk a belőle létrejött szimfonikus hangzást, mely sokkal szebb és erőteljesebb volt, mint bármi, amire egyedül képesek lettünk volna.
And now, as I create large-scale performances, I am always working with teams that are at least the size of a symphony orchestra. And whether we are creating these revolving giant chess piece time tunnels for an opera by Richard Wagner or shark tanks and mountains for Kanye West, we're always seeking to create the most articulate sculpture, the most poetic instrument of communication to an audience.
Most, hogy nagyszabású előadásokat készítek, olyan csapatokkal dolgozom, amelyek legalább egy szimfonikus zenekar méretűek. Nem számít, hogy éppen ilyen hatalmas forgó sakkbábu-alakú időgépeket készítünk Richard Wagner egyik operájához, vagy cápaakváriumokat és hegyeket Kanye Westnek, mindig arra törekszünk, hogy a legkifejezőbb szobrokat, a legköltőibb kommunikációs eszközt formáljuk a közönség felé.
When I say poetic, I just mean language at its most condensed, like a song lyric, a poetic puzzle to be unlocked and unpacked. And when we were preparing to design Beyoncé's "Formation" tour, we looked at all the lyrics, and we came across this poem that Beyoncé wrote. "I saw a TV preacher when I was scared, at four or five about bad dreams who promised he'd say a prayer if I put my hand to the TV. That's the first time I remember prayer, an electric current running through me."
Költőin pedig a nyelv legtöményebb változatára gondolok, pl. egy dalszövegre, egy megfejtésre váró költői rejtélyre. Amikor Beyoncé Formation turnéjának megtervezésére készültünk, megnéztük az összes dalszöveget, és rátaláltunk erre a versre, amit Beyoncé írt. „Volt egy tévéprédikátor, amikor rémálomból ébredtem, azt ígérte, mond értem egy imát, ha a tévére teszem a kezem. Ez az első emlékem az imáról, mint elektromos hullám rohanásáról.”
And this TV that transmitted prayer to Beyoncé as a child became this monolithic revolving sculpture that broadcast Beyoncé to the back of the stadium.
Ez a tévé, amely imádságot közvetített a még gyermek Beyoncénak, ez a forgó monolit lett, amely Beyoncét vetítette ki a stadion teljes területére.
And the stadium is a mass congregation. It's a temporary population of a hundred thousand people who have all come there to sing along with every word together, but they've also come there each seeking one-to-one intimacy with the performer. And we, as we conceive the show, we have to provide intimacy on a grand scale.
A stadion olyan, mint egy gyülekezet, százezer emberből álló ideiglenes tömeg, akik mind azért jöttek, hogy együtt énekeljenek, de azért is, hogy bizalmas kapcsolatba kerüljenek az előadóval. Mi pedig, amikor megtervezzük a koncertet, meghittségre törekszünk tömegi szinten.
It usually starts with sketches. I was drawing this 60-foot-high, revolving, broadcast-quality portrait of the artist, and then I tore the piece of paper in half. I split the mask to try to access the human underneath it all. And it's one thing to do sketches, but of course translating from a sketch into a tourable revolving six-story building took some exceptional engineers working around the clock for three months, until finally we arrived in Miami and opened the show in April 2016.
Általában vázlatokkal kezdődik. Felvázoltam ezt a közel 20 méteres, forgó, kivetített portrét az előadóról, aztán kettétéptem a papírt. Eltéptem az álarcot, hogy hozzáférjek az alatta megbújó emberhez. Egy dolog felvázolni valamit, de persze, átalakítani egy vázlatot szállítható, forgó, hatemeletes építménnyé kiváló mérnöki munkát igényelt, három hónapos állandó készültséggel, amikor végre megérkeztünk Miamiba, és megkezdtük a turnét 2016 áprilisában.
