This is the venue where, as a young man, some of the music that I wrote was first performed. It was, remarkably, a pretty good sounding room. With all the uneven walls and all the crap everywhere, it actually sounded pretty good. This is a song that was recorded there. (Music) This is not Talking Heads, in the picture anyway. (Music: "A Clean Break (Let's Work)" by Talking Heads) So the nature of the room meant that words could be understood. The lyrics of the songs could be pretty much understood. The sound system was kind of decent. And there wasn't a lot of reverberation in the room. So the rhythms could be pretty intact too, pretty concise. Other places around the country had similar rooms. This is Tootsie's Orchid Lounge in Nashville. The music was in some ways different, but in structure and form, very much the same. The clientele behavior was very much the same too. And so the bands at Tootsie's or at CBGB's had to play loud enough -- the volume had to be loud enough to overcome people falling down, shouting out and doing whatever else they were doing.
Burası benim genç bir adam olarak bestelediğim bazı parçaların ilk defa sahnelendiği yer. Şaşırtıcı ama, odadaki ses baya iyiydi. Eşit olmayan duvarlara ve etraftaki ıvır zıvıra rağmen ses kulağa gerçekten baya iyi geliyordu. Bu, orada kaydedilen bir şarkı. (Müzik) Bu fotoğraftaki zaten Talking Heads değil. (Müzik: Talking Heads'ten "A Clean Break (Let's Work)") Yani odanın yapısı sayesinde sözler anlaşılabilecekti. Şarkı sözlerinin neredeyse tamamı anlaşılabiliyordu. Ses sistemi fena sayılmazdı. Ve çok fazla yankı yoktu. Böylece ritimler de oldukça eksiksiz, oldukça kısa ve öz olabiliyordu. Ülkenin diğer yerlerinde de benzer odalar vardı. Burasi Nashville'deki Tootsie's Orchid Lounge. Müzik bazı açılardan biraz farklıydı, ama yapı ve biçim olarak tamamen aynıydı. Müşterilerin davranış biçimleri de tamamen aynıydı. Ve bu yüzden Tootsie's'deki ya da CBGB'deki gruplar yeterince yüksek sesle çalmak zorundaydılar: müziğin sesi insanların düşüşlerinin, bağırışlarının ve başka her ne yapıyorlarsa onun sesini bastıracak kadar yüksek olmalıydı.
Since then, I've played other places that are much nicer. I've played the Disney Hall here and Carnegie Hall and places like that. And it's been very exciting. But I also noticed that sometimes the music that I had written, or was writing at the time, didn't sound all that great in some of those halls. We managed, but sometimes those halls didn't seem exactly suited to the music I was making or had made. So I asked myself: Do I write stuff for specific rooms? Do I have a place, a venue, in mind when I write? Is that a kind of model for creativity? Do we all make things with a venue, a context, in mind?
O zamandan bu yana başka, çok daha güzel yerlerde çaldım. Burdaki Disney Hall'da, Carnegie Hall'da ve benzeri yerlerde çaldım. Ve bütün bunlar çok heyecan vericiydi. Ama aynı zamanda bazen, yazdığım ya da o sırada yazmakta olduğum parçaların bu salonların bazılarında kulağa o kadar da iyi gelmediklerini fark ettim. İdare ediyorduk, ama bazen bu salonlar o sırada ya da daha önce yaptığım müziğe uygun değillermiş gibi gözüküyorlardı. Bu yüzden kendi kendime sordum: Belli odalar için mi parça besteliyorum? Beste yaparken aklımda bir yer, bir mekan var mı? Bu bir şey yaratmanın bir yolu mu? Bir şeyler yaratırken aklımızda hep bir mekan, bir bağlam mı var?