(Video: Cheers)
(Videó: Éljenzés)
(Music: "Formation," Beyoncé)
(Zene: Beyoncé - Formation)
Beyoncé: Y'all haters corny with that Illuminati mess
Beyoncé: Ti gyűlölködők az elcsépelt illuminatit emlegetitek
Paparazzi, catch my fly, and my cocky fresh
Paparazzi, kapd le a szettem és a pimaszságom
I'm so reckless when I rock my Givenchy dress
Önfeledt vagyok a Givenchy ruhámban
I'm so possessive so I rock his Roc necklaces
Annyira megszállott vagyok, hogy a Roc nyaklánca is rajtam van
My daddy Alabama
Apukám alabamai,
Momma Louisiana
anyukám lousianai
You mix that negro with that Creole
Keverj össze egy kreolt egy négerrel,
make a Texas bama
texasi munkás lesz az eredménye
(Music ends)
(Zene vége)
I call my work --
Es Devlin: A munkámat...
(Cheers, applause)
(Éljenzés, taps)
Thank you.
Köszönöm.
(Cheers, applause)
(Éljenzés, taps)
I call my work stage sculpture, but of course what's really being sculpted is the experience of the audience, and as directors and designers, we have to take responsibility for every minute that the audience spend with us. We're a bit like pilots navigating a flight path for a hundred thousand passengers.
A munkámat színpadi szobrászatnak nevezem, de amit valójában formálunk, az a közönség élménye, és rendezőkként és tervezőkként felelősséget kell vállaljunk minden percért, amelyet a közönség velünk tölt. Kicsit olyan, mintha pilóták lennénk, akik a repülési útvonalon százezer utast szállítanak.
And in the case of the Canadian artist The Weeknd, we translated this flight path literally into an origami paper folding airplane that took off over the heads of the audience, broke apart in mid-flight, complications, and then rose out of the ashes restored at the end of the show. And like any flight, the most delicate part is the liftoff, the beginning, because when you design a pop concert, the prime material that you're working with is something that doesn't take trucks or crew to transport it. It doesn't cost anything, and yet it fills every atom of air in the arena, before the show starts. It's the audience's anticipation. Everyone brings with them the story of how they came to get there, the distances they traveled, the months they had to work to pay for the tickets. Sometimes they sleep overnight outside the arena, and our first task is to deliver for an audience on their anticipation, to deliver their first sight of the performer.
A kanadai előadó, The Weeknd esetében egészen szó szerint értelmeztük a repülést egy hajtogatott papírrepülő formájában, mely a nézők feje felett szállt fel, repülés közben összetört, bonyodalmak, majd a hamuból újjászületve felszállt a koncert végén. Minden repülésnél a legérzékenyebb rész a felszállás, a kezdet, mert amikor popkoncertet tervezünk, a legfőbb elem, amellyel dolgozunk, teherautóval vagy stábbal nem szállítható. Nem kerül semmibe, mégis már a koncert kezdete előtt betölti az aréna levegőjének minden részecskéjét. Ez a nézők várakozása. Mindenki hoz egy történetet arról, hogyan került oda, a megtett távolságról, a több hónapi munkáról, amellyel a jegy árát megkeresték. Van, hogy az aréna előtt töltik az éjszakát, és a mi elsődleges feladatunk megjutalmazni ezt a várakozást, megjutalmazni őket az előadó első megpillantásával.
When I work with men, they're quite happy to have their music transformed into metaphor -- spaceflights, mountains. But with women, we work a lot with masks and with three-dimensional portraiture, because the fans of the female artist crave her face.
Amikor férfiakkal dolgozom, előszeretettel alakítják a zenét metaforákká: űrutazássá, hegyekké. De nők esetében álarcokkal s háromdimenziós portrékkal dolgozunk, mert a női előadó rajongói a nő arcára vágynak.
And when the audience arrived to see Adele's first live concert in five years, they were met with this image of her eyes asleep. If they listened carefully, they would hear her sleeping breath echoing around the arena, waiting to wake up. Here's how the show began.
Amikor a nézők megérkeztek Adele első koncertjére öt év után, ez a kép fogadta őket: Adele álomra csukódott szeme. Hogyha figyelmesen hallgatóztak, hallatszott Adele alvó lélegzete, ahogyan az arénában visszhangzott, várva az ébredést. Így indult a koncert.
(Video: Cheers, applause)
(Videó: Éljenzés, taps)
(Music)
(Zene)
Adele: Hello.
Adele: Helló.
(Cheers, applause)
(Éljenzés, taps)
Es Devlin: With U2, we're navigating the audience over a terrain that spans three decades of politics, poetry and music. And over many months, meeting with the band and their creative teams, this is the sketch that kept recurring, this line, this street, the street that connects the band's past with their present, the tightrope that they walk as activists and artists, a walk through cinema that allows the band to become protagonists in their own poetry.
Es Devlin: A U2-val átvezetjük a nézőket három évtized politikáján, költészetén és zenéjén. A sok hónap alatt az együttessel és kreatív csapatukkal egyeztetve mindig visszatért ez a vázlat. Ez a vonal, ez az utca. Az utca, mely összeköti az együttes múltját és jelenét, a kötél, melyen aktivistaként és művészként táncolnak, egy valós film, mely engedi, hogy az együttes főhőse lehessen a saját költészetének.
(Music: U2's "Where the Streets Have No Name")
(Zene: U2 - Where the Streets Have No Name)
Bono: I wanna run
Bono: Futni akarok
I want to hide
El akarok bújni
I wanna tear down the walls
Le akarom rombolni a falakat
That hold me inside
Amik bent tartanak
Es Devlin: The end of the show is like the end of a flight. It's an arrival. It's a transfer from the stage out to the audience.
Es Devlin: A koncert vége olyan, mint a repülés vége. Megérkezés. Visszatérés a színpadról a nézőtérre.
For the British band Take That, we ended the show by sending an 80-foot high mechanical human figure out to the center of the crowd.
Az angol Take That együttessel a koncert végén 24 méteres gépembert helyeztünk a nézők közé.
(Music)
(Zene)
Like many translations from music to mechanics, this one was initially deemed entirely technically impossible. The first three engineers we took it to said no, and eventually, the way that it was achieved was by keeping the entire control system together while it toured around the country, so we had to fold it up onto a flatbed truck so it could tour around without coming apart. And of course, what this meant was that the dimension of its head was entirely determined by the lowest motorway bridge that it had to travel under on its tour. And I have to tell you that it turns out there is an unavoidable and annoyingly low bridge low bridge just outside Hamburg.
Tudtuk, hogy a zenét mechanikává varázsolni, és ezt megvalósítani gyakorlatilag képtelenség. Az első három megkeresett mérnök elutasította az ötletet. Végül úgy sikerült megoldanunk, hogy a teljes vezérlőrendszert egyben tartottuk, miközben az országot jártuk. Össze kellett hajtogatnunk egy platós teherautóra, hogy egészben tudjuk szállítani. Ez természetesen azt jelentette, hogy a fej méretét teljesen a legalacsonyabb autópályahíd szabta meg, amely alatt át kellett mennünk útközben. Kiderült, hogy van egy elkerülhetetlen és bosszantóan alacsony híd Hamburg közelében.
(Laughter)
(Nevetés)
(Music)
(Zene)
Another of the most technically complex pieces that we've worked on is the opera "Carmen" at Bregenz Festival in Austria. We envisaged Carmen's hands rising out of Lake Constance, and throwing this deck of cards in the air and leaving them suspended between sky and sea. But this transient gesture, this flick of the wrists had to become a structure that would be strong enough to withstand two Austrian winters. So there's an awful lot that you don't see in this photograph that's working really hard. It's a lot of ballast and structure and support around the back, and I'm going to show you the photos that aren't on my website. They're photos of the back of a set, the part that's not designed for the audience to see, however much work it's doing.