Okay, Africa. (Music: "Wenlenga" / Various artists) Most of the popular music that we know now has a big part of its roots in West Africa. And the music there, I would say, the instruments, the intricate rhythms, the way it's played, the setting, the context, it's all perfect. It all works perfect. The music works perfectly in that setting. There's no big room to create reverberation and confuse the rhythms. The instruments are loud enough that they can be heard without amplification, etc., etc. It's no accident. It's perfect for that particular context. And it would be a mess in a context like this. This is a gothic cathedral. (Music: "Spem In Alium" by Thomas Tallis) In a gothic cathedral, this kind of music is perfect. It doesn't change key, the notes are long, there's almost no rhythm whatsoever, and the room flatters the music. It actually improves it. This is the room that Bach wrote some of his music for. This is the organ. It's not as big as a gothic cathedral, so he can write things that are a little bit more intricate. He can, very innovatively, actually change keys without risking huge dissonances. (Music: "Fantasia On Jesu, Mein Freunde" by Johann S. Bach)
Pekala, Afrika. (Müzik: "Wenlenga" / Çeşitli sanatçılar) Bugün tanıdığımız birçok popüler müziğin köklerinin büyük bir bölümü Batı Afrika'dan gelmekte. Ve buradaki müzik, enstrümanlar, karışık ritimler, çalışınış şekilleri, yer ve bağlam, hepsi mükemmel. Hepsi mükemmel bir uyum içinde. Müzik bu çevreyle mükemmel bir uyum içinde. Yankı yapıp ritimleri karıştıracak büyük bir oda yok. Enstrümanlar amplifikasyon vs. vs. olmadan duyulacak kadar yüksek sesliler. Bu bir tesadüf değil. Bu şartlar için mükemmel bir durum. Ve bunun gibi bir ortamda korkunç olurdu. Burası Gotik bir katedral. (Müzik: Thomas Tallis'ten "Spem In Alium") Gotik bir katedralde bu tarz bir müzik harika. Perde değişmiyor. Notalar uzun. Neredeyse hiç ritim yok. Ve oda müziğe kompliman yapıyor. Hatta onu geliştiriyor. Bach bazı bestelerini bu oda için yapmıştı. Bu kullandığı org. Burası Gotik bir katedral kadar büyük değil, böylece biraz daha karışık şeyler besteleyebilir. Oldukça yenilikçi bir hareketle ahenki riske atmadan perdeleri değiştirebilir. (Müzik: Johann S. Bach'tan "Fantasia On Jesu, Mein Freunde")
This is a little bit later. This is the kind of rooms that Mozart wrote in. I think we're in like 1770, somewhere around there. They're smaller, even less reverberant, so he can write really frilly music that's very intricate -- and it works. (Music: "Sonata in F," KV 13, by Wolfgang A. Mozart) It fits the room perfectly. This is La Scala. It's around the same time, I think it was built around 1776. People in the audience in these opera houses, when they were built, they used to yell out to one another. They used to eat, drink and yell out to people on the stage, just like they do at CBGB's and places like that. If they liked an aria, they would holler and suggest that it be done again as an encore, not at the end of the show, but immediately. (Laughter) And well, that was an opera experience. This is the opera house that Wagner built for himself. And the size of the room is not that big. It's smaller than this. But Wagner made an innovation. He wanted a bigger band. He wanted a little more bombast, so he increased the size of the orchestra pit so he could get more low-end instruments in there. (Music: "Lohengrin / Prelude to Act III" by Richard Wagner)
Bu biraz daha sonra geldi. Bu Mozart'ın müzik yazdığı odalar. Sanırım 1770'de falan, o civarlarda bir yerdeyiz. Daha küçükler, daha da az yankı var, böylece daha da karmaşık olan süslü müzik yazabiliyor -- ve bu işe yarıyor. (Müzik: Wolfgang A. Mozart'tan "Sonata in F", KV 13) Odayla mükemmel bir uyum sağlıyor. Burası La Scala. Hemen hemen aynı dönemden. Sanırım 1776 civarında yapılmıştı. Bu operalar ilk yapıldıklarında, seyircilerin arasındaki insanlar birbirleriyle bağırarak konuşurlardı. Yer, içer ve sahnedeki insanlara bağırırlardı, aynı CBGB ve benzeri yerlerde yaptıkları gibi. Bir aryayı beğenirlerse, bağırıp bis olarak çalınmasını önerirlerdi; üstelik konserin sonunda değil, hemen. (Gülüşmeler) Ve opera deneyimi buydu. Bu, Wagner'in kendisi için yaptığı opera binası. Ve odanın boyu o kadar da büyük değil. Bundan daha küçük. Ama Wagner bir yenilik yaptı. Daha büyük bir grup istiyordu. Biraz daha tumturak istiyordu. Bu yüzden orkestranın yerini büyüttü, böylece daha fazla tiz sesli enstrüman koyabilecekti. (Müzik: Richard Wagner'den "Lohengrin / Prelude to Act III")
Okay. This is Carnegie Hall. Obviously, this kind of thing became popular. The halls got bigger. Carnegie Hall's fair-sized. It's larger than some of the other symphony halls. And they're a lot more reverberant than La Scala. Around the same, according to Alex Ross who writes for the New Yorker, this kind of rule came into effect that audiences had to be quiet -- no more eating, drinking and yelling at the stage, or gossiping with one another during the show. They had to be very quiet. So those two things combined meant that a different kind of music worked best in these kind of halls. It meant that there could be extreme dynamics, which there weren't in some of these other kinds of music. Quiet parts could be heard that would have been drowned out by all the gossiping and shouting. But because of the reverberation in those rooms like Carnegie Hall, the music had to be maybe a little less rhythmic and a little more textural. (Music: "Symphony No. 8 in E Flat Major" by Gustav Mahler) This is Mahler. It looks like Bob Dylan, but it's Mahler. That was Bob's last record, yeah.