Egy másik, műszakilag bonyolult darab, amelyen dolgoztunk, a Carmen opera az ausztriai Bregenzer Festspielére. Megterveztük Carmen kezeit, ahogy kiemelkednek a Boden-tóból, és egy pakli kártyát dobnak a levegőbe, amelyek az ég és a víz között lebegnek. E röpke mozdulatnak, a csuklók hajlításának olyan szoborrá kellett válnia, amely képes kiállni két telet Ausztriában. Rengeteg dolog nem látható ezen a képen, amely lényeges munkát végez. Rengeteg nehezék és váz tartja ezt az egészet hátulról, és mutatok önöknek néhány képet, melyek nem láthatók a honlapomon. Ilyen egy díszlet hátulja, a rész, melyet nem arra terveznek, hogy a nézők lássák, működése mégis jelentős.
And you know, this is actually the dilemma for an artist who is working as a stage designer, because so much of what I make is fake, it's an illusion. And yet every artist works in pursuit of communicating something that's true. But we are always asking ourselves: "Can we communicate truth using things that are false?" And now when I attend the shows that I've worked on, I often find I'm the only one who is not looking at the stage. I'm looking at something that I find equally fascinating, and it's the audience.
Ez az igazi dilemma olyan művésznek, aki színpadi díszlettervező, mert annyi minden, amit készítünk mű, csupán illúzió. Mégis minden művész arra törekszik, hogy az igazságra mutasson rá. Folyton azt kérdezzük magunktól: Lehet-e az igazat közvetíteni hamis dolgokkal? Amikor elmegyek a koncertekre, amelyeken dolgoztam, sokszor azt veszem észre, hogy egyedül én nem nézem a színpadot. Azt nézem, amit ugyanannyira lenyűgözőnek találok: a közönséget.
(Cheers)
(Éljenzés)
I mean, where else do you witness this:
Hol máshol láthatunk ilyet?
(Cheers)
(Éljenzés)
this many humans, connected, focused, undistracted and unfragmented? And lately, I've begun to make work that originates here, in the collective voice of the audience.
Ennyi ember együtt, összetartva, teljes lényükben és teljes figyelemmel. Az utóbbi időben ebből ered a munka, amelyet végzek: a közönség együttes hangjából.
"Poem Portraits" is a collective poem. It began at the Serpentine Gallery in London, and everybody is invited to donate one word to a collective poem. And instead of that large single LED portrait that was broadcasting to the back of the stadium, in this case, every member of the audience gets to take their own portrait home with them, and it's woven in with the words that they've contributed to the collective poem. So they keep a fragment of an ever-evolving collective work. And next year, the collective poem will take architectural form.
A Poem Portraits közös vers. A londoni a Serpentine Galériából indult, és bárki hozzáadhatott egy-egy szót a közös vershez. A hatalmas LED portré helyett, amely a stadionban volt kivetítve, itt a közönség minden tagja magával viheti a saját portréját, amely beleszövődött a szavakba, melyekkel kiegészítette a közös verset. Így a folyamatosan fejlődő mű egy töredéke velük marad. Jövőre a közös vers építészeti alakot ölt.
This is the design for the UK Pavilion at the World Expo 2020. The UK ... In my lifetime, it's never felt this divided. It's never felt this noisy with divergent voices. And it's never felt this much in need of places where voices might connect and converge. And it's my hope that this wooden sculpture, this wooden instrument, a bit like that violin I used to play, might be a place where people can play and enter their word at one end of the cone, emerge at the other end of the building, and find that their word has joined a collective poem, a collective voice.
Ez az Egyesült Királyság-pavilon terve a 2020-as világkiállításra. Az Egyesült Királyság... Soha nem éreztem ennyire megosztottnak, mint most. Soha nem voltak ennyire hangosak az eltérések. Soha nem éreztem ennyire szükségét helyeknek, ahol a hangok egyensúlyba kerülhetnek. Azt remélem, hogy ez a faépület, ez a fahangszer, akárcsak a hegedű, amelyen régen játszottam, olyan hely lehet, ahol az emberek hozzáadva a szavukat belépnek egyik végén, s az épület másik felén kilépve láthatják, hogy a szavuk része lett a közös versnek, a közös hangnak.