Tamam. Burası Carnegie Hall. Elbette bu tür yerler popülerleşti. Salonlar büyüdü. Carnegie Hall orta boy bir salon. Diğer senfoni salonlarından daha büyük. Ve La Scala'dan çok daha fazla yankı yapıyorlar. Aynı dönemde, New Yorker için yazan Alex Ross'a göre, seyircinin sessiz kalması zorunlu hale geldi. Artık konser sırasında yemek, içmek, sahneye bağırmak ya da birbiriyle dedikodu yapmak yoktu. Çok sessiz olmak zorundaydılar. Bu iki şeyin birleşimi bu tür salonlara daha farklı bir müzik türünün daha iyi uyduğu anlamına geldi. Daha farklı müzik türlerinde olmayan uç dinamiklerin olabileceği anlamına geldi. Dedikodunun ve bağırışların arasında boğulan sessiz bölümler artık duyulabiliyordu. Ama Carnegie Hall gibi odalardaki yankı yüzünden müzik belki de biraz daha az ritmik ve biraz daha yapısal olmak zorundaydı. (Müzik: Gustav Mahler'den "Symphony No. 8 in E Flat Major") Bu Mahler. Bob Dylan'a benziyor ama Mahler. Evet, bu Bob'un son albümüydü.
(Laughter)
(Gülüşmeler)
Popular music, coming along at the same time. This is a jazz band. According to Scott Joplin, the bands were playing on riverboats and clubs. Again, it's noisy. They're playing for dancers. There's certain sections of the song -- the songs had different sections that the dancers really liked. And they'd say, "Play that part again." Well, there's only so many times you can play the same section of a song over and over again for the dancers. So the bands started to improvise new melodies. And a new form of music was born. (Music: "Royal Garden Blues" by W.C. Handy / Ethel Waters) These are played mainly in small rooms. People are dancing, shouting and drinking. So the music has to be loud enough to be heard above that. Same thing goes true for -- that's the beginning of the century -- for the whole of 20th-century popular music, whether it's rock or Latin music or whatever. [Live music] doesn't really change that much.
Aynı zamanda ortaya çıkan popüler müzik. Bu bir jaz grubu. Scott Joplin'e göre gruplar nehir üzerindeki botlarda ve klüplerde çalıyordu. Bu müzik de gürültülü. Dansçılar için çalıyorlar. Şarkının, dansçıların çok sevdikleri belli bölümleri vardı (şarkıların farklı bölümleri vardı). Ve "O bölümü tekrar çal," derlerdi. Eh, şarkının bir bölümünü dansçılar için tekrar tekrar ancak bir yere kadar çalabilirsiniz. O yüzden gruplar doğaçlama olarak yeni melodiler yaratmaya başladılar. Ve yeni bir müzik türü doğdu. (Müzik: W.C. Handy ve Ethel Waters'tan "Royal Garden Blues" Bunlar genelde ufak odalarda çalınıyorlardı. İnsanlar dans ediyor, bağırıyor ve içiyorlar. Bu yüzden müziğin o seslere rağmen duyulabilecek kadar yüksek seste olması gerekiyor. Aynı şey --bu yüzyılın başıydı-- tüm 20. yüzyıl popüler müziği için geçerli, rock olsun, Latin müziği olsun, ne olursa olsun. Pek bir fark yok.
It changes about a third of the way into the 20th century, when this became one of the primary venues for music. And this was one way that the music got there. Microphones enabled singers, in particular, and musicians and composers, to completely change the kind of music that they were writing. So far, a lot of the stuff that was on the radio was live music, but singers, like Frank Sinatra, could use the mic and do things that they could never do without a microphone. Other singers after him went even further. (Music: "My Funny Valentine" by Chet Baker) This is Chet Baker. And this kind of thing would have been impossible without a microphone. It would have been impossible without recorded music as well. And he's singing right into your ear. He's whispering into your ears. The effect is just electric. It's like the guy is sitting next to you, whispering who knows what into your ear.
20. yüzyılın üçte biri geçtikten sonra, bu en sık kullanılan müzik mekanlarından biri olunca değişmeye başladı. Ve bu, müziği buraya getiren yollardan biriydi. Mikrofonlar özellikle şarkıcıların aynı zamanda müzisyenlerin, bestecilerin yazdıkları müzik türünü tamamen değiştirebilmelerini sağladı. Bu zamana kadar radyoda çalanların çoğu canlı müzikti, ama Frank Sinatra gibi şarkıcılar mikrofonu kullanarak mikrofonsuz asla yapamayacakları şeyleri yapabiliyorlardı. Ondan sonra gelen şarkıcılar daha da ileri gittiler. (Müzik: Chet Baker'dan "My Funny Valentine") Bu Chet Baker. Ve bu tür şeyler mikrofon olmadan imkânsız olurdu. Kayıtlı müzik olmadan da imkânsız olurdu. Ve şarkıyı tam kulağınıza söylüyor. Kulağınıza fısıldıyor. Bu elektrik yüklü bir efekt. Sanki adam yanınızda oturmuş, kulağınıza kim bilir neler fısıldıyor.
So at this point, music diverged. There's live music, and there's recorded music. And they no longer have to be exactly the same. Now there's venues like this, a discotheque, and there's jukeboxes in bars, where you don't even need to have a band. There doesn't need to be any live performing musicians whatsoever, and the sound systems are good. People began to make music specifically for discos and for those sound systems. And, as with jazz, the dancers liked certain sections more than they did others. So the early hip-hop guys would loop certain sections. (Music: "Rapper's Delight" by The Sugarhill Gang) The MC would improvise lyrics in the same way that the jazz players would improvise melodies. And another new form of music was born.
Bu noktada müzik ayrıldı. Canlı müzik var ve kaydedilmiş müzik var. Ve artık tam olarak aynı olmak zorunda değiller. Şimdi bunun gibi, disko gibi yerler var ve barlarda müzik kutuları var, bu yüzden artık gruplara bile ihtiyaç yok. Hiçbir şekilde canlı çalan müzisyenlere ihtiyaç yok. Ve ses sistemleri gayet iyi. İnsanlar özellikle bu diskolar ve bu ses sistemleri için müzik yapmaya başladılar. Ve jazda olduğu gibi dansçılar bazı bölümleri diğer bölümlerden daha çok sevdiler. Böylece başlarda hip-hop'çular bazı bölümleri sürekli tekrarlarlardı. (Müzik: The Sugarhill Gang'den "Rapper's Delight") Sanatçı şarkı sözlerini doğaçlama olarak yazdı, aynı jaz sanatçılarının melodileri uydurdukları gibi. Ve başka bir yeni müzik türü doğdu.
Live performance, when it was incredibly successful, ended up in what is probably, acoustically, the worst sounding venues on the planet: sports stadiums, basketball arenas and hockey arenas. Musicians who ended up there did the best they could. They wrote what is now called arena rock, which is medium-speed ballads. (Music: "I Still Haven't Found What I'm Looking For" by U2) They did the best they could given that this is what they're writing for. The tempos are medium. It sounds big. It's more a social situation than a musical situation. And in some ways, the music that they're writing for this place works perfectly.
Canlı performanslar inanılmaz başarılı olduklarında akustik olarak büyük ithimalle dünyadaki en korkunç yere düştüler: stadlar, basketbol kortları ve hokey arenaları. Buraya düşen müzisyenler ellerinden gelenin en iyisini yaptılar. Bugün arena rock'ı adını verdiğimiz şeyi yazdılar, yani orta hızda balatlar. (Müzik: U2'dan "I Still Haven't Found What I'm Looking For") Burası için yazdıkları düşünülürse ellerinden gelenin en iyisini yaptılar. Tempo orta hızda. Kulağa çok büyük geliyor. Müzikal bir durumdan çok sosyal bir durum. Ve bazen burası için yazdıkları müzik mükemmel bir şekilde uyuyor.