(Music)
(Zene)
These are simple experiments in machine learning. The algorithm that generates the collective poem is pretty simple. It's like predictive text, only it's trained on millions of words written by poets in the 19th century. So it's a sort of convergence of intelligence, past and present, organic and inorganic.
Ezek a gépi tanulás egyszerű kísérletei. A közös verset összeállító algoritmus egészen egyszerű. Olyan, mint a prediktív szöveg, csak a 19. század költőinek több millió szavából tanult. Ha úgy nézzük, az intelligencia, a múlt és a jelen ötvözete, szerves és mesterséges.
And we were inspired by the words of Stephen Hawking. Towards the end of his life, he asked quite a simple question: If we as a species were ever to come across another advanced life-form, an advanced civilization, how would we speak to them? What collective language would we speak as a planet?
Ihletet nyertünk Stephen Hawking szavaiból. Élete vége felé egyszerű kérdést tett fel: Ha az ember mint faj egy idegen, fejlett életformával, egy fejlett civilizációval találkozna, hogyan kommunikálna vele? Bolygóként milyen közös nyelvet beszélnénk?
The language of light reaches every audience. All of us are touched by it. None of us can hold it. And in the theater, we begin each work in a dark place, devoid of light. We stay up all night focusing the lights, programming the lights, trying to find new ways to sculpt and carve light.
A fény nyelve minden közönséget elér. Mindegyikünket megragadja, mégis megfoghatatlan. A színházban minden munkát sötétben kezdünk, fény nélkül. Átdolgozzuk az éjszakát, hogy a fényeket összpontosítsuk, beprogramozzuk, próbálunk új módokat találni a fény faragására.
(Music)
(Zene)
This is a portrait of our practice, always seeking new ways to shape and reshape light, always finding words for things that we no longer need to say. And I want to say that this, and everything that I've just shown you, no longer exists in physical form.
Ez a munkánk portréja, mindig új módjait keressük a fény újra- és átformálásának, minden dologra találunk szavakat, melyeket nem kell kimondanunk. Azt el kell árulnom önöknek, hogy abból, amit itt mutattam önöknek, már semmi sem létezik fizikai formában.
(Music)
(Zene)
In fact, most of what I've made over the last 25 years doesn't exist anymore. But our work endures in memories, in synaptic sculptures, in the minds of those who were once present in the audience.
A legtöbb dolog, amelyet az előző 25 évben készítettem, már nem létezik. De a munkánk emlékekben, szinaptikus szobrokként marad meg, azok elméjében, akik valaha ott voltak a közönségben.
(Music)
(Zene)
I once read that a poem learnt by heart is what you have left, what can't be lost, even if your house burns down and you've lost all your possessions. I want to end with some lines that I learnt by heart a long time ago.
Valahol olvastam, hogy a vers, amelyet fejből tudunk, mindig velünk marad, nem tudjuk elveszíteni. Még ha a házunk leég is, és mindenünk odavész. Befejezésül megosztanék néhány sort, melyeket régen tanultam meg.
(Music)
(Zene)
They're written by the English novelist E.M. Forster, in 1910, just a few years before Europe, my continent,
Az angol regényíró, E.M. Forster írása, 1910-ből, néhány évvel azelőtt, hogy Európa, az én földrészem,
(Music)
(Zene)
began tearing itself apart.
elkezdte saját magát szétszakítani.
(Music)
(Zene)
And his call to convergence still resonates through most of what we're trying to make now.
Az összefogásra való felszólítása még most is ott visszhangzik a ma megoldandó dolgainkban.
(Music)
(Zene)
"Only connect! That was the whole of her sermon. Only connect the prose and the passion, and both will be exalted, And human love will be seen at its height. Only connect! And live in fragments no longer."
„Csak összekötni! Ennyiből állt az egész prédikációja. Csak összekötni a prózát a szenvedéllyel, akkor mindkettő felmagasztosul, és az emberi szeretet felszáll a csúcsra. Legyen vége a töredékes életnek.”
Thank you.
Köszönöm a figyelmet.
(Applause)
(Taps) (Ujjongás)