So there's more new venues. One of the new ones is the automobile. I grew up with a radio in a car. But now that's evolved into something else. The car is a whole venue. (Music: "Who U Wit" by Lil' Jon & the East Side Boyz) The music that, I would say, is written for automobile sound systems works perfectly on it. It might not be what you want to listen to at home, but it works great in the car -- has a huge frequency spectrum, you know, big bass and high-end and the voice kind of stuck in the middle. Automobile music, you can share with your friends.
Başka yeni yerler de var. Bu yeni yerlerden birisi araba. Ben arabada radyo varken büyüdüm. Ama şimdi bu başka bir şeye dönüştü. Araba başlı başına bir mekan. (Müzik: Lil' Jon ve the East Side Boyz'dan "Who U Wit") Bence arabadaki ses sistemleri için yazılan müzik oraya mükemmel uyum sağlıyor. Bunu evde dinlemek istemeyebilirsiniz ama arabada kulağa çok iyi geliyor -- arabanın çok geniş bir frekans spektrumu var, hani büyük bas ile daha yüksek ses ve ses sanki ikisinin arasında sıkışıp kalmış gibi. Araba müziğini arkadaşlarınızla paylaşabilirsiniz.
There's one other kind of new venue, the private MP3 player. Presumably, this is just for Christian music. (Laughter) And in some ways it's like Carnegie Hall, or when the audience had to hush up, because you can now hear every single detail. In other ways, it's more like the West African music because if the music in an MP3 player gets too quiet, you turn it up, and the next minute, your ears are blasted out by a louder passage. So that doesn't really work. I think pop music, mainly, it's written today, to some extent, is written for these kind of players, for this kind of personal experience where you can hear extreme detail, but the dynamic doesn't change that much.
Bir başka yeni yer daha var, özel MP3 çalar. Sanırım bu sadece Hıristiyan müzik için. (Gülüşmeler) Ve bazı yönleriyle Carnegie Hall ya da seyircinin sessiz kalması gerektiği zamanlar gibi, çünkü şimdi her detayı duyabiliyorsunuz. Bazı yönleriyle ise daha çok Batı Afrika müziği gibi, çünkü MP3 çalardaki müzik çok sessizleşirse sesini açıyorsunuz ve bir dakika sonra kulaklarınız daha yüksek sesli bir bölüm yüzünden patlıyor. Yani tam olarak işe yaramıyor. Bence genel olarak pop müziği bugün bir açıdan bunun gibi aletler için, bunun gibi kişisel deneyimler için yazılıyor. Burada en ufak ayrıntıları bile duyabiliyorsunuz, ama genel olarak dinamik fazla değişmiyor.
So I asked myself: Okay, is this a model for creation, this adaptation that we do? And does it happen anywhere else? Well, according to David Attenborough and some other people, birds do it too -- that the birds in the canopy, where the foliage is dense, their calls tend to be high-pitched, short and repetitive. And the birds on the floor tend to have lower pitched calls, so that they don't get distorted when they bounce off the forest floor. And birds like this Savannah sparrow, they tend to have a buzzing (Sound clip: Savannah sparrow song) type call. And it turns out that a sound like this is the most energy efficient and practical way to transmit their call across the fields and savannahs. Other birds, like this tanager, have adapted within the same species. The tananger on the East Coast of the United States, where the forests are a little denser, has one kind of call, and the tananger on the other side, on the west (Sound clip: Scarlet tanager song) has a different kind of call. (Sound clip: Scarlet tanager song) So birds do it too.
Bu yüzden kendi kendime sordum: Peki, bu, bu uyum sağlama hali, bir şeyler yaratmak için bir yol mu? Ve başka yerlerde de gerçekleşiyor mu? David Attenborough ve diğerlerine göre kuşlar da bunu yapıyor. Yeşilliğin yoğun olduğu gölgeliklerdeki kuşlar, onların ötüşleri tiz, kısa ve tekrarlı oluyor. Ve yerlerdeki kuşların daha tok bir sesle ötüyorlar, böylece ormanın zemininden yankılandığı zaman biçimleri bozulmuyor. Ve bu Savannah serçesi gibi kuşların genelde uğultuya benzer (Ses dosyası: Savannah serçesinin şarkısı) bir ötüşü oluyor. Ve bunun gibi bir ses ötüşlerini tarlalar ve savanalar üzerinden iletmek için enerjik olarak en tasaruflu ve pratik yol. Bu tananger gibi diğer kuşlar da aynı tür içinde uyum sağladılar. Ormanların biraz daha yoğun olduğu Birleşmiş Devletler'in doğu kıyısındaki tanangerin bir tür ötüşü var ve diğer taraftaki, batıdaki tanangerin (Ses dosyası: Scarlet tananger ötüşü) farklı tür bir ötüşü var. (Ses dosyası: Scarlet tanager ötüşü) Yani bunu kuşlar da yapıyor.
And I thought: Well, if this is a model for creation, if we make music, primarily the form at least, to fit these contexts, and if we make art to fit gallery walls or museum walls, and if we write software to fit existing operating systems, is that how it works? Yeah. I think it's evolutionary. It's adaptive. But the pleasure and the passion and the joy is still there. This is a reverse view of things from the kind of traditional Romantic view. The Romantic view is that first comes the passion and then the outpouring of emotion, and then somehow it gets shaped into something. And I'm saying, well, the passion's still there, but the vessel that it's going to be injected into and poured into, that is instinctively and intuitively created first. We already know where that passion is going. But this conflict of views is kind of interesting.
Ve şöyle düşündüm: Eğer bu bir şey yaratmak için bir yolsa, eğer müziği en azından yapısal olarak bu mekanlara uydurmak için yapıyorsak ve resimleri galeri ya da müze duvarlarına uysun diye yapıyorsak ve yazılımları zaten var olan işletim sistemlerine uysun diye yazıyorsak, işler böyle mi yürüyor? Evet. Bunun evrimsel olduğunu düşünüyorum. İntibak edici. Ama zevk, tutku ve sevinç hâlâ orada. Bu romantik bakış açısının tersi. Romantik bakış açısına göre önce tutku geliyor, sonra duyguların taşması ve sonra bütün bunlar bir şekil alıyor. Ve ben, evet, tutku hâlâ orda, ama onun içine aktarıldığı ve döküldüğü kap içgüdüsel ve sezgisel olarak daha önce yaratılıyor. O tutkunun nereye gideceğini zaten biliyoruz. Ama bakış açılarındaki bu çatışma ilginç sayılır.
The writer, Thomas Frank, says that this might be a kind of explanation why some voters vote against their best interests, that voters, like a lot of us, assume, that if they hear something that sounds like it's sincere, that it's coming from the gut, that it's passionate, that it's more authentic. And they'll vote for that. So that, if somebody can fake sincerity, if they can fake passion, they stand a better chance of being selected in that way, which seems a little dangerous. I'm saying the two, the passion, the joy, are not mutually exclusive.
Yazar Thomas Frank, şöyle diyor, bu bazı insanların neden kendi çıkarlarına karşıt bir şekilde oy verdiğini açıklayabilir, birçoğumuz gibi, oy veren insanlar kulağa samimi gelen bir şey duyduklarında, içten gelen, tutku dolu bir şey duyduklarında daha hakiki olduğunu varsayıyorlar. Ve bunun için oy veriyorlar. Yani eğer biri samimiymiş gibi gösterebilirse, tutku doluymuş gibi gösterebilirse, bu şekilde seçilme ihtimalleri artıyor. Ve bu biraz tehlikeli gibi. Ben ikisinin, tutkunun ve sevincin sadece birbirlerine özel olmadığını söylüyorum.
Maybe what the world needs now is for us to realize that we are like the birds. We adapt. We sing. And like the birds, the joy is still there, even though we have changed what we do to fit the context.
Belki de dünyanın şu an ihtiyacı olan kuşlar gibi olduğumuzu fark etmemiz. Uyum sağlıyoruz. Şarkı söylüyoruz. Ve kuşlar gibi, hala coşku doluyuz, yaptığımız şeyi mekana uyması için değiştirmiş olsak bile.
Thank you very much.
Çok teşekkürler.
(Applause)
(Alkış)